Eran las 10:00 p.m. cuando el saxofonista Marcos Díaz hizo resonar las notas de Amiga mía. Así dio inicio el repertorio del cantante panameño Miguel Ángel. La audiencia se animó con Regálame una flor, que cantó junto a Freddy Sky. Pero el momento cumbre se dio con Yo no te olvido.

A las 10:42 p.m. el público ya ocupaba el Figali en su totalidad y estaba más entusiasmado.

Siguió Joey Montana, quien hizo que las chicas cantaran Sin ti y Será imposible. Luego, invitó al escenario a Kafú Banton para interpretar Playa. Después interpretó No lo vuelvo a hacer y Tus ojos no me ven.

Posteriormente, a las 11:50 p.m., llegó el turno de los boricuas RKM y Ken-Y. Cuando cantaron Cuerpo Sensual ya en el área VIP no cabía más nadie, había más gente de la que podía ocupar los puestos.

Parados sobre las sillas de allí en adelante, los asistentes corearon Igual que ayer, Mi amor es pobre y Romper el hielo. También bailaron con Doctorado y Te regalo amores.

A las 2:00 a.m. apareció el puertorriqueño Don Omar. El cantante dijo estar muy contento de volver a Pana-má luego de cuatro años de ausencia (no podía regresar antes de resolver el caso de plagio que tenía pendiente con Nando Boom). Los Rabanes acompañaron al boricua para cantar “Rockton”, tema del disco Ecolecua.

Se hizo una pausa para que Don Omar recibiera un disco de oro por sus ventas en Centroamérica. “Ahora sí vamos a celebrar”, afirmó, y empezó a cantar Cuéntale. Luego, invitó a sus bailarines y por un momento no parecía que estaban en un concierto, sino en un show de ladys night.

Se escuchó claramente la letra de Aunque te fuiste, y la audiencia la cantó a coro y a todo pulmón. El concierto terminó con Hasta abajo.

Así, el apodado “El rey” terminó su celebración. El público quedó satisfecho, no pidió más. Los asistentes empezaron a retirarse.

Hubo algunos empujones para salir y los que aún podían caminar derecho, buscaron sus carros para unirse a la fila que suele formarse al salir.

Con esta presentación, Tocando Madera, la gira... continúa una etapa de conciertos de canción de autor individuales o colectivos en pequeños escenarios de la ciudad y del país.

Su organizador, Yigo Sugasti, comenta que eligen espacios teatrales porque “la propuesta de nuestros cantautores es una experiencia para vivirla de manera íntima y en formato de espectáculo, donde el público vaya con el objetivo de escuchar y disfrutar de la nueva banda sonora de Panamá”.

Los artistas sólo interpretarán temas de su propia autoría. El recital empieza a las 8:00 p.m en el Teatro La Quadra. Los boletos tiene un costo de 10.00 dólares.

El evento es parte de la séptima temporada de Tocando Madera, la gira..., que presentó ayer a Cienfue, en el restaurante Rayuela.

Así pensaba la llamada “reina del bolero”, quien lo expresó en algún momento de su vida, según cuenta Papito Almanza, productor de teatro y de espectáculos panameño, quien tuvo la oportunidad de conocerla y entablar una amistad con ella.

La intérprete cubana, que murió el lunes pasado en el hospital Mount Sinai de Miami Beach, a causa de un infarto, era comparada con otras leyendas como la francesa Edith Piaf y la estadounidense Judy Garland.

Hoy se llevará a cabo un servicio religioso en su honor, para su familia, en EU.

Muchos recordarán a Guillot por boleros como Miénteme, Sabor a mí y Contigo en la distancia, entre otros éxitos que la hicieron merecedora de 14 Discos de Oro y 10 de Platino.

Otros, que estuvieron a su lado y la vieron en el escenario, guardan con cariño los recuerdos de su presencia, su forma de ser y sus interpretaciones. Es el caso de Almanza, quien la recuerda alegre y “amigancha”.

“Le fascinaba ser una estrella y brillar, porque sabía cómo comportarse y cómo ser el centro”, rememora.

Pete Romero supo de Guillot en 1955, cuando él empezó en la radio y ponía los temas Campanitas de Cristal y Miénteme. Uno de los momentos más preciados por este locutor fue cuando la presentó en el night club El Sombrero, de Yolanda Herrera, que quedaba frente a la entrada de Vista Hermosa.

VEA ‘Monstruo sagrado’

La última vez que visitó Panamá fue en 2006, cuando la invitaron al concurso “Esa cabellera blanca”, transmitido por Medcom.

Pete Romero, conductor del programa de televisión Recordar es Vivir, apunta que antes de eso estuvo en Panamá para participar del Festival de Boleros, del que también formaron parte Celio González, cantante de la Sonora Matancera, el trío Diamantes de México, Roberto Ledezma y Marta Estela Morales.

En esa ocasión la pusieron a ensayar con un pianista y a ella no le gustaba, decía que no iba a cantar porque él no llenaba los requisitos. Tuvieron que buscar a otro pianista, dice Romero.

“Le llevaron a Dino Nugget, pianista de La Cachamba, y a penas le puso el papel en frente fue una belleza. Salió perfecto y ella quedó encantada con el pianista nuestro”, recuerda Romero.

La historia de Seymour es contada en La tiendita del horror, comedia negra dirigida por Edwin Cedeño y que se presenta hasta el 19 de septiembre en la sala Gantes del Teatro La Quadra.

Ambientada en Skid Row, un barrio bajo de Nueva York en los años de 1970, la obra gira en torno a Seymour (Alejandro Lagrotta), un joven pisoteado por su jefe Gravis Mushnik (Miguel Cuadra), y a Audrey (Roseta Bordanea), una chica soñadora que es maltratada por su novio Orin Schrivello (Randy Domínguez).

Todos en el barrio sueñan con un futuro mejor, incluso las inseparables Chifón (Janelle Davidson), Ronnette (Natali Harris) y Crystal (Mayra Hurley), que parecen no tener nada que hacer; pero la oportunidad de que la vida cambie se le da solo a Seymour Krelboyne.

Esto ocurre cuando el muchacho le muestra a Mushnik una planta que compró en un barrio chino.

Pronto el establecimiento, casi olvidado en el que trabaja Seymour, pasará a ser la floristería más famosa del área gracias a Audrey 2, como es bautizada la planta que será su atractivo, aunque sus peculiares preferencias gastronómicas harán que su cuidador pase por momentos difíciles, al punto de convertir a la tiendita en un verdadero sitio de horror.

Con algunas voces que impresionan y situaciones cómicas, el montaje intenta decir que hay que tener cuidado cuando las cosas que queremos se ofrecen fácilmente y a costa de otros.

A pesar de no contar con grandes recursos tecnológicos, uno de los aspectos más llamativos de la escenografía es la enorme planta carnívora que los productores lograron recrear con acierto.

El evento será gratuito y contará con la participación de más de 40 artistas nacionales que se presentarán en el parque Andrés Bello y dentro de 16 restaurantes a lo largo de la Vía Argentina, en el corregimiento de Bella Vista. Así lo dijeron los organizadores del festival, el martes pasado, en conferencia de prensa.

Jorge Martínez, gerente de mercadeo de la Universidad de Arte Ganexa, explicó que la actividad tendrá tres circuitos: el de los restaurantes, en donde se presentarán pintores, poetas y fotógrafos; el del parque Andrés Bello con los artistas Converse, bandas de rock, pasarelas de moda y artesanos; y el que se dará al final con una proyección 3D Mapping sobre el edificio del restaurante El Trapiche.

La proyección, a cargo de Libélula Films, se hará a las 9:00 p.m. y durará 40 minutos. El tema será la diversidad étnica y cultural de Panamá, a través de reconocidos pintores panameños.

Cada circuito es para un público distinto, pero con un sentido familiar, comentó Martínez.

En el parque Andrés Bello habrá talleres de arte desde las 11:30 a.m., tarimas de rock de 2:00 p.m a 7:00 p.m., y de jazz a partir de las 9:00 p.m.

También se presentarán los embajadores Converse, artistas elegidos para representar la marca de ropa en el ámbito nacional. Ellos son Annie Chajín, diseñadora de modas; Rolo De Sedas, artista ambientalista; Coloreto, artista del tatuaje y body painting; José Potes, diseñador gráfico y fotógrafo; y Kazz, pintor de grafitis.

Por eso es contraproducente que se obligue a los niños indígenas a aprender la lengua española sin conocer lo básico de la lengua materna de ellos, expresa Candanedo.

Ya en 1970 había empezado un proyecto para corregir este aspecto, pero fue cancelado con la derogación de la Reforma Educativa, comenta el filólogo.

No obstante, a través de la Ley 88 del 22 de noviembre de 2010, se reconocieron las lenguas y los sistemas fonéticos y gráficos de las siete etnias aborígenes de Panamá: ngäbe, buglé, kuna, emberá, wounaan, naso tjerdi y bribrí.

A sus 19 años, Melissa Janet Romero, la hija del cantante de música cristiana Jesús Adrián Romero, emprende su propio camino y busca ser la protagonista de su historia musical.

“Tenerlo a él como un ejemplo ha sido una bendición. Aparte nací con ese gusto. Era una pasión que tenía, y tenerlo a él siempre enseñándome y cantándome, me inspiró”, admite la joven mexicana en una entrevista telefónica con este diario.

Hace poco estrenó su carrera en solitario con la canción Solo dije que sí. El tema, escrito y compuesto por Daniel y Damaris Freire, acompañado de un video en blanco y negro, es la carta de presentación de Melissa Janet, dueña de una voz muy dulce.

“Personalmente es muy emocionante para mí, desde chiquita lo quería hacer, poder tener un sencillo. Estoy muy expectante”, dice. La música le corre por las venas. Melissa Janet tenía 8 años cuando aprendió a tocar la guitarra, y a los 12 comenzó con el piano.

“Empecé a tocar en el grupo de jóvenes en la iglesia. Fui a la universidad a estudiar música y luego me tuve que ir. Pero nunca paré. Cuando fue creciendo [el amor por la música] dije: ‘esto es lo que quiero hacer”, cuenta la cantante, quien admira, además de su padre, a los músicos que trabajan con él, y tiene entre sus favoritas la música inglesa.

También le gusta escribir sus temas para los que busca inspiración en sus sentimientos y su relación con Dios.

Sobre si haría otro tipo de música que no sea religiosa dijo que “siempre he pensado que el mensaje que quiero transmitir es esa relación con Dios y mis principios. No he pensado en hacer otro tipo de música, pero lo haría si fuera para transmitir mensajes positivos”.

Goût de France fue organizado por Laurent Fabius y el reconocido chef Alain Ducasse para degustar los sabores franceses alrededor del mundo.

Solo en los restaurantes y bistrós seleccionados se calcula que entre 80 mil y 100 mil personas disfrutarán hoy una gastronomía de inspiración francesa, adelantó a la agencia de noticias EFE el embajador Philippe Faure, coordinador general del evento y presidente del consejo de promoción del turismo francés.

La idea es promover el arte culinario del país galo, ideando un menú “a la francesa”, que consiste en un aperitivo tradicional, un entrante frío y uno caliente, pescado o marisco, carne o ave, un queso o una selección de quesos franceses y un postre de chocolate.

