Los miles de fans estremecieron el recinto, coreando cada una de las 30 canciones, donde se lucieron clásicos como Flaca, El Salmón y Sin documentos, haciéndole notar al autodenominado “ciudadano de la República Mundial” lo largo que han sido para el público chileno los tres años de ausencia de los escenarios de este país.

Con 40 discos bajo el brazo, 27 de ellos como solista, Calamaro no tiene problema en tomarse con humor una partida fallida: “A veces es así, a veces cada uno empieza a tocar un tema diferente”, dijo. “Es para provocarlos un rato”, rió antes de dejar el escenario.

La película está basada en el libro Psicoterapia de un indio de las llanuras, que recoge los diálogos entre James Picard (Del Toro) y el antropólogo y psiconalista francés Georges Dévereux, encarnado por Mathieu Amalric, en la clínica Menninger de Topeka, Kansas, en 1948.

Dévereux curó a Jimmy, un indio de la tribu Blackfoot (Pie negro), de los severos dolores de cabeza que sufría, que no eran causados por heridas recibidas en la guerra ni por esquizofrenia, como se creía, sino por traumas de su niñez y juventud.

“Conocer la situación de los indios fue fundamental para entender a mi personaje”, declaró el actor estadounidense.

“No tengo padre ni madre y me he convertido en padre. Mi situación en la sociedad ha cambiado, he pasado de ser hijo a ser padre. Me interesa ese aspecto y seguiré hablando de él”, explicó Kore-Eda, en competición oficial en el festival francés.

El filme cuenta la historia de dos familias. Sus hijos, de seis años, fueron intercambiados al nacer por un error del hospital, y ahora el centro médico propone deshacer el cambio y que Keita y Ryusei regresen cada uno con sus padres biológicos.

“Mi proyecto no era mostrar diferentes clases ni la sociedad japonesa, se trataba de encontrar una forma de provocar un shock en el personaje principal”, dijo.

La indignación que ha mostrado Bosé “y todos los que toman esa actitud la aplaudo pues creo que ayuda a que la democracia vaya madurando”, expresó el músico y productor Nacho Mañó, secundado por su compañero Juan Luis Giménez, quien consideró justas las exigencias de los movimientos sociales.

Reconocieron que la situación económica en su país repercute en la industria musical, ya que ha frenado el apoyo a los nuevos valores.

“Me preocupa es que perdamos nuevas generaciones de artistas pues no dan oportunidades a la gente para que pueda sonar y sacar discos”, lamentó la vocalista del conjunto, Lydia Rodríguez

Su séptimo filme pone fin a una ausencia cinematográfica de 23 años y abre la puerta al universo particular de su infancia, en el que se somete a través del arte a una suerte de terapia familiar.

El realizador recibió ayer emocionado los aplausos del público y admitió que no es casualidad que en el reparto, además de él mismo, haya dos de sus hijos, uno de los cuales, Brontis, interpreta al progenitor del autor.

“Esta película para mí fue una bomba psicológica muy fuerte. Casi he llorado porque en el fondo me he reconciliado con mi padre”, dijo a los asistentes tras la proyección, en la que no solo ha hecho cumplir los respectivos sueños de sus padres, sino el suyo propio de juntarles como familia.

Jodorowsky cumple sin concesiones su creencia de que “filmar debe ser una experiencia vital que abra los límites mentales”.

“La democracia es participación, y si no hay participación se va asfixiando y desmoronando. Hay que defender la idea de que, si queremos que la política sea decente, hay que llevar a la gente decente a hacer política y no dejar que esté en manos de los pícaros”, declaró en una charla con periodistas en Sofía.

“Esa falta de participación y esa aptitud cínica frente a la política puede destruir las democracias desde dentro. Esa es hoy la amenaza mayor que tienen las democracias europeas, incluso las de América Latina”, comentó quien recibió el título de doctor honoris causa por la Universidad de Sofía, la más antigua y prestigiosa de Bulgaria.

Casi 30 años después de que se estrenara Ghostbusters (1984), Aykroyd se mostró muy optimista sobre el proyecto que prepara desde hace tiempo para rodar la tercera parte.

La primera cinta, dirigida por Ivan Reitman y protagonizada, además de Aykroyd, por Bill Murray, Sigourney Weaver y Harold Ramis, narra en tono humorístico las andanzas de un grupo de parapsicólogos sin trabajo que crea una empresa para capturar espectros en Nueva York.

El éxito de Ghostbusters, nominada a dos Oscar, dio pie a la producción de una secuela, Ghostbusters II (1989), y a numerosas adaptaciones de la franquicia tanto en televisión, para el mundo de los videojuegos, como incluso del cómic.

La segunda entrega contó con el mismo elenco de actores, que Aykroyd quería volver a reunir para rodar la tercera parte, un proyecto en el que lleva trabajando varios años.

Aykoryd destacó que el guion “es muy bueno”, pero dijo que no podía dar detalles sobre si Bill Murray y Sigourney Weaver han expresado su rechazo o interés en el proyecto.

El actor confió en que la gente joven conecte con la nueva entrega de la serie y expresó su satisfacción por el hecho de que la saga tenga seguidores entre los jóvenes, pero también que lo sigan siendo sus padres e incluso sus abuelos.

El evento fue patrocinado por Vodafone RED y Diet Coke y reunió a miles de amantes de la moda que fueron testigos de las colecciones en las que sobresalieron las lentejuelas, las plumas, las formas geométricas, los brillantes, el print y la transparencia. Además, la mezcla del negro y el blanco sigue en boga.

En esta importante cita para la industria, el público participó como jurado teniendo un aporte de 10% en los resultados finales. De allí que uno de los competidores, Ritienne Zammit, fue galardonado con el título de nuevo diseñador de modas.

Analissa Williams, una de sus organizadoras, define esta iniciativa como “un espacio de intercambio, de colaboración, que permite a los participantes fortalecer su forma de expresarse y poner al máximo nivel sus herramientas y habilidades para enfrentar una serie de retos creativos”.

Este proyecto, organizado y gestionado por Maduros Tropical Flowers y Casa Cultural Huellas, contará este año con la participación de Alexia Zúñiga (México, fotografía), Cristo Allende (Chile, pintura), Fernando Toledo (Ecuador, pintura), Héctor Guillén (Panamá, pintura), Josianne Borneo (Brasil, ensamblaje), Magdalena Camargo Lemieszek (Polonia-Panamá, literatura), Marco Luque (Panamá, pintura), Roberto Fajardo (Panamá, pintura), Scott Crystal (Estados Unidos, escultura), Sergio Smith (Panamá, pintura), Virna Levin (Brasil, pintura) y Doris Downes (Estados Unidos, pintura).

Los responsables de esta actividad han diseñado un método para evaluar a los seleccionados. “Incluye el currículum, la carta de motivación, la respuesta creativa a la adivinanza dada en la convocatoria, las obras presentadas de cada artista, la disposición a participar, interactuar y aportar en los distintos retos creativos de la residencia; además tratamos de que en la selección haya distintas disciplinas, así como también artistas en diferentes niveles de desarrollo”.

“Desde la segunda versión”, agrega Williams, “nos acompaña un artista invitado, y dos artistas de la versión anterior acompañan a manera de apoyo y para mantener la conexión entre los artistas de la residencia”.

Destaca que en los participantes han visto “transformaciones de carácter personal, creativo y social. Los espacios de esta naturaleza los motivan a reflexionar sobre sus procesos y herramientas creativas”.

Mientras, destaca que existe “un gran interés y una entusiasta participación de los habitantes de Guadalupe, en Chiriquí, en las actividades de este evento”.

Con todo lo anterior, Williams considera que “este evento, en su proceso como en su posterior presentación [exposición] al público, es de gran impacto en el desarrollo cultural permanente que requiere Panamá”.

Lo atormentaba la fragilidad de la ciudad, así como la heterogeneidad de sus habitantes, al extremo de que una de las primeras medidas que adoptó al llegar al poder fue la contratación del urbanista austríaco Karl Brunner, así como la puesta en marcha de un plan encaminado a solucionar el problema de las “minorías étnicas” que producían el “desquiciamiento de la nacionalidad”.

“El país necesita imperiosamente mejorar sus actuales condiciones biológicas” importando inmigrantes que “llenen ciertos requisitos físicos y morales” y aprendan “panameñismo”, proclamó Arias en 1939 al regresar a Panamá como candidato presidencial. Pero la cuestión no era exclusivamente racial y cultural como se quería hacer ver, sino que tras bastidores subyacía un problema político de vastas proporciones que ponía a temblar a los partidos: el derecho al sufragio de los panameños descendientes de antillanos que, para 1930, sumaban 10 mil.

Arnulfo Arias conocía bien esta situación pues, en las elecciones de 1932, el grupo había votado en bloque por su hermano Harmodio. Incapaz de aceptar que los descendientes de antillanos que no hablaban castellano y no participaban de la cultura panameña, usufructuaran la nacionalidad e incluso tuvieran el poder de decidir una elección, Arnulfo Arias denunció públicamente: “viven amparados... por la nacionalidad de origen paterno o por la nuestra al agrado de sus conveniencias personales”. El otro “cuerpo extraño” era el de los chinos que también se proyectaba en dos direcciones: étnica y económica, pues acaparaba el 38% del comercio al por menor en la capital.

En 1940, la Sociedad Afirmación Nacional, un grupo ultranacionalista integrado por notables intelectuales como Baltasar Isaza Calderón, compartía plenamente los puntos de vista del mandatario respecto a los extranjeros, quienes eran percibidos como el mayor obstáculo para la definición de la identidad nacional. Felipe Juan Escobar, un abogado de origen afrocolonial, pensaba que el negro antillano despertaba “antipatía” sobre todo por cuestiones “raciales”, “que tenían un origen netamente estético”. El discurso oficial, como ya había ocurrido en el siglo XIX, se propuso destacar las diferencias psicosomáticas entre los negros coloniales y los antillanos, para concluir que aquellos eran superiores a los isleños, desestimulando así la solidaridad entre ambos grupos.