La diversidad de propuestas culinarias, por tratarse de los cinco continentes, será enorme. Se trata de estar en armonía con la estación y el aspecto cultural de cada país.

El menú propuesto debía ser amigable con el medio ambiente, usar menos grasas, azúcar, sal, mantequilla y crema. También utilizar productos locales, pero con técnicas de la cocina francesa o algún elemento francés.

En Panamá, tres chefs fueron seleccionados para formar parte de ese proyecto global: Andrés Madrigal, Cuquita Arias de Calvo y Patricia Miranda Allen.

 La representación panameña

Un comité internacional de chefs, presidido por Alain Ducasse, seleccionó en los cinco continentes a los más de mil cocineros que participarán en la iniciativa Goût de France/Good France, a celebrarse por primera vez este año.

Más allá de únicamente celebrar la cocina francesa, el proyecto pretende integrar los sabores locales a este evento culinario y resaltar los sabores istmeños. Tres fueron los cocineros nacionales seleccionados para participar en el gran festín que le rinde homenaje a la gastronomía francesa.

Andrés Madrigal, Patricia Miranda Allen y Cuquita Arias de Calvo son los chefs  que representan la fusión franco-panameña en un proyecto culinario global.

Cada chef donará el 5% de lo recaudado a una organización benéfica local. Madrigal lo hará a la fundación Mua Mua; Miranda Allen, a Vida Verde Integral y Arias de Calvo, a la fundación Ancon.

Fusión
Es español, pero se considera panameño de corazón. Andrés Madrigal llegó al istmo hace dos años para asesorar un restaurante, y ahora tiene el suyo en el Casco Antiguo bajo su nombre.

Ahí servirá el menú que creó para hoy. Con la intención de que se pueda degustar más de una sola propuesta, él servirá la suya al mediodía.

Madrigal no estudió cocina, sino fotografía. Su travesía en la cocina empezó limpiando. Trabajaba como fregador en una cocina para poder pagarse una cámara fotográfica.

Hoy ha ganado dos estrellas Michelin, pero eso se lo sacude. Para él, lo importante es la comida, no el circo mediático que muchas veces rodea a un chef. “Nos olvidamos muchas veces de aquellos cocineros silenciosos que hacen un trabajo maravilloso y no se llevan ni una felicitación”, dice.

Su cocina la describe como fusión mediterránea con productos panameños, y aunque sí echa ingredientes de menos desde su llegada al país, concentra su comida en los ingredientes nacionales.

“Panamá tiene un buen producto. El reto es cocinar con lo que hay en Panamá, y demostrar que aquí hay un género importante”, señala.

Salvo el foie-gras, todos los productos que servirá hoy son panameños, pues afirma que la única manera de hacer una cocina sostenible por y para el país es apostando por ella.

Otra de las grandes pasiones del chef viajero, como se describe, es la labor social. Actualmente trabaja en varios proyectos que brinden a los habitantes del Casco Antiguo un oficio que les dé la oportunidad de una mejor calidad de vida.

Para Madrigal, solo hay dos tipos de comida: la buena y la mala. Dice ser igual de feliz comiéndose un guacho en Portobelo, una hamburguesa en Nueva York o el plato más emblemático en el mejor restaurante del mundo. “Me gusta la compañía y disfrutar del sitio”.

Admite que en algún punto de su vida fue un “depredador”. En el restaurante Madrigal no se cocina el atún rojo u otras especies en peligro. Su técnica de cocina trata de respetar el producto, “no se puede ser un depredador. Hay que apostar por el producto, no matarlo”.

Lo sostenible
Patricia Miranda Allen nunca estudió cocina. Ese talento para combinar ingredientes y crear platos únicos le vino por intuición hace 21 años, cuando en un proyecto que tenía con Alberto Quirós Jaén y Alfonso Jaén, en la Posada del Cerro La Vieja (Penonomé), le tocó cocinar porque no había un chef.

Ni idea tenía en ese entonces de que su diploma de secretaria ejecutiva se quedaría de adorno, y que entre los fogones y las especias encontraría su oficina.

Hoy, desde su restaurante Cerro Brujo Gourmet, en Volcán (Chiriquí), esta chef profesa la gastronomía sostenible.

“La sostenibilidad en los tiempos en lo que vivimos es muy importante, así logramos un balance en la parte de la conservación del planeta y las especies. Hemos visto que el planeta ha sido devastado y que hay enfermedades nuevas, y se sabe que una de las razones es la comida procesada.

Entre más frescos son los ingredientes, mejor sabor y apariencia tienen”, dice la cocinera chiricana, que utiliza ingredientes orgánicos de pequeños productores y de su propia huerta.

En parte, gracias a su estilo de cocina, fue elegida para ser parte de la fiesta gastronómica francesa. Su menú, que estará disponible en el restaurante Tastes del hotel Riu, estará hecho con productos de gluten orgánico, productos de la región y vegetales orgánicos en un 85%.

“Es un orgullo y una alegría muy grande participar en ‘Goûts de France’. Es un reto emocionante y lindo. La francesa es una de las cocinas maestras del mundo”, comenta Miranda Allen, quien meses antes había recibido una notificación de la Embajada de Francia para que enviara un menú a ese país. Allá fue revisado y decidieron que fuera ella una de las exponentes panameñas que participara en el evento.

“Los franceses son unos maestros de la cocina, es un arte y ellos lo manejan como tal. Me gusta la delicadeza en la presentación, en los detalles, y los sabores que mezclan de hierbas y de cosas naturales. Las hierbas de Provenza (la albahaca, el tomillo y el romero) son tan famosas que son mundiales”, cuenta la cocinera que mereció la distinción Best Woman Chef In Panamá, del Gourmand Best of The Word Awards, en el Festival del Libro Culinario de París, con la obra Fogón de mis amores.

La comida 'de casa'
Pocos, por no decir ningún panameño, no saben quién es Cuquita Arias de Calvo, la Martha Stewart panameña ha creado un imperio culinario. Es dueña de Cuquita Cookita y chef ejecutiva del restaurante Sal Si Puedes del hotel Bristol, donde se realizará la cena a partir de las 6:00 p.m.

Describe su cocina como sencilla, evolucionada y de vanguardia. “Una cocina de mujer que tiene coquetería”, dice entre risas. A pesar de no haber estudiado artes culinarias, siempre supo que su amor por la cocina era especial y “nunca termino de aprender”, afirma.

Su comfort food es aquella que la transporta a su hogar e infancia, “la que me recuerda a mi abuelita”, expresa.

Para ella, en una alacena los ingredientes que no deben faltar son el picante, el culantro y el coco.

“Unirnos a la gastronomía francesa es un movimiento distinto, pero cualquier publicidad para la comida panameña es bienvenida”, dice.

Tiene dos libros y actualmente se encuentra en proceso de publicar el siguiente: Panamá Chombo Style será sobre la cocina colonense, pues considera que la comida afroantillana necesita más exposición.

El menú que servirá hoy lo ideó utilizando ingredientes panameños, pero inspirándose en las presentaciones y técnicas francesas.

El consultor de cultura y comunicación de la Coordinación Educativa y Cultural Centroamericana es el autor de Latidos del tiempo y de Entre caobas y flamboyanes, dos publicaciones que nacen como respuesta a la necesidad de identificar el patrimonio común, poco conocido entre centroamericanos.

“El objetivo era el conocimiento mutuo para favorecer la integración”, comenta Bruzón, quien afirma que se había identificado la necesidad de, por un lado, recopilar sitios arqueológicos y ciudades coloniales; y por el otro, establecer algunas rutas de lo que se llama el Corredor Cultural Caribe.

Bruzón, quien visitó Panamá para participar del conversatorio “La política cultural de integración centroamericana” y presentar sus publicaciones, explica que Centroamérica es muy diversa en cuanto a cultura.

Solo en el Caribe, aunque se tenga en común la influencia afro, la procedencia de cada grupo es distinta. Está la cultura garífuna en Belice, Guatemala, Nicaragua y Honduras, las comunidades de herencia jamaicana en Costa Rica y los cimarrones en Portobelo, y por el otro lado, están las comunidades indígenas.

Sin embargo, hay un elemento común en bastantes comunidades, y es que algunas prácticas se siguen realizando, pero su significado se ha perdido. “La comunidad ya no es consciente de qué significado tienen esas tradiciones, de qué simbolismos esconden. Lo hacen por una reproducción de esa práctica”, dice.

Las publicaciones, que se pueden consultar en www.culturacentroamericana.info/Centroamerica/biblioteca-online, son una herramienta para fortalecer la identidad, algo que el cronista considera importante para la defensa de los derechos culturales.

“Mis papás se dieron cuenta de que pasaba horas tratando de sacar, en el pianito de juguete que pusieron en mi cuna, las canciones que me cantaba mi mamá. A los 18 meses ya las tocaba”, cuenta la pianista venezolana conocida en el mundo por ser una de las pocas improvisadoras en la música clásica.

Esta noche, sus improvisaciones se escucharán en el primer recital de la temporada 2015 de la Asociación Nacional de Conciertos, en el Ateneo de la Ciudad del Saber, a las 8:00 p.m.

Concierto

La música comenzará hoy con la ejecución de piezas de Johannes Brahms, “donde sientes la pasión y la fiebre interna de él”, y una sonata de Liszt, “una obra grande en la que se desprende la energía emocional y física que uno tiene como pianista”, cuenta Montero.

En la segunda parte, el público entrará en escena cuando la pianista les pida a los asistentes que canten un tema, y luego lo use para improvisar. Lo que nace de ahí son piezas complejas.

“Me lanzo a un mundo espontáneo y desconocido, donde la gente entiende lo que pasa”, expresa.

Esa improvisación también la lleva a su natal Venezuela, pues Montero usa el lenguaje musical para expresar lo que le preocupa de su país.

“Mis conciertos se han vuelto un centro en donde se habla de música y de la historia de los venezolanos. Eso es emotivo, porque así nos sentimos. Sin patria, sin casa”, expresa la pianista, quien afirma que se ha convertido en la voz de quienes no tienen cómo expresarse sobre la situación de su país.

“Como artistas tenemos que ser el termómetro de la sociedad y hablar de lo que sucede para bien y para mal. El hecho de ser artistas no nos permite poderes especiales en donde no nos involucremos”, opina.

Ejecutante y creadora

Entre lo agitado de su carrera y su rol de madre de dos niñas, la pianista nominada al premio Grammy en 2010 ha encontrado espacio para seguir creando.

Su próximo disco combina sus cualidades de compositora, creadora y ejecutante en tres partes: improvisaciones, Expatria (una composición dedicada a las 19 mil 336 víctimas de la violencia en Venezuela), y el Concierto número 2 de Rachmaninoff.

El álbum, que grabó con Carlos Miguel Prieto, acompañada por la Orquesta de las Américas YOA, saldrá a la luz en junio de este año.

Así continúa la vida de Montero, entre giras, su activismo por la democracia y la maternidad. “Todo lo entrelaza la música”, dice. En sus hijas ve talento para el canto y no sabe si se dedicarán a la música como ella, pero con su ejemplo y sus palabras busca que un mensaje cale: “Siempre les he dicho que lo que hagan lo hagan con pasión, honestidad y entrega”.