Este nacionalismo xenófobo, tenía también enfiladas sus baterías contra el tutelaje estadounidense. “En Panamá sólo debe existir, germinar y desarrollarse un solo credo, una sola doctrina, una sola fuerza directriz: Nuestro panameñismo... sano, sereno, basado en la investigación y en el estudio de nuestra geografía, nuestra geología, nuestra flora, nuestra fauna, nuestra historia y nuestros componentes étnicos”, declaró en 1939.

La renuncia a las recetas importadas por la maquinaria neocolonial a la “zona de contacto”, significaba poner distancia con la capital extranjerizada, al tiempo que marcaba el camino de la introspección reafirmando los postulados del ruralismo-nativismo cuya mirada estaba puesta en el interior del país, hábitat de los campesinos que no habían sido contaminados por los “extranjeros indeseables”.

FUENTES

Editor: Ricardo López Arias

Texto: Patricia Pizzurno. Profesora de Historia. Universidad de Panamá

Fotografía: Carlos Endara. Colección RLA/AVSU

Comentarios: vivir+@prensa.com

A veces esta clase de producciones se queda en la mitad del camino por falta de aire argumental, pues pone más énfasis en cómo se ve que en qué deseo contar, pero más allá de esos ocasionales desniveles, sus puestas en escena siguen maravillándome porque cambian las reglas del juego a la hora de cómo presentan la historia que te compartirán.

En tan solo dos salas hay un botón de muestra: la interesante Anna Karenina, nominada este año a cuatro premios Óscar y que obtuvo el de la categoría de mejor vestuario.

Uno podrá ponerse quisquilloso y preguntarse si en el Reino Unido no hay otra actriz que no sea Keira Knightley para darle el protagónico de una película de época (ya he perdido la cuenta cuántos largometrajes ha hecho en esa línea).

Uno también se puede poner antipático y criticarle a Tom Stoppard que hizo un desbalanceado guion de esa trágica novela publicada en 1873 y escrita por el maestro ruso León Tolstói.

Lo que es imposible de objetar es el ingenio y la osadía del director inglés Jon Wright, que ha hecho la más vanguardista adaptación, sin alejarse del concepto clásico, del devenir de una aristócrata (adivinaste, encarnada por Knightley), que estando bien casada con Karenin (Jude Law), un correcto oficial de San Petersburgo, comete adulterio con el conde Vronsky (Aaron Taylor-Johnson).

¿Por qué es arriesgada Anna Karenina? El 90% de todas las escenas de este drama, sobre una sociedad machista y conservadora, se filmó en los Shepperton Studios.

Sí, sé que es usual rodar en interiores por un sinfín de razones sensatas, el punto es que Wright nos lo deja saber en cada uno de los 100 escenarios utilizados para compartirnos la odisea de una mujer que debe debatirse entre ser desdichada en un hogar en apariencia feliz o estar pletórica en una situación que puede traerle más de un problema.

Una notable mayoría de las 246 escenas que integran Anna Karenina se desarrolla dentro de un mismo inmueble, para ser específicos, en un antiguo teatro ruso, en el que los personajes pasan literalmente de una escenografía a otra, en la que no hay magia de lo falso sino bastidores, pues uno ve que ingresan simplemente a un espacio más hermosamente realizado que el otro.

Esto puede confundir y hasta enojar a la audiencia más convencional, pues intencionalmente Wright los saca de su zona de confort, al presentar casi todos sus conflictos dentro de sets descubribles, al mejor estilo de los montajes del dramaturgo alemán Bertolt Brecht.

Wright entendió la intención de Tolstói, que entre otras dibujó en su novela a la clase pudiente rusa como un conglomerado demasiado preocupado por las apariencias, siempre a la moda y amante del buen vino y de los mejores platillos, pendiente en todo momento de que si había descomposición interna, que no se notara.

De allí que el romance pecaminoso de Anna ocurre en exteriores, al aire libre, en medio de una fotografía idílica, mientras los momentos dolorosos, los actos hipócritas y violentos tienen lugar dentro de ese teatro donde sobran las marionetas de carne y hueso y se echa en falta gente tan aguerrida como Anna.

Por todo esto, al inicio de esta columna definía a la Anna Karenina de Wright como innovadora y tradicional a la par.

Es que Wright, como su colega Baz Luhrmann, es un cineasta que siempre busca la manera de presentar lo antiguo y académico desde el barniz de lo moderno. A los dos se les puede tildar de excesivos, kitsch o rococós, pero nunca de cobardes ni conformistas.

Porque Wright pudo inclinarse por una Anna Karenina al uso, como espera el espectador promedio, como ya se ha hecho 25 veces desde que en 1911 se llevó a cabo su primer traspaso a la pantalla grande.

Por otro lado, aunque en líneas pasadas arremetí contra Tom Stoppard por no sacarle toda la sustancia a la obra de Tolstói, en especial cuando confecciona a todos los personajes centrales, menos el de Anna, sí admito que nos lleva a preguntarnos si esta es un monstruo de cinco cabezas o tiene el legítimo derecho de buscar la pasión en otro hombre distinto a su esposo, aunque eso signifique faltar el respeto a un marido de conducta irreprochable y que ella corra el peligro de perder a sus hijos, descender a la condición de paria entre los suyos y perder su fortuna y su estatus.

Lo llamé por teléfono inmediatamente, hablé con él, que estaba emocionado, y yo también, y le dije que la Cátedra Vargas Llosa iba a hacerle un homenaje único. Le di la fecha exacta en la que lo celebraríamos: el 13 de mayo de 2013, en la Casa de América, Madrid.

Quedaban por delante cuatro meses, pero yo sabía que había que ponerse a trabajar al minuto siguiente de colgar el teléfono porque se me había ocurrido algo, en principio, muy difícil: que los cuatro Beatles españoles, tenores o tonadilleras de postín, como ellos mismos se destacan, estuvieran en un escenario leyendo los poemas de Caballero Boland, los versos que cada uno por su cuenta eligieran previamente.

Los cuatro Beatles eran y son nada menos que Luis Eduardo Aute, Juan Manuel Serrat, Joaquín Sabina y Miguel Ríos.

Íbamos a contar en este acto con la presencia del propio Caballero Bonald, Mario Vargas Llosa y Nélida Piñón, la escritora brasileña adscrita a la CVLL.

Decidí hablar primero con Aute. Me dijo que estaba encantado y que aceptaba la invitación. Luego, en esa misma mañana de teléfonos hablé con Miguel Ríos, amigo con quien había discutido mucho sobre el Real Madrid (los dos somos blancos madridistas); después hablé con Serrat, que mostró su gozo por participar en el acto. Finalmente contacté con el que me parecía más difícil, Joaquín Sabina, que también apareció de inmediato para afirmar que estaba muy contento de que se me hubiera ocurrido semejante “disparate”.

Poco a poco pasó el tiempo. Se iban celebrando los fastos del Cervantes, la comida tradicional en el Palacio Real presidida por los Príncipes; la entrega del premio en el claustro de la Universidad de Alcalá, con un gran discurso del premiado que ya he aplaudido en multitud de ocasiones. Y se acercaba el día del homenaje cuando empezó el mes de mayo en Madrid: con calor y nervios caminaba la cosa.

De vez en cuando, estratégicamente, llamaba a uno o a otro de los Beatles, o le enviaba mail recordando que ya estaba cercano el día: no quería que se me escapara alguno por cualquier razón de última hora y que el acto quedara cojo.

Los dos últimos días fueron de infarto: la preparación del escenario, el orden del espectáculo, moderar los egos, quién lee antes y quién después; que todo saliera a la perfección. Además, ya sabíamos que se iba a provocar un overbooking del público y de los periodistas gráficos.

Ese día opté yo mismo por llevar la batuta del acto, por “repentizar” (es decir, improvisar) cada una de mis intervenciones. Fueron llegando a la Casa de América cada uno de los invitados. En la calle el público se apelotonaba y la fila para entrar en el recinto del homenaje daba la vuelta a la manzana del Palacio de Linares.

Ahora se trataba de que todo cuanto ya estaba ordenado no se viniera abajo.

Habíamos tenido una desgracia un día antes: había muerto en Barcelona Constantino Romero, la voz de Clint Eastwood en el “doblaje” al español de sus películas, y era íntimo de Serrat. Él vendría, pero tendría que marcharse de inmediato a Bercelona para asistir al velorio de su amigo. Todo salió a la perfección. Los Beatles leyeron, aunque Aute lo hizo con música enlatada desde México. Todos estuvieron a la altura de lo mejor: eran los mejores y venían obligados a hacer el homenaje al amigo mayor.

Al final, Caballero Bonald agradeció el homenaje a la CVLL y a la Casa de América, a Vargas Llosa y a cuantos estaban allí, más de 400 personas, en el interior del auditorio Gabriela Mistral. Leyó la última estrofa del gran poema que da título a su último hasta ahora libro de versos, Entreguerras, y el homenaje acabó con Caballero Bonald muy abrumado por la emoción y el público puesto en pie con su aplauso.

Después nos fuimos los amigos, unos 40, a celebrar con unos tragos el homenaje a Caballero Bonald. Y hasta las 2:00 de la mañana estuvimos cantando rancheras y contando anécdotas a gritos en el Buenaventura de la calle Hermosilla.

Fue un día perfecto que habíamos diseñado cuatro meses antes y fuimos perfeccionando poco a poco durante esos mismos cuatro meses. Yo sentí ese éxtasis de satisfacción del organizador que imagina lo imposible y tiempo después lo ve realizado en plena vida con una estela de aplausos. Fui feliz viendo felices a los demás. Y me congratulé una vez más de tener los amigos que tengo, a mis años y con tantos enemigos...

En los años 1970, cuando empecé a recibir cartas y libros, los leía con cuidado y respondía a todos esos corresponsales espontáneos con misivas que a veces me tomaba varias horas redactar. Un día descubrí que si quería estar al día con las cartas tendría que dejar de escribir y hasta de leer.

Desde entonces ya casi no contesto cartas y solo alcanzo a leer una ínfima parte de los libros que recibo. Sé que voy quedando mal con mucha gente y ganándome enemigos por doquier, pero no tengo alternativa.

Eso sí, a veces, hurgando en la pirámide y hojeando los libros que no agradeceré, me llevo alguna sorpresa estimulante, como hace dos semanas, recién llegado a Madrid. Más de un centenar de libros se habían acumulado en mis seis meses de ausencia. Leía los títulos, la contraportada, los iba ordenando en pilas y olvidando, cuando, de pronto, en un índice advertí que uno de los capítulos de aquel volumen estaba dedicado a un humanista que admiro: Pedro Henríquez Ureña.