¿Cómo consigue los rollos ?

Todos los rollos Alfred tienen materias primas distintas, pero consigo con fabricantes como Kodak o Fuji que venden negativos en grandes cantidades y los fracciono usando chasis reciclados.

¿Dónde se venden los rollos?

Principalmente, en Argentina y Panamá, también están en Costa Rica y Colombia. En Panamá se consiguen en Armónica Shop, Diablo Rosso y The Rock Spot.

¿Qué es lo más difícil y lo más fácil de emprender?

Depende de cada uno. El problema muchas veces es tener demasiadas ideas geniales para tu proyecto, pero llevarlas a cabo y terminarlas muchas veces es lo más difícil. Las cosas toman tiempo en desarrollarse y en completarse, pero se hace fácil este proceso si el proyecto realmente te apasiona.

¿Cómo ve el mercado de la fotografía analógica en Latinoamérica y en Panamá?

En Latinoamérica no sabría decir, porque no me he expandido lo suficiente como para saberlo. En Argentina el mercado es enorme, a mi parecer. Muchos argentinos toman fotos de rollo, hay una buena movida analógica y hemos tenido una buena presencia y acogida durante cinco años en el mercado. En cuanto a Panamá, llevamos un poco más de un año y siento que la movida crece. La gente se está entusiasmando con el tema.

¿Hay curiosidad por la fotografía analógica?

Sí, pero no siento que sea algo para todo el mundo. Veo el entusiasmo de las personas durante los cursos, porque es emocionante hacerlo y vivirlo, pero son pocos lo que se mantienen y no se rinden a la primera. Muy pocas veces las personas no entienden que es un proceso de varios rollos antes de empezar a sacarle provecho al formato. Ser paciente al proceso es una cualidad clave para tomar fotografía analógica.

¿Qué es lo que más le cuesta a una persona?

No poder ver resultados inmediatos. Una cámara digital toma tantas fotos seguidas que realmente no importa el disparo, la exposición o el pensar y analizar bien un encuadre. La fotografía analógica nos enseña a perfeccionarnos, a ser pacientes, aprender a mirar, esperar el momento justo y, al mismo tiempo, ser rápido para no perderlo. La película no es infinita, cada foto vale y cuesta, y el instante capturado depende de la seguridad que tiene el fotógrafo para confiar en que la imagen está siendo capturada correctamente.

Cambió sus 15 días libres en la empresa donde trabaja en España, por 15 días de apoyo a los niños de una comunidad rural en Guatemala, y se sumó así a quienes han vivido la experiencia de unas “vacaciones solidarias”.

Esta modalidad de ayuda voluntaria se ha hecho común en Europa.

Hay quienes aprovechan sus vacaciones no solo para conocer otros destinos, sino para dejar algo de ellos mismos en las comunidades que visitan, y llevarse a cambio una experiencia de vida.

Actualmente, existen organizaciones que ofrecen la posibilidad de viajar a diferentes destinos, los más populares en este aparte son África y Latinoamérica. En el caso de Arantxa, viajó por iniciativa de la empresa donde trabaja, que realiza sus proyectos de voluntariado en Latinoamérica. Pero también hay organizaciones, como Afrikable, que ofrecen planes de viaje por un mes o 15 días a alguna comunidad de África.

Sobre la experiencia, hay quienes han dado testimonio. Uno de ellos es el de Julio Hernán, que se puede encontrar en el sitio web de Afrikable.

“Esta experiencia ha cambiado mi vida por completo. He conocido gente maravillosa, tanto personas locales como los que vacacionan y turistas. También me llevo grandes amigos que nunca olvidaré”, expresa.

Pero no solo en España se cuenta con la posibilidad de hacer un trabajo voluntario más allá de las fronteras. En Panamá, Aiesec trabaja de la mano con cuatro universidades para hacer intercambios culturales y trabajo social.

Hay oportunidades disponibles en Argentina, Costa Rica, Colombia y Brasil.

Para participar debe ser estudiante o recién egresado, de entre 18 y 29 años, querer colaborar en proyectos sociales y ser culturalmente tolerante. Además, es necesario seguir ciertos pasos, entre los que están recibir una sesión informativa y hacer un pago que incluirá el hospedaje y la alimentación.

Posiciones encontradas
Con respecto al difundido modelo de vacaciones solidarias, aunque en principio, la idea es apoyar a otras comunidades, Laura Carmona, citada por la agencia de noticias EFE y experta en cooperación internacional para el desarrollo con África Subsahariana, ha identificado algunas deficiencias del programa.

“El voluntario es una persona de paso, no remunerada y no experta en el campo. Lo que afecta a la incidencia de los proyectos y a las comunidades locales es que ven pasear a extranjeros pudientes que desconocen la idiosincrasia local y que creen saber qué necesitan los locales”, cita el reportaje.

Es por eso que propone que antes de cada viaje que se emprenda, la organización que lo lleve a cabo le brinde a los voluntarios la mayor formación posible y profundice en el contexto cultural de cada país que visiten.

Eider tiene 28 años, y los últimos tres los ha pasado en Panamá -en donde trabaja-, lejos de su hogar en el País Vasco (España), y sin su madre que la auxilie en la cocina.

Ella es parte de ese grupo de jóvenes de entre 18 y 35 años que viven solos, pero cuyo ritmo de vida y falta de motivación para cocinar únicamente para ellos los lleva a comer mal.

Hace dos años, la Escuela de Nutrición de la Universidad de Buenos Aires realizó un estudio que afirmaba que los universitarios argentinos que viven solos consumen menos frutas y hortalizas. En su lugar, optan más por las comidas hechas.

Aunque no se tenga referencia de algún estudio similar en Panamá, las cifras de la última Encuesta de Niveles de Vida (2008) muestran evidencia de que la alimentación no anda del todo bien (36.4% de los adultos tiene sobrepeso y 20.4%, obesidad), según Verónica Hidalgo, nutricionista-dietista y coordinadora de comunicaciones de la Asociación Panameña de Nutricionistas-Dietistas.

A Rebecca Eisenmann, fundadora del movimiento Verde y Rebelde, la intuición la lleva a pensar que la alimentación no es la óptima, por la falta de interés, conocimiento y tiempo, “ya que las prioridades a esa edad son otras, no la salud”.

Además, afirma que el principal error que cometen los jóvenes es no querer cocinar.

Eider hace el esfuerzo. Ahora que vive con su novio tiene un poco más de inspiración, y aunque no cocina tanto, ya pone en práctica sus habilidades culinarias. Ese es el primer paso para comer bien.

Enfrentarse a la cocina

Ese privilegio de independencia que conlleva el vivir solo representa también una gran responsabilidad, que tiene que ver con cuidar de sí mismo, y eso incluye la alimentación.

Diabetes, hipertensión, apnea del sueño, ovarios poliquísticos, cáncer y otras afecciones están relacionadas con el sobrepeso y la obesidad. Y estas condiciones son algunos de los riesgos de comer de forma inadecuada. Eso sin contar enfermedades gastrointestinales y las enfermedades relacionadas, además de la mala alimentación, consumo del alcohol y el tabaco.

“Debido al ritmo de vida acelerado que llevan los jóvenes que tienen que trabajar y estudiar, sin contar con sus familiares (madre, padres o abuelos) que puedan apoyarles en la preparación de los alimentos, muchas veces terminan comiendo alimentos con poco valor nutricional en restaurantes o en la calle”, comenta la nutricionista-dietista Verónica Hidalgo, de la Asociación Panameña de Nutricionistas-Dietistas.

La principal recomendación para corregir la forma como se come es tomar el control de la cocina, según Rebecca Eisenmann, autora del libro Verde y Rebelde.
“No hay que complicarse mucho para comer bien. Solo hay que incluir muchos vegetales durante el día: quizás empezar la mañana con un licuado o un jugo verde, que nos dé energía para arrancar nuestra rutina; asegurar una porción de proteína y grasa buena en cada plato también es esencial y comer carbohidratos que no hayan sido desnaturalizados, refinados y procesados”, comenta.

Eisenmann aconseja preparar varias opciones el fin de semana, y mantener congelados platos como sopas y lentejas, de forma que sea más sencillo preparar algo en la semana cuando se está más ocupado.

Comenta que se pueden buscar recetas sencillas en internet, y darle al momento de cocinar la importancia que se merece.

No freír los productos de origen animal, utilizar condimentos naturales para aderezar la comida e incluir en la comida vegetales de todos los colores son las recomendaciones de Hidalgo, quien también sugiere preparar una comida en casa e invitar a los amigos.

“Si nosotros preparamos nuestros platos, sabremos qué contienen, cuidando de esta forma nuestra salud”, concluye.

Recetas para solteros
Una búsqueda rápida por internet dirige a sitios en donde se pueden encontrar recetas. La lista incluye: www.cocinaparasolteros.es, www.solteroenlacocina.com y www.amodecasa.com. También está el sitio Un soltero en la cocina: Recetas Fáciles y el blog Mi recetas para solteros.
Para empezar a comer bien, es solo cuestión de atreverse a vencer el desgano y empezar a cocinar.

Hoy jueves, Leandro Reta (Argentina), Daniela González (México), Marcela Chamorro (Nicaragua) y Carlos Cobain (Puerto Rico) compartirán sus experiencias en el Foro de Emprendimiento Centroamericano 2015.

Reta hablará acerca del marketing digital; Daniela González sobre su proyecto Epic Queen, por medio del cual intenta cerrar la brecha tecnológica entre hombres y mujeres; Marcela Chamorro, por su parte, explicará cómo conquistar el mundo interior al momento de emprender, pero también para dejar de hacerlo, y Carlos Cobain desarrollará el tema de las tres personalidades dentro del emprendimiento tecnológico o la conferencia de las tres H: hustler (el diligente), hipster (el creativo) y hacker (el informático).

El evento, que el año pasado recibió a 200 personas, se celebrará en esta ocasión en el Ateneo de la Ciudad del Saber, con capacidad para 700 personas.

“Hay muchos eventos de emprendimiento, pero el que presentamos es de mucha calidad”, comentó Stephy Cohen, una de las organizadoras.

Cohen explicó, además, que el evento se complementa con el Startup Weekend, un taller de 54 horas en el cual los participantes tienen la oportunidad de proponer ideas y formar equipos para darle forma a un proyecto.

El taller tendrá lugar en el hotel Sheraton y el restaurante Moma, y al final habrá un concurso al estilo Shark Tank, por medio del cual se elegirá a los tres mejores proyectos (en la terraza 1400 de Blue Bay). Los equipos recibirán premios en formación educativa.

El espacio íntimo, con capacidad para 30 personas, recibirá una obra por semana, de martes a sábado hasta el 26 de febrero.

La sala, ubicada en la calle tercera del Casco Antiguo (al lado del Teatro Nacional), ofrecerá a los productores la oportunidad de presentar sus obras de tipo alternativo, destaca Maritza Vernaza, actriz y productora de Teatro Lagartija.

Las seis obras tienen la característica común de haber sido presentadas una o ninguna vez.