Comencé a leer esa fascinante reconstrucción retroactiva de la vida del ilustre erudito dominicano a partir de su muerte súbita en el tren que lo llevaba de Buenos Aires a La Plata a dictar sus clases en el modesto colegio en el que se ganaba la vida, y ya no pude parar la lectura hasta la última página del libro.

Su autora, Leila Guerriero, es una periodista argentina, y el libro, que recoge una veintena de trabajos suyos –todos publicados en diarios y revistas con la excepción del que reconstruye con soberbia eficacia la vida de Roberto Arlt, que es inédito-, se titula Plano americano y está editado en Chile por la Universidad Diego Portales.

Me temo que esta edición tenga una circulación restringida y no llegue a los muchos lectores que deberían leerlo, pues se trata de una colección de textos que, además del mérito que tiene cada uno de ellos, muestra de manera fehaciente que el periodismo puede ser también una de las bellas artes y producir obras de alta valía, sin renunciar para nada a su obligación primordial, que es informar.

Cada uno de estos perfiles o retratos de músicos, escritores, fotógrafos, cineastas, pintores, cantantes, es un objeto precioso, armado y escrito con la persuasión, originalidad y elegancia de un cuento o un poema logrados. En nuestro mundo el periodismo suele ser el reino de la espontaneidad y la imprecisión, pero el que practica Leila Guerriero es el de los mejores redactores de The New Yorker, para establecer un nivel de excelencia comparable: implica trabajo riguroso, investigación exhaustiva y un estilo de precisión matemática.

PROEZA NARRATIVA

Antes de enfrentarse a sus entrevistados (vivos o muertos), ella ha leído, visto u oído lo que ellos han hecho, se ha documentado con rigor sobre sus vidas y sus obras consultando a parientes, amigos, editores o críticos, leyendo toda la documentación posible sobre su entorno familiar, social y profesional. Sin embargo, sus ensayos no delatan ese quehacer preparatorio tan rico; al contrario, son ligeros y amenos, fluyen con transparencia y naturalidad, aunque bajo esa superficie leve y ágil que engancha la atención desde las primeras líneas, se advierte una seguridad y seriedad que les confiere una poderosa consistencia.

Los perfiles de Henríquez Ureña, de Arlt, de Idea Vilariño, de Nicanor Parra, del crítico de cine uruguayo Alsina Thevenet, de la fotógrafa argentina Sara Facio, de Ricardo Piglia, Juan José Millás y todos los demás, son una verdadera proeza narrativa por la cercanía que consiguen, introduciendo al lector en la intimidad de todos ellos, en la pulcritud o el caos en que viven o vivieron, en los objetos de que se rodearon, sus padres, mujeres o maridos o hijos, y en su manera de trabajar, en sus éxitos y fracasos, en sus grandezas y pequeñeces.

PURO RESPETO

Leila Guerriero no interfiere jamás, nunca usa a sus personajes para autopromocionarse, practica aquella invisibilidad que exigía Flaubert de los verdaderos creadores (que, como Dios, “deben estar en todas partes, pero visibles en ninguna”).

Estas figuras jamás alcanzarían la densidad que tienen, el atractivo que emana de ellos, si la autora no escribiera con tanta desenvoltura y exactitud, no dijera sobre ellos cosas tan inteligentes y no las dijera de manera tan discreta y elegante.

La estructura de cada uno de estos perfiles no respeta la cronología, el tiempo transcurre en ellos casi siempre como un espacio en el que el relato avanza, retrocede, salta continuamente del futuro al pasado y al presente para ir creando una perspectiva poliédrica de estas personas, hasta dar de ellas una impresión de totalidad, de síntesis que aprisiona todo lo que hay o hubo en ellas de sustancial. El resultado es siempre positivo, todos los entrevistados terminan por despertar la simpatía, a veces la admiración, a veces la ternura, y casi siempre la solidaridad del lector.

Porque otro de los atributos de Leila Guerriero, raro entre sus colegas contemporáneos, es ya no literario ni periodístico, sino moral: el respeto con que se acerca a cada uno de sus personajes, sus esfuerzos por llegar a entender lo que son y lo que hacen sin que distorsionen su juicio los prejuicios y los clisés, el mismo tratamiento respetuoso y neutral que da a las figuras consagradas y a los artistas o escritores de menor significación o todavía principiantes.

En este sentido, está en las antípodas de los celebrados periodistas norteamericanos del “nuevo periodismo” y sus frenéticos desplantes, del exhibicionismo que lucían entrevistando a estrellas a fin de desmenuzarlas y levantar sobre sus escombros estatuas a la gloria de sí mismos, a su picardía o inteligencia (en verdad, a su egolatría y deshonestidad).

Ni una sola de las entrevistas y perfiles de Plano americano se permite esas licencias abusivas y vanidosas del periodista-espectáculo; todas ellas delatan, además del talento de su autora para rastrear las fuentes más íntimas de la vocación y creatividad de los autores, una voluntad de juego limpio, de objetividad y autenticidad, lo que dota a sus textos de una gran fuerza persuasiva: los lectores le creemos todo lo que nos dice.

Otro de los mejores hallazgos de su técnica narrativa es la eficacia de las citas. Sean frases tomadas de libros o artículos, o dichas por sus entrevistados, vienen siempre como relámpagos a iluminar un rasgo psicológico o delatar una manía, una obsesión, un recóndito secreto que explica cierta deriva existencial o motivo recurrente, algún detalle que de pronto esclarece algo que se anunciaba hasta entonces de manera informe y subrepticia.

En los años 1950, Truman Capote, un maestro de la publicidad, lanzó la idea de la novela-verdad, de la novela-reportaje, a raíz de A sangre fría, su minucioso testimonio sobre un crimen cometido en un pueblecito estadounidense. Leyendo este libro de Leila Guerriero he recordado mucho aquellas tesis de Truman Capote, porque me parece que esta periodista argentina hace realidad, con más provecho todavía que el escritor norteamericano, la idea de que los recursos y técnicas de la novela pueden ser utilizados para enriquecer un reportaje o un trabajo de investigación.

Mi impresión es que en los casos de Truman Capote, Norman Mailer, Gay Talese o Tom Wolfe, lo literario llegaba a dominar de tal modo sus trabajos supuestamente periodísticos, que estos pasaban a ser más ficción que descripción de hechos reales, que la preeminencia de la forma en lo que escribían llegó a desnaturalizar lo que había en ellos de informativo sobre lo que era creación. No es el caso de Leila Guerriero.

Sus perfiles y crónicas utilizan técnicas que son las de los mejores novelistas, pero su método de estructurar los textos utilizando distintos puntos de vista y jugando con el tiempo, así como dando al lenguaje una importancia primordial –tanto en la elección de las palabras como en sus silencios-, no llegan jamás a prevalecer sobre la voluntad informativa, están siempre al servicio de esta sin permitir que la forma deje de ser funcional y termine por trascender aquella subordinación a la realidad objetiva, que es el dominio exclusivo y excluyente del periodismo.

El 22 de junio de 1856 se celebró una asamblea para repudiar la ocupación de Nicaragua por la falange filibustera de William Walker, quien tras hacerse elegir presidente restableció la esclavitud e instauró el inglés como idioma oficial.

Fue entonces cuando en uno de los ardientes discursos de aquella noche en París, el chileno Francisco Bilbao habló por primera vez de “la raza latino-americana”, para oponerla a la raza anglosajona, que se había apropiado del nombre de América.

Ganamos una identidad basados en una confrontación, más que en la existencia de instituciones firmes y bien definidas, entre cuartelazos, asonadas y guerras civiles. Y esta misma identidad defensiva que alimentó las luchas ideológicas a lo largo de la guerra fría, con el tiempo ha llegado a volverse retórica, y subsiste como bandera de combate para lo que ha dado en llamarse el nuevo socialismo, o bolivarianismo.

Estamos ya muy lejos del siglo XIX y lejos de los años de la guerra fría, y la política de Estados Unidos hacia América Latina se basa hoy en la cooperación para enfrentar el tráfico de drogas, el crimen organizado y el terrorismo.

Ninguna de sus coordenadas pasa por el reclamo de la democracia institucional y el respeto a los derechos humanos, y abre un espacio de convivencia con lo que podríamos llamar autocracias electas, pese a la retórica confrontativa.

Por otro lado, nuestra pretensión de identidad latinoamericana buscó sus sustentos ideológicos en el pensamiento europeo. He allí el primer gran vínculo entre América Latina y Europa.

Las ideas europeas que alimentaron nuestra independencia circulaban de contrabando, por peligrosas. Eran exóticas, y sus símbolos también lo eran. El gorro frigio se quedó hasta hoy en los escudos de armas de muchas de las nuevas repúblicas, un emblema persistente de la libertad tantas veces malversada.

Y esas ideas que definieron el Estado moderno en el siglo XIX y se asentaron en las nuevas constituciones, siguieron siendo exóticas por mucho tiempo, y en no pocos sentidos lo son aún: imperio de la ley, balance de poderes, gobiernos republicanos y democráticos.

Al hablar de la relación entre Europa y América Latina, salta de por medio una asimetría democrática.

En muchos sentidos, seguimos siendo decimonónicos porque la institucionalidad no ha progresado lo suficiente y es fácil que debajo de las pretensiones de modernidad surja siempre la figura autoritaria del caudillo.

Tenemos gobiernos más o menos democráticos, basados en concepciones ideológicas diferentes, no en reglas institucionales identificables.

La democracia, dice Albert Hirschman, no se sostiene necesariamente en la prosperidad. Debe sobrevivir aun en situación de pobreza, o de crisis, como es el reto hoy mismo en Europa, en países como Grecia, Chipre, España y Portugal; las instituciones democráticas no solo deben permanecer incólumes ante la crisis, sino que deben guiarla hasta su solución.

Pero la propuesta contraria, prosperidad sin democracia, viene a ser un desafío peligroso. Si China, cuya presencia en el ámbito económico latinoamericano es cada vez mayor, representa un modelo económico exitoso, la pregunta tentadora viene a ser: ¿por qué apegarse al modelo democrático europeo, si el modelo chino demuestra que el liderazgo autocrático rinde tan buenos frutos para llevar adelante proyectos de largo plazo?