Bajo esta última condición se encuentra la obra ganadora del premio Ricardo Miró (2008) Hablemos de lo que no hemos vivido, de Javier Stanziola.

Las funciones serán a las 8:00 p.m., y el costo de los boletos es de 10 dólares.

La exposición “Romero Vive” recoge las fotos que personas cercanas al arzobispo cedieron a la Secretaría de Cultura y la Dirección de Cultura del Ministerio de Relaciones Exteriores de El Salvador.

Estas imágenes muestran a Romero mientras visitaba comunidades, daba misa o realizaba otras actividades.

La muestra será inaugurada simultáneamente en todos los países de Centroamérica, Estados Unidos, Seúl y Taiwan, además de algunos países de Europa.

En Panamá la colección será inaugurada este 23 de marzo, a las 7:00 p.m., en la Biblioteca Nacional Ernesto J. Castillero.

Así nace “Art of Reality”, colección que se presenta hasta el 1 de abril en la galería Arteconsult.

En la misma galería comparte el espacio la colección fotográfica “Kankintú”, de Sergio Ochoa, mostrando el lado puro de la vida de los niños de la comarca Nägbe.

Ambos artistas tienen en común la sensibilidad por la realidad.

Basada en el libro del escritor alemán Waldemar Bonsels (1880-1952), la obra cuenta la historia de una abejita inquieta.

Esta cómica, una de las favoritas de Abdiel Tapia, director de la obra, lleva el mensaje a los niños de que “todo tiene su tiempo”.

“La abejita quiere las cosas antes de tiempo, pero eso no está bien (...) A todos los niños y niñas les digo, ya llegarán los días en que puedan hacer eso que han querido, salir, divertirse, explorar, viajar...”, comenta el director.

Precisamente esa función educativa que tiene el teatro infantil es lo que hace al director inclinarse por este género, y en este caso recibió el apoyo de Alejandro Rodríguez y Producciones Doble AA.

La obra, adaptada y dirigida por Abdiel Tapia, es producida por Stella Lauri, quien dice haberse inclinado por esta historia por ser divertida, tener una moraleja y personajes muy bonitos, además de ser una de las más queridas de Disney.

El mensaje es doble: es importante que los niños se queden con sus padres y que los animales también merecen respeto.

Armar la obra tomó dos meses. “El reto era conseguir una Cruela De Vil que tuviera la fuerza del personaje”, comenta Lauri.

El elenco está compuesto por Isabeu Méndez, Giovanni Scollo, Cristina Contreras, Luis Melgar, Melissa Quintero, Giancarlos Ureña y Diana Lezcano.

La música original fue compuesta por David Colindes.

Aunque no habrá perros de verdad, la producción sí promete una obra interactiva y con títeres, en un teatro especialmente diseñado para niños.

Las funciones son solo los fines de semana. Los viernes son a las 7:30 p.m., los sábados a las 4:00 p.m. y 6:00 p.m y los domingos a las 11:30 a.m., 2:00 p.m. y 4:00 p.m. El costo general es de siete dólares.

Del conflicto que esto genera en la relación de pareja nace la trama de Mujer busca hombre (que aún no existe).

La obra, escrita por el español Eloy Arenas, se presentó con mucho éxito en Madrid y en varias ciudades de Latinoamérica, comenta Gabriel Pérez Matteo, director de la obra.

“El final es inesperado, y la forma como se maneja la trama es no convencional, muy interesante y divertida”, opina Pérez Matteo.

En Panamá, la obra la produce Art Producciones y será puesta en escena del 13 al 17 de abril en el Teatro en Círculo.

Cada una de las figuras de bronce platinado que conforman su exposición “Relatos corporales” sugiere algo.

“Me gusta mucho el gesto”, expresa Carrero, refiriéndose a su fuente de inspiración.

Dentro de la colección hay esculturas de socorristas, una fotógrafa, una mujer jugando billar, una pareja en una barca, pensadores reflexionando sobre los cuerpos celestes, un estratega y angelitos.

También está una mujer flechada. “Es como un deseo, una historia casi de amor. Ella coge la flecha que le gusta, las demás las rechaza”, explica la artista.

Así también hay un hombre lunático vestido de cráteres, caminando sobre un círculo, y una Penélope que en lugar de tejer y deshacer su tejido mientras espera a Ulises, tiene en su regazo un manto de hojas otoñales y primaverales que forman parte de un círculo de espera de las estaciones.

Mujeres y hombres, solos o acompañados, cada uno tiene una razón de ser, y aunque la escultora admite que le gusta más la figura masculina, siempre trata de representar también a la mujer y a la pareja.

En la obra de Carrero las figuras geométricas y los pedestales juegan un papel funcional y simbólico.

La exposición del conjunto de esculturas está abierta hasta el 10 de mayo en la galería Arteconsult.

La cita cultural recibe la visita de un millón 200 mil personas, y es la más larga de la región (21 días seguidos), explica el escritor istmeño Edilberto González Trejos, quien dará un recital poético en el marco de esta feria.

Estarán en el evento anual más de 50 títulos publicados por la Editorial Mariano Arosemena del Inac, Editorial Exedra, Fuga Editorial, 9 Signos y otras, los que viajarán a la trigésimo séptima versión de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, República de Argentina, detalla González Trejos.

La hemofilia es una coagulopatía (enfermedad de la coagulación de la sangre), hereditaria y poco frecuente, que se transmite de madres a hijos por medio de un gen del cromosoma X.

Son 13 las proteínas que nos permiten coagular de forma normal, no obstante, las personas con esta enfermedad tienen deficiencia en los factores de coagulación VIII y IX. Normalmente las proteínas se activan una tras otras para crear una especie de tapón que detenga el sangrado, pero cuando una falla se produce una hemorragia, explica Yudiana Montenegro, Presidenta de la Fundación Panameña de Hemofilia.

Para los pacientes graves, es muy importante mantener una profilaxis adecuada para prevenir hemorragias tanto externas como internas, y que además se afecten las articulaciones, comenta Montenegro.

Profilaxis es el nombre que se le da al uso regular de concentrados de factor de coagulación para prevenir hemorragias, y se aplica una, dos o tres veces por semana, según se explica en el sitio oficial de la Federación Mundial de Hemofilia, www.wfh.org.

A esta federación pertenecen 118 países, incluyendo Panamá, que celebran hoy el Día Internacional de la Hemofilia.

Una fiesta de aniversario diferente, llena de cultura es la que le espera al distrito con “Penonomé en abril”.

La actividad nació hace dos años por iniciativa del Instituto Superior de Los Llanos, y cuenta con el apoyo de la Alcaldía de Penonomé, la Universidad de Panamá, el Excelsior International School y el Museo de Penonomé, informó Vasco Franco, presidente de la junta directiva del instituto.

La celebración durará varios días, empezando el 28 de abril con actividades deportivas y la exposición de Radamés Pinzón, en el vestíbulo de la alcaldía, además habrá una tarima especial para la juventud.

Al día siguiente, el 29 de abril se otorgará el premio Jasha Gelabert al gestor cultural, este año será para Alexandra Schjelderup.

El premio lleva el nombre de quien en vida fuera una enamorada de Penonomé, dueña de la idea del proyecto, y a quien ahora se le dedica este festival, comentó Franco.

Para finalizar, el premio Poeta Jacobo Alzamora será entregado el 30 de abril.

El amor por la literatura se abre caminos y, a falta de un evento similar a la Feria del Libro en provincias centrales, nace la Miniferia del Libro, con el distrito de Aguadulce (provincia de Coclé) como escenario, y será del 25 al 29 de abril.

Está dedicada a los niños y jóvenes, y tiene el lema “Zambúllete en la Lectura”, comenta el profesor Juan Aguilar, director del Centro de Bellas Artes de Aguadulce del Instituto Nacional de Cultura (Inac), institución que organiza la actividad.

El evento cuenta, además, con el apoyo de organizaciones como el Programa Internacional de Acercamiento a la Literatura Infantil (PIALI), editoriales, el Departamento de Publicación del Inac, escritores y animadores infantiles.

El año pasado, en tres días asistieron unas 320 personas entre niños, jóvenes y adultos, comenta Aguilar. Este año se espera que asistan entre 40 y 70 niños de escuelas de Aguadulce en la mañana, y otros 30 en la tarde, en los cinco días que dura la feria.

Martin Lucas Staub, en el piano; Angela Golubeva, en el violín; y Sébastien Singer, en el violoncello, integrantes del conjunto suizo, empezarán su ejecución a las 8:00 p.m. en el Teatro Nacional.

El trío, fundado en 1998, ha presentado conciertos en 40 países del mundo.

No es la primera vez que visita nuestro país. “Este trío ha estado antes en Panamá y gustó mucho. Ofreció tocar para nosotros y da la casualidad que coincidió con el inicio de la temporada”, comenta Terence Ford, presidente de la ANC.

Los boletos para el recital están de venta en las librerías Argosy, Allegro y en las Oficinas de la Asociación Nacional de Conciertos a un costo de 30 dólares.

Este concierto es el primero de seis que se ofrecerán a lo largo del año, finalizando el 18 de octubre. Además habrá una presentación fuera de temporada el 8 de julio, con la orquesta del campamento de la asociación.

El campamento se realiza todos los años desde 1985, y está dedicado a la enseñanza musical para niños de todos los estratos sociales.

Los recitales de música clásica de la Asociación Nacional de Conciertos se realizan desde 1962, dice Georgina Marín, encargada de la organización.

Desde sus inicios, cada temporada ha presentado artistas del extranjero, que llegan por medio de las solicitudes de sus empresas musicales o por interés de la propia ANC, luego de ser evaluados por un comité que selecciona a los artistas a presentarse, comenta Terence Ford.

El grupo trae, el 19 de mayo, a las 8:00 p.m., al Teatro Ateneo de la Ciudad del Saber, su mezcla de ritmos caribeños con el latin jazz, sin abandonar la música cubana más pura como el son, el cha cha cha, y la conga, comentó vía correo electrónico Jorge Almeida, integrante del conjunto nacido en 1987.

Almeida comenta que Habana Sax ha enriquecido su trabajo gracias a la oportunidad que les ha dado su carrera, de visitar varios países.

Esto les ha permitido explorar otros géneros, estilos, ritmos, y conceptos para hacer y expresar su música.

Precisamente uno de los principales retos a los que se enfrentan los músicos latinoamericanos actualmente, es la competencia con ritmos populares, así como la pérdida del mercado del disco, comenta el músico cubano.

Una fiesta de aniversario diferente, llena de cultura es la que le espera al distrito con “Penonomé en abril”.

La actividad nació hace dos años por iniciativa del Instituto Superior de Los Llanos, y cuenta con el apoyo de la Alcaldía de Penonomé, la Universidad de Panamá, el Excelsior International School y el Museo de Penonomé, informó Vasco Franco, presidente de la junta directiva del instituto.

La celebración durará varios días, empezando el 28 de abril con actividades deportivas y la exposición de Radamés Pinzón, en el vestíbulo de la alcaldía, además habrá una tarima especial para la juventud.

Al día siguiente, el 29 de abril se otorgará el premio Jasha Gelabert al gestor cultural, este año será para Alexandra Schjelderup.