América Latina, a pesar de que crece económicamente, no termina de resolver el asunto de la institucionalidad democrática, como se ve en no pocos de nuestros países, y eso es ya en sí mismo una crisis. Y las crisis traen consigo riesgos, pero también la oportunidad de que nazcan ideas renovadoras de cambio, desafiando los viejos paradigmas que apuntan hacia el pasado.

La idea está aún en ciernes, pero tiene buenas perspectivas de hacerse realidad antes de que termine el año.

“No será un proyecto difícil ni caro. Y se está extendiendo muy rápido por las redes sociales”, cuenta a Efe Aneta Rehková, portavoz de la Empresa Municipal de Transportes (MHD) de la capital checa.

Desde la compañía se encuadra esta iniciativa en el deseo de que la gente vea al transporte público no solo como una forma económica de viajar, sino también como una parte de la vida diaria.

“Aunque los trayectos duran poco tiempo, al ritmo frenético que vivimos, la gente tiene que encontrar rápido a su media naranja”, defiende Rehková.

De momento, su opinión es, según la portavoz, compartida por muchos praguenses y la propuesta está tendiendo una razonable buena acogida en la opinión pública. Una encuesta entre sus lectores, realizada por el diario Tyden, señala que el 56% ve los vagones de solteros como una gran idea, mientras que en 43% cree que es un sinsentido.

Con sentido o sin él, la idea surgió como un argumento de venta, inspirada vagamente en iniciativas como los vagones exclusivos para mujeres que funcionan en Tokio o en México D.F.

A pocos metros de la histórica Praa da República, el helipuerto del curvilíneo edificio residencial Copan, proyectado en los años de 1950 por el arquitecto Oscar Niemeyer, recibe el tercer viernes de cada mes a un grupo de monjes budistas que, a 115 metros de altura, escapa del bullicio del corazón de la mayor ciudad brasileña.

A las 7:00 de la mañana y sin importar los bruscos cambios del clima paulista, dos o tres monjes del templo Busshinji, ubicado en el barrio central de Liberdade -habitado en su mayoría por inmigrantes asiáticos- suben al helipuerto acompañados de no más de cinco seguidores, número limitado por cuestiones de seguridad.

“En 2008 comenzamos las actividades de meditación en el tejado del Copan y el objetivo era justamente demostrar todo nuestro sentimiento de aprecio por la ciudad de Sao Paulo”, dice el monje Jisho Handa.

El religioso explica que “no se trata de producir energía espiritual para mejorar Sao Paulo y sí de una sintonía, de un sentimiento de amor por la ciudad, y al tiempo de compartir el sufrimiento del día a día de la ciudad”.

El ritual de meditación en medio de la selva de cemento del centro de Sao Paulo, con imponentes y cincuentones rascacielos, ha llamado la atención de muchas personas en los últimos cinco años.

“Sao Paulo es una ciudad cosmopolita y llena de contrastes sociales y culturales, pero tener a un grupo de monjes budistas en la azotea de uno de los edificios más conocidos, no deja de ser algo curioso”, comenta el analista financiero Luiz Soares, uno de los casi 2 mil500 residentes del Copan.

El fuerte viento ahoga las sirenas y los zumbidos de los motores de los automóviles, que desde lo alto parecen pequeños insectos que no perturban los 75 minutos de concentración de los monjes y practicantes del budismo.

Como todos los días, Yahir, de 21 años, abre sus ojos para emprender la rutina que desde hace cuatro años cumple para llegar, a eso de las 8:00 a.m., a su trabajo, como muchos otros en las mismas.

Su destino es el Instituto Superior de Bellas Artes, perteneciente al Instituto Nacional de Cultura (Inac), ubicado al otro extremo de la ciudad, en la avenida Central, para luego ingresar a las 3:00 p.m. a sus clases de segundo año en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Panamá, cuyo punto geográfico es el otro extremo, Curundú.

Yahir se crió en el barrio de Samaria, en San Miguelito, y aunque las convenciones sociales asocian su ejercicio profesional con la que realizan algunos de un estrato más elevado, al preguntársele de dónde viene y a qué se dedica, saca pecho, alza el rostro, mira a los ojos y, con una sonrisa franca e infantil, encara al más escéptico.

“Cuando me preguntan de dónde soy, y respondo que de Samaria, se asombran: ´¿de Samaria? ¿y bailas ballet?”.

“Sí, es un área roja y muy difícil, pero la gente con la que crecí me habla con normalidad. Saben que el hijo de Esteban y Claudia baila ballet y lo hallan como algo bueno, porque para ellos esto no es algo normal. Sin embargo, nunca me han hecho sentir menos, sino que he servido de ejemplo para sus hijos”, enfrenta.

Hace tres años, Yahir Castro eligió dedicarse a la danza, y hoy es una de las principales figuras del Ballet Nacional de Panamá, representando a esta compañía frente a públicos lejanos y exigentes como Rusia, que antes ignoraban la valía dancística de este pequeño país tropical, al otro lado del mundo.