El premio lleva el nombre de quien en vida fuera una enamorada de Penonomé, dueña de la idea del proyecto, y a quien ahora se le dedica este festival, comentó Franco.

Para finalizar, el premio Poeta Jacobo Alzamora será entregado el 30 de abril.

El amor por la literatura se abre caminos y, a falta de un evento similar a la Feria del Libro en provincias centrales, nace la Miniferia del Libro, con el distrito de Aguadulce (provincia de Coclé) como escenario, y será del 25 al 29 de abril.

Está dedicada a los niños y jóvenes, y tiene el lema “Zambúllete en la Lectura”, comenta el profesor Juan Aguilar, director del Centro de Bellas Artes de Aguadulce del Instituto Nacional de Cultura (Inac), institución que organiza la actividad.

El evento cuenta, además, con el apoyo de organizaciones como el Programa Internacional de Acercamiento a la Literatura Infantil (PIALI), editoriales, el Departamento de Publicación del Inac, escritores y animadores infantiles.

El año pasado, en tres días asistieron unas 320 personas entre niños, jóvenes y adultos, comenta Aguilar. Este año se espera que asistan entre 40 y 70 niños de escuelas de Aguadulce en la mañana, y otros 30 en la tarde, en los cinco días que dura la feria.

El pintor venezolano, residente en París, Francia, expone a partir del miércoles 11 de mayo en la Galería Allegro su muestra individual “El día y la noche”.

La poesía materializada en 22 lienzos de mediano y gran tamaño, así como 10 dibujos sobre papel y 7 obras en encáustica sobre madera, conforman la exposición.

En palabras de Mundaray, “El día y la noche” expresa el “balanceo, esta duda perpetua entre presencia y ausencia es tal vez lo que dibuja para el espectador la puerta secreta que se abre, la percepción pura de los fenómenos esenciales de nuestra existencia”.

El interés por el arte se despertó en este artista desde la infancia, pero no fue sino hasta la adultez cuando un buen día decidió abandonar su tesis de ingeniería civil y dejar sin terminar su carrera, para dedicarse al mundo de paletas y pinceles. Ahora la pintura es su vida, su trabajo de tiempo completo.

Mientras el pintor vive y se hace preguntas, nacen las ideas. Así surgió “El día y la noche”: “Yo me pregunto, ¿cómo colocar un objeto en un espacio a la vez lleno de cielo y vacío de todo?, ¿por qué el cielo parece ser a veces el reflejo inverso de la tierra o, por lo menos su espejo? ”.

Sus musas son la naturaleza, los silencios y los amores que vienen y van, en fin, la vida misma.

Con respecto a maestros, dice lamentarse de no haberlos tenido en la pintura, “solo un curso de técnicas de grabado”.

Por lo demás es autodidacta. “Pienso que asumí el reto de enfrentar la creación de manera natural”, dice.

Utilizando una técnica en la que predomina la superposición de imágenes en varias capas, siendo la última la pintura en óleo, José Antonio Vásquez-Figueroa (nombre verdadero del artista), reúne la memorabilia de sus viajes y sus objetos preciados en sus obras, y los enlaza con las líneas de rostros de mujeres.

Terminar la colección completa le tomó cuatro meses, y debido al gran tamaño de algunos cuadros, terminó de pintarlos en el estudio de la galería en Panamá.

“Close Pop” hace referencia al close up, explica el pintor, la toma más cercana del rostro, “y es una doble idea, un acercamiento a lo pop, pero al mismo tiempo es un estudio del rostro femenino, que siempre ha sido una referencia inequívoca de la cultura popular”.

En sus obras, Vásquez, quien ha vivido la mayor parte de su vida en Estados Unidos, utiliza como modelos los rostros de su novia, de conocidas y de modelos.

Además, en algunos cuadros también pintó los automóviles Mini e intervino un par carros, lo que significó una experiencia totalmente nueva para él.

Esta colección de 15 pinturas en formato grande y 4 pequeñas hacen un balance entre la sutileza de trazos con lápiz y colores fuertes con aerosol y acrílico.

A través de colores vibrantes, Fábrega hace alusión a la naturaleza y sus fenómenos.

Dystopia fue un término utilizado por primera en el siglo XVIII, según la Oxford Dictionaries Online.

La idea de la sociedad perfecta queda a un lado para dar paso al estallido de formas, que se equilibra con las figuras humanas que aparecen bosquejadas en el fondo. Con esto el artista trata de lograr una ponderación entre la naturaleza y los efectos del progreso.

Las explosiones estelares, la aurora boreal, las noches oscuras, la música country y la literatura distopiana son algunas de las fuentes de inspiración de este artista que estudió fotografía, cine y mercadeo.

De forma gratuita Romance Peligroso... ¿estás seguro? se presentará este 18 de mayo, a las 7:00 p.m., en el auditorio Ascanio Arosemena de la ACP.

El tema, que se presenta como una forma de apoyo al Departamento de Seguridad Ocupacional del Mitradel, fue desarrollado de forma colectiva por los participantes de los talleres de actuación que, por dos meses, dictó el director y actor Martín Porto a miembros del Teatro de los Trabajadores, comentó Noel Pinzón, coordinador Cultural del Ipel.

La obra no solo habla de la seguridad en el campo laboral, sino en la vida misma, ante cualquier situación.

“Tiene que ver con el amor. Hicimos un paralelo entre el romance y la seguridad”, explica Porto, quien agrega que en la puesta en escena aparecen 17 personajes, interpretados por personas de entre 15 y 60 años.

Trabajadores de la construcción, ingenieras, la señora de la fonda y las personas que se mueven en torno a un área de mucho trabajo son los personajes de esta pieza, contó el director.

“El arte debe causar dos cosas, drama o sonrisa, pero tiene que causar una reacción en el ser humano”, opina Weil .

“Es grandioso que una cultura tenga un dios para la sonrisa”, agrega quien seleccionó obras de Alegra Saporta, Jean Jacques Ribí, Mira Valencia y Kantule, para representar de una forma moderna algo tan tradicional como las molas del grupo kuna.

La exposición temática, que se inauguró el jueves pasado en El Apartamento (Ave. Federico Boyd), estará abierta por un mes.

Alrededor de 13 obras, cinco de ellas de gran formato, hechas en soportes como lápiz sobre papel, arte digital, óleo sobre tela, bronce y molas, son las que se exponen en la galería.

En la muestra, compuesta por 25 obras de formatos pequeños y medianos, predominan los colores ocres, tierras quemadas y sienas.

El nombre de la colección, dice el artista por medio de la curadora Zaida González, viene de la nostalgia de la niñez, de las cosas sencillas, de esos mundos que se crean en la imaginación y que son rescatados por la expresión artística.

La exposición estará abierta hasta el 28 de mayo en las salas del Museo Regional de Veraguas.

Sin duda, son precisamente las voces el punto más fuerte de esta obra producida por Alida de Fábrega y dirigida por sexta ocasión por Bruce Quinn.

El musical relata la historia de una dulce novicia, María (Roseta Bordanea), quien por su falta de disciplina es enviada como institutriz a la casa del capitán Georg von Trapp (el británico Nick Miles), a cuidar de sus siete hijos. María cambia la vida de la familia von Trapp, pero la invasión nazi a Austria los obliga a huir de su tierra natal.

Los chicos von Trapp, Liesl (Beatriz Orillac), Louisa (Adriana Linares), Friedrich (Juan Pablo Fábrega), Brigitta (Natalia García de Paredes), Marta (Allison Rodríguez), Kurt (Alejandro Fábrega) y Gretl (Ana Isabel de la Guardia y Carolina Motta), forman un coro que se lleva muchos aplausos del público, sobre todo al presentar el número musical Adiós.

Otra de las consentidas de la audiencia es la madre abadesa (Odette Versailles), quien hace gala de su capacidad vocal con Sube a la cima, al final del primer acto. Lamentablemente no se le ve la misma calidad interpretativa al momento de actuar. Qué decir de María, ella también conquista por su calidad vocal, sus bromas y su dulzura.

Dígame lo malo...

La puesta en escena produce ternura y es estéticamente bonita. El juego con la escenografía es bueno y la musicalización impecable. Esta obra, ganadora de seis premios Tony, despierta altas expectativas por ser un clásico de Broadway que conquistó las tablas y el cine.

Bien dicen que es feliz quien nada espera, pues desencanta un poco ver que ocurran algunas fallas en escena. Me explico. Que se escuchen, aunque sea en murmullos, conversaciones de los actores que ya salieron del escenario, que fallen los micrófonos un par de veces y que el dominio del español del capitán von Trapp fuera deficiente, en ocasiones causó ruido en la comunicación entre los actores y la audiencia. Se rompía la magia.

Además, el hecho de que el equipo tras escena no estuviera uniformemente vestido de negro, hacía percibir su presencia recordándonos que estábamos en el teatro y no en la abadía o en la mansión von Trapp.

La diferencia entre la primera presentación y la de esta semana fue notable para algunos personajes. Tal es el caso de Liesl, que en el estreno se veía un poco tensa y medida, mientras que ahora lució más natural y convincente.

Por otro lado, Elsa Schraeder (Judy Meana en su debut como actriz musical) dejó un poco de lado el gesto repetitivo de rica presumida del estreno, para mostrar un personaje un poco más fluido. Sin embargo, su voz sigue siendo la más débil entre los personajes principales.

Su amigo Max Detweiler (Francis Icaza) deja en evidencia su larga trayectoria teatral. La diferencia con el Max del estreno (Eric de León) es del cielo a la tierra. El amigo de la familia von Trapp que los inscribió en el concurso de canto se mostró seguro, cómico y simpático.

Mientras que la María (Roseta Bordanea) de ahora intentó ser un poco más rebelde. Esta vez Bordanea no recordó a su personaje de la Tiendita del Horror. No obstante, lo que todavía no se percibe mucho es que la novicia se muestre realmente enamorada del capitán. Lo más convincente de su actuación es la interacción con los niños.

Por otro lado, a veces parecía que al final de algunas interpretaciones Bordanea estuviera esperando el aplauso del público. Aplauso que aun a pesar de merecer, la audiencia no debería dar, pues interrumpe la línea de la obra.

Este error es recurrente en todas las funciones, hay que recordarle al público que los aplausos son para el final del acto y de la obra, salvo que vean algo sorprendente e inolvidable.

La Novicia Rebelde se presenta hasta el 31 de mayo en el Teatro en Círculo.

Le emocionaba pensar que el ritual de belleza femenino era un objeto de comunicación extraterrestre.

Ya de adulto, como fotógrafo profesional, quiso captar la antesala del embellecimiento que supone ponerse los populares rollos.

Las 16 fotos de esos momentos, presentadas en banners sobre vinilo, se exponen en el sector de Río Abajo entre calle 13 y 14 con el nombre “Del canrol, el seteo y los moñitos”.

La instalación al aire libre está planificada para exhibirse por un mes, pero el fotógrafo aspira a que sea parte del paisaje de la comunidad y que los habitantes se sientan orgullosos de sus costumbres y sus raíces.

Sobre la sesión de fotos, Justiniani recuerda que recorrió el barrio acompañado por Nisla, la peinadora oficial, y capturaron los momentos teniendo como escenario la calle y las casas del área.

Para Jaime Justiniani, quien considera que lo esencial para una buena imagen es la pasión, esta es la cuarta muestra fotográfica que realiza.

Ya había expuesto en la galería El Aleph (1994), con el respaldo de la artista panameña Sandra Eleta, y otras dos en galería Diablo Rosso: “También es mi segunda casa” (2006) y “El papel aguanta todo” (2010).

Por trazos motivados por dibujos infantiles de su sobrina, y por medio de imágenes de animales y máquinas, Ellis expresa sus cuestionamientos existenciales.

“La obra tal vez no lo refleje tanto, pero el motivo detrás de ella son siempre situaciones que pueden ser agresivas”, expresa el pintor, quien considera la denuncia social como un componente necesario en el arte.

Sobre su cuadro titulado “Life”, comenta que se cuestiona en él sobre la vida, pues muchas veces “todo parece estar mal”. Por eso plasma un dibujo en el que un murciélago dice “life is better upside down” (la vida es mejor de cabeza).

Esta imagen, al igual que la de un perro con un lado bueno y uno malo, partido a la mitad por una tijera, son recursos que utiliza en más de una obra.

“Uno no puede agotar un elemento, una imagen en un trabajo. De repente surgen inquietudes y quieres llevar esa misma imagen en otro contexto”, opina.

Por otro lado, los perros, que también aparecen en varias obras, representan para él animales con mucha dualidad. “Un perro puede ser el mejor amigo del hombre, pero también es un animal agresivo y feroz”.

En la colección, Ellis utiliza mayormente acrílico, aunque también se vale del collage de fotografías, óleo, carboncillo y lápiz, para expresarse visualmente.

Las ocho piezas en óleo y pigmento de color (tratado con emulsión acrílica) sobre lienzo tienen objetos como protagonistas.

Algunos son parte del mobiliario urbano de España, Nueva York y Panamá.

Bolsas de basura, hidrantes y teléfonos públicos; así como instrumentos de su propio estudio artístico, como platos, rodillos y pintura son imágenes de esta individual.

“Lo que trato de transmitir es la emoción que yo siento ante un elemento concreto”, expresa Quintana Martelo, quien recuerda las bolsas de basura de Nueva York y explica que la belleza está en el impacto visual que ofrece el objeto y no tanto en su función.

El pintor, nacido en Galicia, España, tiene una amplia trayectoria artística, que empezó desde muy temprano en su vida.

“Desde pequeño tenía esa inclinación a tener siempre un papel delante, a estar dibujando y creando cosas”, dice. Luego estudió en la escuela de Bellas Artes en España.

Estos fueron algunos de los objetos que se veían en este sitio turístico del distrito de Arraiján, ayer antes de las 8:00 a.m.

Pero la cara del lugar fue cambiando poco a poco mientras que voluntarios de la Autoridad Marítima de Panamá, Fundación Mar Viva, la Cámara Marítima de Panamá y del Municipio de Arraiján recogían desechos orgánicos y no orgánicos.

“Estamos haciendo una limpieza simultánea en Puerto Armuelles (Chiriquí), y tenemos planes para hacer lo mismo en Azuero y Colón, en una fecha que será anunciada más adelante”, informó Rogelio Barsallo Fábrega, director general de Puertos e Industrias Marítimas Auxiliares.

A las 10:00 a.m. había unos 30 voluntarios, que se dividieron en grupos para limpiar las áreas desde el puente de Veracruz hasta el final de la costa.

“Lo que se busca básicamente es crear conciencia en los panameños, pues este es un tema de salud”, comentó Valerio Ábrego Jiménez, director de Relaciones Públicas de la AMP.

Roberto Rey, de Ingeniería Ecológica de Panamá, fue uno de los encargados de explicar a los voluntarios cómo separar los desechos para que luego puedan ser reciclados.

La basura fue clasificada en orgánica, plásticos, aluminio y vidrio. Los plásticos fueron clasificados en PET y en reciclables en general. Estos últimos incluyen HDPE (poliestireno de alta densidad), LDPE (poliestireno de baja densidad) y PVC (cloruro de polivinilo).

“El problema de reciclar en esta la playa es que los materiales ya están intemperizados y ya no tienen valor comercial, a excepción de los plásticos”, explicó Rey.

Considera que el impacto de este tipo de actividades no es “muy significativo”, pero “por algo se empieza”.

“Se requiere de mucho esfuerzo para cambiar la mentalidad de las personas”, opina, y coloca como ejemplo el distrito de Boquete, que, según él, está a la cabeza de la disposición de desechos sólidos.

Sebastiana Torres, voluntaria del Municipio, opinó que “estas actividades son buenas, pero la gente que viene a la playa debe recoger su basura y depositarla en lugares adecuados”.

Sin embargo, independientemente de sus profesiones, al final del día seguirán portando un mismo título, el de papás, un papel en el que sus hijos son los mejores jueces.

Papás presidentes, príncipes, estrellas del cine, astros del fútbol o del béisbol e ídolos del pop. Hay de todo, ¿sus hijos seguirán sus pasos?

Inspirado en la infancia, en la naturaleza y en su hamaca, el pintor, cuyo seudónimo es Kansuet, presenta “Vaivenes” en la galería Allegro, su cuarta muestra individual .

En esta muestra hace referencia a la hamaca como herencia cultural de los grupos indígenas latinoamericanos, en especial del kuna.

Utilizando diferentes técnicas como acuarela, óleo, acrílico y mixta, muestra un tema tan significativo para la cultura de este pueblo que nace, descansa, se consuela en su enfermedad y por último tiene su “largo sueño” en una hamaca.

Respetar y coexistir con la naturaleza también forma parte de su herencia cultural. Al respecto, opina que todavía falta mucho para que el panameño realmente la aprecie y pueda convivir en armonía con ella.

Kansuet se interesó por el arte en general desde muy joven. Decidió estudiar pintura cuando se percató de que podía hacer cosas interesantes a través de ella. Se graduó en la Escuela Nacional de Artes Plásticas.

A lo largo de su carrera tuvo maestros como Silfrido Ibarra, Luis Olaciregui, Adonai Rivera, Luis Aguilar Ponce, Julián Velásquez , entre otros.

El año pasado su obra mereció el tercer lugar en el concurso Roberto Lewis.

“Vaivenes” está abierta al público hasta el 10 de julio.

Cinco pinturas de sus colecciones Rich & Famous y War Fashion integran la propuesta. The Beach es una de las obras y hace alusión a los anuncios de la ropa que utilizan los famosos, pero en lugar de pintarlos a ellos, Halashyin plasma gente ordinaria.

No es la primera vez que su arte llega a Panamá. Hace tres años, Halashyin presentó una exposición individual en el país.

En esta ocasión regresó acompañado. La muestra la presenta junto al pintor costarricense Luciano Goizueta, quien presenta ocho acrílicos sobre tela en formato variable.

El artista confiesa que sus pinturas están fuertemente influenciadas por la publicidad, artes gráficas, la televisión y fotografía.

En la serie “Sueños de Plástico”, el pintor muestra un mundo construido a partir de objetos, cosas materiales. El tema de la colección se basa en lo distinto que puede percibirse el progreso, dependiendo de la época, dice.

Además, Goizueta presentará, el 30 de junio en Arteconsult, un video en el que documenta el proceso de creación de algunos de sus cuadros, así como sus influencias y las imágenes que lo inspiran. También hará un recorrido por “Pillowbook”, una serie que expondrá el 1 de julio en Diablo Rosso.

Desde pequeño el pintor contemplaba las obras de Alfredo y Olga Sinclair, con quienes no solo comparte la vena artística, sino también lazos filiales. De ellos recibió mucha influencia. Confiesa que, ya adulto, aprendió no solo a ver, sino a admirar su arte.

Samaniego Sinclair estudió en el Centro de Estudios Superiores de Bellas Artes en la ciudad de Chitré. Ha realizado cuatro exposiciones en el extranjero: tres en Washington D.C., Estados Unidos, y una en Cartago, Costa Rica. En Panamá presenta hasta el 7 de julio su colección “Azuero” en la Alianza Francesa.

Valerie Frassati, representante de la Alianza Francesa, expresó que a esta organización le interesa apoyar la cultura local y que Samaniego Sinclair figura como un ejemplo prometedor del artista interiorano.

Zaida González Vergara, representante del artista y curadora de galería Studio 54, expresa que en su obra “se puede apreciar desde el abstracto figurativo hasta personajes femeninos que encierran cierto misterio, evocan claramente paz y armonía...”.

La colección la componen 20 obras en diferentes formatos. En ellas expone temas sociales, herencias y calentamiento global, utilizando acrílico sobre lienzo en tonos cálidos.

Según González Vergara, estas obras tienen intensidad y fuerza. Además pueden ser apreciadas en toda su magnitud por la técnica.

El pintor recibió una mención honorífica en el Concurso Nacional de Pintura del Inac.

Sus niveles artísticos no son iguales. Sin embargo, cuando se encuentran expresan “en conjunto lo que se trabaja en solitario”, como dice Alelí Salcedo, una de las artistas participantes.

La colectiva inaugura mañana lunes, a las 6:30 p.m., en la galería Manuel E. Amador, de la Universidad de Panamá y estará abierta hasta el 6 de julio, en horario de 8:00 a.m. a 7:00 p.m.

“Nexus” es el enlace entre ideas y artistas de diferentes generaciones con un mismo concepto: el arte para crear.

“Son propuestas de trabajos artísticos con sus valores en la comunicación y como intercambio de información”, señala el profesor Rubén Contreras, organizador de la colectiva.

Pasando desde lo erótico, a lo abstracto y de lo mágico a lo tradicional.

Algunos han expuesto muchas veces y otros que muestran su obra por primera vez. Todos compartirán un mismo espacio, comenta Contreras.

Una variedad de temas y técnicas confluirán cuando se reúnan las obras de los artistas Eyda Alvarado de De Roux, Alelí Salcedo, Rubén Contreras, Katia Weitendorf, Jessica Chung, María I. Rangel Pretto, Irene de Delgado, Cassem Zaldívar, Guillermo Malo, Sara Piedra, Vera Souza, Javier España, Merejo, Roy Arcia, Kalil Zaldívar y Raquel de Díaz.

Irene Delgado, por ejemplo, utiliza el collage. En su obra Ofelia se concentra en el personaje de Shakespeare, aferrándose a la vida. Sus dedos sobresalientes dentro de la pintura se agarran de un alambre de verdad.

Katia Weitendorf, por su parte, ofrece dos obras en óleo, inspirándose en la naturaleza de Panamá y sus degradaciones de verde.

La temática de Alelí Salcedo son las flores. A través de ellas cuenta historias. Algunas representan a sus hijos y otras a ella misma.

María I. Rangel Pretto cuenta que, por ser la primera vez que participa, presentará solo dos obras.

Las técnicas y disciplinas que expondrá son el desnudo y el abstracto en espátula y en óleo, señala la joven artista.

Como es principiante no tiene una técnica definida. “Apenas estoy empezando a definir con lo que me agrede”, subraya.