DESTINO, SAN PETERSBURGO

A finales de abril pasado, Yahir fue becado por la familia de la fallecida bailarina Patricia Guardia para representar a Panamá en el Festival Internacional de Ballet Dance Open, efectuado en San Petersburgo (Rusia).

“No me lo creí. Estábamos todos los del ballet en un taller y terminando la clase, Olga Guardia de Smoak ­exbailarina y asesora de la directora del Inac, María Eugenia Herrera­ me dijo que, luego de observarme, me había ganado una beca para ir a Rusia”.

Con el brillo en sus ojos de un niño ilusionado, Yahir rememora lo que significa para su profesión haber viajado a la tierra del Bolshoi y el Mariinsky, dos de las compañías de ballet más importantes del mundo. “Ir a Rusia es un sueño para todo bailarín. Fue una gran experiencia. Nunca me imaginé ir, y aunque las ganas estaban, nunca se me pasó por la mente que eso podía pasar”.

Al igual que en sus espectáculos, durante una semana, el Dance Open también se concentra en la pedagogía, brindando clases maestras con figuras como Stanislav Feco, Igor Petrov, Elvira Tarasova e Irina Badeeva.

Todos los estudiantes participan en su propia gala y acuden a ver las actuaciones de los profesionales, además de hacer recorridos turísticos por San Petersburgo.

En la Gala de Estrellas Jóvenes, Yahir presentó una variación del ballet Satanella, pieza de Joseph Mazilier de 1840, y el solo de Les Infants, adaptado por las bailarinas panameñas Manuelita y Lilia Navarro.

Los comentarios sobre su performance no tardaron, en especial el de la crítica rusa Ana Gordeeva: “la presentación del panameño Yahir Castro es la mejor recordada. Si nada cambia, puede que en siete años se tome por asalto el American Ballet Theater. Este chico no sabe lo que es la gravedad”, aunque responde que para ser invitado dicho colectivo, “se tiene que ser estrella de otras compañías”. “Si voy sería uno más del cuerpo de baile toda mi vida”, considera.

Mientras tanto, “los críticos han pensado que en Panamá se tiene un nivel muy alto”, añade Yahir, quien, durante su entrenamiento, absorbió técnicas del Bolshoi y el Mariinsky.

“Los rusos tienen mucho control en los port de bra [movimientos de brazos]. El Bolshoi tiene una presencia muy fuerte y arrogante en el escenario, mientras que el Mariinsky es más elegante y clásico, y siento que absorbí esa virtud, la del control”.

LA ESENCIA SIGUE AHÍ

Cuba, Costa Rica, Nicaragua y Estados Unidos ya han sido tachados en su mapa de países por conocer gracias a su trabajo, pero no hay lugar para Yahir que se compare con el que lo vio crecer.

“Cuando empecé a bailar, mis amigos en Samaria se metían en mi cuarto y se ponían mis mallas sobre sus pantalones. Me causaba risa. Gracias a Dios tengo los amigos que tengo, porque cuando hay días en los que no salen las cosas, ellos están ahí. Con ellos corría, tumbaba mangos, hacía y deshacía”, relata sonriendo con su mentón roto y sacando a relucir la cicatriz en la ceja que se provocó a los ocho años jugando al béisbol gracias a esa insistente actitud de “necio, inquieto y mal portado” que todavía lo acompaña y por lo que es conocido en el ballet y la barriada.

“No me gusta ver a la gente seria. No soy muy ordenado, pero tampoco quiero fingir lo que no soy para caerle bien a la gente”, contesta en franca rebeldía, aunque coartada por la disciplina que le impartieron sus padres, a quienes él y sus otros siete hermanos perdieron en 2008, uno seguido del otro.

Sin darse cuenta, revela una cara más madura y disciplinada. La que ha forjado la calle, el levantarse a las 4:00 a.m. y llegar a las 8:00 p.m.; los consejos, los supuestos prejuicios de su profesión y esa responsabilidad de saber qué es lo que se tiene que hacer, sin importar lo que piensen otros.

“Eso es lo que trato de hacer, seguir mis sueños. Sé que mis papás estarían muy felices. Mis hermanos lo están, porque estas son grandes oportunidades. No es un pasatiempo, es un estilo de vida. La danza es lo que me rodea, lo que como y lo que respiro”.

Una familia, una beca

Olga Guardia de Smoak, en nombre de la familia Guardia, propuso crear una beca en honor a la desaparecida bailarina panameña Patricia Guardia, quien falleció en 2008 a causa de un infarto masivo.

“El concepto era buscar a alguien que estuviera en los inicios de su carrera en el ballet, con mucho potencial y sin los recursos para vivir esa experiencia”, afirma Enrique Guardia, tío de la bailarina, que participó en la creación de esta beca.

“Nos pusimos de acuerdo con María Eugenia Herrera y los miembros del Ballet Nacional de Panamá para hacer una cooperación en términos financieros y de elección del talento”, agregó.

“Yahir sobresalía por su habilidad; como talento del ballet y representante de nuestra patria nos dejó muy en alto y cubriéndose de gloria”.

Según Guardia, la intención es hacer de la beca una manera de inmortalizar la memoria de la bailarina.

Alicia Mon Chambers