En tanto, el arquitecto Guillermo Malo dice tener tres años apoyando a esta colectiva.

Presentará cuatro obras que forman parte de una serie titulada “Conquista a caballo”, subraya Malo.

No es más que un cuento erótico pictórico, que muestra la lucha por la conquista del amor y el conflicto de mantener el equilibrio en la amistad, explica.

Algunos de sus cuadros son: “Eternidad” y “Delfines”, entre otros.

Su técnica es el óleo sobre lienzo con colores llamativos y fuertes, que proyecten dinamismo y energía a los temas de aventuras que plasman sus obras.

Jackeline de Oliveros, coordinadora de extensión del centro universitario, señaló que la exposición tiene doble propósito: celebrar el 75 aniversario de la Universidad de Panamá, y lograr que la juventud tenga un acercamiento con el arte.

La actividad pretende ayudar a que jóvenes y niños de ese distrito desarrollen sensibilidad por la cultura, que sepan identificar una obra de arte y las técnicas que se emplean para crearla.

José Benito Santana, uno de los expositores, ve la cultura y el arte como herramientas para lograr la unidad como país. Piensa que son los medios por los cuales el ser humano puede volverse mejor y, además, ayudan a que las personas utilicen mejor su tiempo de ocio, alejándolas de la violencia.

Por eso, espera que el público en general asista a la muestra y disfrute de ese “banquete visual”, en el que cada artista mostrará parte de su mundo creativo.

El miércoles 30 de junio, a las 7:00 p.m., se realizará un conversatorio con los artistas. Santana adelanta que hablarán sobre sus temáticas, el porqué de sus colores, las formas que utilizan y el origen de sus ideas.

La muestra estará abierta hasta el 16 de julio, de 9:00 a.m. a 9:00 p.m., para que los estudiantes de diferentes escuelas puedan asistir.

Durante más de 30 años, De Castro participó en sesiones fotográficas y direcciones de arte para comerciales, pero fue a finales de 2008 cuando comenzó en esta rama del arte.

Comenta que desde niño le atrae el misterio de la noche y que ahora, con cámara en mano, intenta captar esas obras que “están allí y que no vemos diariamente”.

Sus fotos no son documentales, y dice que no se hace responsable de las imágenes en ese sentido. “Yo simplemente estaba en el momento preciso, las vi e hice clic”.

Para capturar las imágenes de esta exposición no utilizó trípode, porque prefiere que sus fotos muestren el movimiento del entorno. Son 18 obras de hasta 2 metros y hay 6 en formato en miniatura, que tienen un tema distinto al de la noche.

De Castro participó en septiembre de 2009 en una colectiva en Arteconsult y también lo hizo en la primera Feria de Arte que realizó hace poco en el Museo de Arte Contemporáneo.

El fotógrafo espera exponer nuevamente en este segundo semestre y además tiene planificadas dos exhibiciones en Buenos Aires para el próximo año, una en enero en el restaurante Jolie, y la otra en abril en la galería Art Hotel. Una vez terminado este ciclo, De Castro planea capturar momentos con otras temáticas como lo que sucede de día o a media luz.

“Nocturnos” estará abierta hasta el 7 de agosto.

Como un reto, nació la primera obra de Guillermo Ledezma Bradley: Memorias de una pulga III. Durante un almuerzo, unos amigos del autor le propusieron escribir una novela erótica, y él aceptó. Luego esos mismos amigos, a quienes él llama “cómplices”, lo motivaron a publicar la obra. La novela fue terminada en 2004, relata Ledezma Bradley, pero no la publicó porque no quería que lo juzgaran, pues no se considera un escritor erótico.

El cambio de parecer vino cuando le dio por leer el escrito al periodista Rubén Darío Murgas Torraza, quien le dijo que “todo lo que incite a la imaginación y lo mantenga a uno pegado al texto, es literatura”. Esa le pareció una definición bonita y una buena razón para divulgar su libro.

Memorias de una pulga III es una obra inspirada en los primeros dos libros que llevan ese nombre y que fueron escritos de forma anónima en el siglo XVIII. De ellos, Ledezma Bradley tomó algunos personajes.

En 22 capítulos y 350 páginas, una pulga narra las vivencias de Marisia, una joven de 16 años, y Mbot Tsutsunde.

A pesar de que la libido es el motor de la historia, el escritor aprovecha su narración para incluir datos acerca de la filosofía y los descubrimientos del llamado “siglo de las luces”.

El lanzamiento de la obra será a modo de happening, y se realizará el 27 de agosto en los salones Trenzado y Lagunilla de Atlapa en la VI Feria del Libro. La presentación estará a cargo del psicólogo Humberto González.

Esto lo motivó a realizar la muestra fotográfica “Fiasko_Klimático”.

La idea surgió después de volver de la cumbre durante la cual, según cuenta, a muchos ecologistas los dejaron esperando a -10° C y se les negó la entrada a pesar de estar registrados.

La exposición se llama “Fiasko_Klimático” porque Cambefort siente que los líderes políticos del planeta no llenaron las expectativas que las personas y el mundo científico tenían de ellos. “Hay pasos muy claros que tomar para afrontar la grave crisis ambiental que sufre la Tierra, pero simplemente los políticos de turno no tienen interés de tomarlos, han optado por tirarle la papa caliente al que venga a gobernar después”, expresa.

A través de las imágenes del paisaje frío de Escandinavia, la exposición muestra el activismo, la desobediencia civil y el simbolismo para proponer la existencia de un paralelismo entre el comportamiento de los nazis y el de la especie humana en relación con las otras especies.

La serie está compuesta por 18 imágenes captadas utilizando película de rollo a muy alta velocidad, en blanco y negro, para lograr un efecto de granulado y darles un sentido antiguo. Solo un par de las imágenes fue tomada con película a color.

Diablo Rosso, en el Casco Antiguo, es el espacio donde se presenta por tres semanas “Fiasko_Klimático”.

Esta es la primera vez que Juan Manuel Cambefort presenta su trabajo fotográfico.

Cerna afirma que vive para su oficio y que Panamá está entre los primeros países en los que se dio a conocer.

“Estoy muy agradecido con este hermoso país”, expresa el pintor, vía correo electrónico desde Perú, y cuyas obras se exponen hasta el 25 de agosto en la galería Mateo Sariel.

A pesar de que no pudo estar presente en la inauguración de su exposición el miércoles pasado, dice que sí se ha estado en algunas de las seis exposiciones que ha realizado anteriormente en este istmo.

En esta ocasión, la muestra en Mateo Sariel la componen 14 cuadros al óleo, en diferentes formatos.

Dentro de su taller y a lo interno de su mente, el pintor toma como tema principal de su obra a la figura femenina, combinando los recursos clásicos y los modernos.

También hay espacio en su paleta y en su imaginación para los bodegones.

“Lo hermoso y lo cotidiano de un objeto, por muy defectuoso o burdo que sea, siempre será motivo de inspiración para plasmar lo que quiero expresar”, comenta quien nació el 4 de abril de 1960 en la ciudad peruana de Trujillo.

Su identidad, dice Benito Cerna, la refleja en los colores que utiliza.

Entre ellos, los más usados son los ocre tierra y los carmines, y aunque le gustan todas las técnicas, con el óleo dice sentirse “como pez en el agua”.

En su calidad de creador, Cerna espera que las personas observen su obra y la interpreten y reconozcan.

“La ocupación de un pintor, es la que narra lo acontecido, plasma momentos cotidianos, te puede producir emociones, sentimientos, [hacerte] vibrar con cada pincelada, te transporta a tiempos pasados...”, responde el pintor a la pregunta de cómo describiría su quehacer de artista.

En el sitio web cernaleonbenito.galeon.com/index.html, Charles Nevott, colega y amigo del artista, escribe que lo del peruano es “un viaje que evoca cierta letanía con el pasado” y que el pintor “toma la magia del instante para atraparla en el lienzo, que es la continuidad de su propia emoción”.

Cerna, quien también es restaurador de obras de arte y de monumentos históricos, ha ofrecido su labor plástica en individuales y colectivas en galerías y museos en Chile, Costa Rica, Francia, Colombia, Estados Unidos y República Dominicana.

Ese día se inaugura una muestra colectiva de 22 artistas panameños, en conmemoración del día nacional del artista plástico.

Esta fecha se celebra desde 1993, en recuerdo de la fundación de la Asociación Panameña de Artistas Plásticos (Apap), ocurrida el 19 de agosto de 1991.

Según un comunicado del Banco Nacional de Panamá y la Apap, los expositores se han presentado ya en diferentes galerías de América, Europa y Asia.

Charlotte Uralde, Carlos Ballesteros, Coralia Chiari Batista, Héctor García, Héctor García Escudero, José Arroyo, Nilsa Justavino, Mayo Hassán y Ricaurte Martínez, son algunos de los artistas que se presentarán en la “Muestra pictórica conmemorativa al día nacional del artista plástico”.

Este año el Banco Nacional se convierte en galería y se une a la celebración para hacer este reconocimiento a los artistas en su día, comenta Darío Berbey, gerente general del banco, en un comunicado.

Al mismo tiempo, la Apap se compromete a seguir su misión de defender las artes plásticas mediante su divulgación, protección y enseñanza. “Con la obligación de salvaguardar la memoria de la nación”, señala Ricaurte Martínez, presidente de la asociación, en la misma nota.

La colectiva estará abierta hasta el 5 de septiembre.

En el marco de la celebración de la independencia de este país suramericano, se presentará el espectáculo musical y audiovisual “Leyendas Indígenas y Afrobrasileñas para canto y piano”.

Esta propuesta, de una hora de duración, estará en el Teatro Anita Villalaz (en San Felipe), a las 7:00 p.m.

La presentación estará basada en investigaciones del folclore brasileño e ilustradas por medio del video y las animaciones.

La idea es mostrar los mitos y las leyendas de los dos principales grupos culturales de Brasil: indígenas y negros, así lo informa la Embajada de Brasil a través de un comunicado de prensa.

El dúo encargado del espectáculo será el integrado por el cantante André Campelo y el pianista Vagner Rosafa (director del espectáculo).

Rosafa, además, ofrecerá en el Anita Villalaz la exposición fotográfica “Cultura popular y religiosidad brasileña”, con imágenes de poblaciones de las etnias indígenas y negras, en diferentes manifestaciones culturales en las ciudades de Brasil.

La idea del espectáculo surgió en 2005 cuando se grabó un CD homónimo, cuyo repertorio fue transformado luego en show.

Ese afán por “enaltecer la cultura musical”, llevó a la soprano Dianna Torré y a su socio Francisco Doria a organizar el evento “To be or not to be II”, que se llevará a cabo el lunes 6 de septiembre, a las 7:30 p.m., en el Teatro Nacional.

La cantante, que fue semifinalista del Festival de la Canción de California (2002), cuenta que en este espectáculo musical participarán el tenor Pedro Saldaña De La Cruz, el pianista Reinaldo Taylor, el percusionista Ricaurte Villarreal y un grupo de danza del Instituto Nacional de Cultura (Inac).

El concierto tendrá dos partes: la primera será de canto lírico clásico y la segunda, de pop lyric . Este acto incluye canciones inéditas de los compositores panameños Francisco Doria y Manuel Vásquez, y un adagio folclórico, explica Torré.

“Queremos difundir la buena música cantada”, comenta la soprano. “Estamos buscando una fusión”, una mezcla de la música lírica con la folclórica.

En la segunda parte, los asistentes podrán involucrarse con el canto lírico a un nivel más popular, por medio de canciones de películas como Ghost y El Padrino.

Las entradas del concierto están de venta en Fotorama de Albrook Mall, y en la taquilla el día del evento.

Los precios van de 20 a 70 dólares por pareja, o de 10 a 45 dólares el boleto individual.

El evento lo presentan el Inac y Making Music Corp.

La oportunidad de escuchar el candombe (ritmo popular uruguayo), mezclado con jazz y otros géneros, y ejecutado por el Trío Fattoruso, es uno de esos “grandes momentos que rara vez llegan a Panamá”, comenta Oscar Oviedo, responsable de que el Trío Fattoruso se presente este miércoles 29 de septiembre, a las 8:00 p.m., en el Teatro Anita Villalaz, ubicado en la plaza Las Bóvedas del Casco Antiguo de la ciudad capital.

La mezcla de las músicas populares con otros géneros dan un resultado que se llama fusión, explica Oviedo.

El producto es “muy lindo, muy moderno y hace que se recupere la música popular. Eso hace que la propia música popular evolucione”, comenta el productor.

El trío está integrado por Osvaldo Fattoruso (batería), Hugo Fattoruso (piano) y Daniel Maza (bajo), y comienza en Panamá una gira por Centroamérica.

Los Fattoruso se hicieron famosos en América Latina en las décadas de 1950 y 1960 cuando formaron un grupo llamado Los Shakeres.

En su trayectoria han compartido escenario con María Bethania, Joao Bosco, Fito Páez y Luis Salinas, entre otros artistas.

El evento lo presentan la Embajada de Uruguay y el Instituto Nacional de Cultura. Los boletos tienen un costo de 30 dólares y puede conseguirlos llamando al 6685 3135 ó al 396 2524.

La obra de ficción, escrita y dirigida por Arturo Wong Sagel, se presentará hasta el 26 de noviembre en la sala Mojica del Teatro La Quadra.

¿Qué pasaría si sucediera una catástrofe natural en Panamá? De esta interrogante parte la trama de la obra que Wong Sagel empezó a escribir hace un año y terminó en un mes.

La propuesta del dramaturgo es la “catástrofe como una metáfora”.

Con boom, Wong Sagel, no se refiere solo al auge inmobiliario, a la construcción desmesurada y la falta de planificación, sino al estallido de todas las consecuencias de estos actos.

Inspirado en la novela Amras, del escritor austríaco Thomas Bernhard, el director retrata la historia de un grupo de personas que, “al no poder cerrar calles como forma de protesta” por el control que tienen unos cuantos de lo que queda de la ciudad, decide suicidarse colectivamente, explica Wong Sagel.

Los vicariantes (o suicidas) eligen el piso 18 para consumar el acto. Sin embargo, al estar en ese lugar y compartir sus historias, se despierta en ellos el espíritu de supervivencia.

El piso 18 será recreado en una escenografía, que juega con elementos multimedia y tiene el fin de ser abrumadora y agobiante.

Los personajes de la obra los encarnan Charlie Sotelo, Rita Banús, Marian Taylor, Giana Mendoza, Lily Koster, Nyra Soberón Torchía y el propio Arturo Wong Sagel.

Atraída por la cultura y el arte ruso, la pintora nicaragüense residente en Panamá escribió en 2006 la narración poética Un colibrí en Siberia.

Este año introduce al público la producción literaria La casa de los besos brujos, y la colección pictórica “Dallet” (puertas). La doble presentación será el martes 14 de diciembre, a las 7:00 p.m. en el vestíbulo del Instituto Nacional de Cultura (Inac).

Sevillana es autodidacta y tiene 30 años de dedicarse a la pintura y luego de 15 años decidió retomar de nuevo los pinceles.

Para Sevilla, pintar y escribir son dos expresiones comparables con los ojos en el rostro, son parte de una misma cosa que es el talento artístico.

Ella recuerda que empezó a escribir La casa de los besos brujos durante sus viajes. Son 18 poesías y escritos que tratan sobre su travesía por Rusia, Antártica, París y otros lugares, incluyendo Taboga y su natal Nicaragua, en donde se encuentra el establecimiento que da nombre a su obra.

Ese restaurante místico que la inspiró está ubicado en San Marcos. Allí, asegura, sintió una energía especial.

La dueña del lugar, famoso por sus morcillas, le contó una historia que ella cuenta con recelo y que acaba en un beso lanzado por una anciana desde debajo del dintel de una puerta.

Por su calidad, por lo que hacen recordar, por su profundidad o sencillez, o quizás simplemente como el producto de ese misterio que envuelve a la música, hay canciones que siempre suenan en la radio o en los conciertos alusivos a esta temporada y gustan. Son los clásicos de Navidad.
Hay de todo, dependiendo del género de su preferencia. Para el músico Alberto Gaitán, del dúo de salsa Los Gaitanes, esos clásicos están casi todos reunidos en un solo disco: Asalto Navideño, de Willie Colón y Héctor Lavoe.
Gaitán es categórico: “Hay muchísimas otras canciones, pero en Navidad este álbum quedará por siempre, no hay manera de competir con un álbum así”.
No obstante, todo depende del cristal con que se mire. El director de la Orquesta Sinfónica de Panamá, Jorge Ledezma Bradley, se inclina por piezas como “la de Mendelson, Hark! The Heralds Angels Sings (¡Oíd! Los Ángeles Mensajeros Cantan), así como Adestes Fideles, Cantique de Noel, de Adolphe Adam; Noche de Paz y O Holly Night”.
Entre estos temas, O Holly Night es uno de los que al barítono Ricardo Velásquez le piden en sus conciertos. A la lista de clásicos agrega El tamborilero y Feliz Navidad, de José Feliciano. “Es otro tema insignia”, dice el músico para quien, sin embargo, la razón por la que estas canciones han trascendido es un enigma. “No tengo idea, pero lo cierto es que se han hecho en tantas versiones. La música es un misterio. Los grandes artistas siempre las han escogido para incluirlas en sus discos, sin distinción de género”.
La promotora artística Yahaira Del Rosario encuentra la razón en el legado. “Es algo que ha pasado de generación en generación. En mi caso, mis papás ponían los temas del Gran Combo y Toby Muñoz desde que empezaba diciembre”, afirma.
Sea cual sea la razón, hay canciones que han llegado para quedarse en las fiestas de diciembre, y hay quienes tienen sus favoritas.

RITMOS INOLVIDABLES

"Tú que esta noche no puedes dejar de recordar/quiero que sepas que aquí en mi mesa para ti habrá un lugar/Por eso y muchas cosas más ven a mi casa esta Navidad”. Los recuerdos de las tres navidades que Yahaira Del Rosario pasó lejos de casa, mientras estudiaba en Suramérica, tienen esta canción de fondo. Es su favorita entre las canciones navideñas.
Son varias las canciones que la hacen recordar Navidad, como las del Gran Combo o Toby Muñoz, y los icónicos villancicos.
¿Por qué si hay tantas canciones de Navidad unas se vuelven tradicionales y otras no? Para la promotora artística, es algo que pasa de generación en generación, pero también tiene que ver con la forma en que ha cambiado la industria discográfica.
“Son pocos los que sacan disco de Navidad y los trabajan como un disco comercial. En el caso del Gran Combo, los villancicos… en su momento se trabajaron y se hicieron tan comerciales que se volvieron famosos nacional e internacionalmente”, comenta Del Rosario.
Explica que en los tiempos de la música en línea y las nubes digitales, los artistas trabajan esos temas de momento, y si funcionan se pierden.
A este aspecto le suma la poca apertura que hay a esos temas, en especial en nuestro país en donde todo noviembre está dedicado al mes de la patria, y cuando llega diciembre hay poco tiempo para que el tema sea promocionado y escuchado.
Las canciones que se escuchan en determinada región también son algo que puede variar. “He vivido en varios países, y en cada uno hay otro tipo de música. En Latinoamérica está Mi burrito sabanero, pero no es lo que se escucha en Europa”, observa, por su lado, el barítono Ricardo Velásquez.
Las razones por las que algunas canciones se quedan también son personales. La canción favorita de Velásquez es O Holly Night, “porque empieza calmada y tiene unos grandes agudos y partes dramáticas que transmiten mucha emoción, sobre todo cuando canto con la Orquesta Sinfónica”.
Para el director de la orquesta, Jorge Ledezma Bradley, cuya canción favorita es Cantique de Noel, hay una explicación: “Cuando una canción es muy buena se queda en el corazón de la gente”.

El documental Invasión, seleccionado para representar a Panamá en la carrera para el Óscar, sacó a flote en octubre pasado el tema de la invasión de Estados Unidos a Panamá. El acontecimiento que había estado hundido en la memoria colectiva ha tenido, sin embargo, muchas formas de representaciones artísticas en estos 25 años.
Entre las expresiones que han surgido a propósito de aquel 20 de diciembre de 1989 está El libro de la invasión, escrito en 1998 por Pedro Rivera y Fernando Martínez, que este año se edita por primera vez para Panamá, pero también hay poesía y otras obras de diferentes ramas artísticas.
“Es muy interesante lo que hemos descubierto, una cantidad inmensa con el tema de la invasión en literatura, pero también en la música. El arte no falta, en el Museo de Historia tenemos unos cuadros alusivos a la invasión, fotografías, las artes escénicas”, comenta Carlos Fong, quien forma parte del proyecto “20 de diciembre: Memoria de Todos”, cuya agenda de actividades comenzó el 11 de diciembre y termina hoy 20 de diciembre en la noche con una tarima conmemorativa en el Mirador del Pacífico en la cinta costera a las 7:00 p.m.
Murales, intervenciones en el Metro de Panamá, conversatorios, lecturas dramatizadas y proyecciones cinematográficas se han desarrollado en diferentes puntos del país para no dejar que lo vivido quede en el olvido.
“Hay mucha literatura, muchos pintores, poetas que hablaron de la invasión y eso se necesita dar a conocer”, expresa, por su parte, Ana Elena Tejera, artista e investigadora que trabaja en la organización del proyecto.
“Hemos visto a artistas que pintaron en esa época o se inspiraron en esa época, a pesar de que no la vivieron. Y ha sido bueno”, califica.

“Es importante seguir esa conversación, replantearnos qué es lo que somos, qué es lo que queremos ser y tratar de ponerle oxígeno a ideas que a veces son muy simples o muy convencionales”, explica Sebastián Calderón Bentin, coordinador de “Interoceánico” , y miembro del Performance Studies international (PSi).

“Esa es un poco mi expectativa, que la conversación sea rica y que también vengan bastantes personas”, comenta quien, en nombre de PSi, organiza “Interocéanico” en conjunto con el Biomuseo y el Museo de Arte Contemporáneo (MAC).

Al evento, gratuito y abierto al público, fueron invitados expositores cuyo trabajo académico en torno al Canal le pareció interesante a Calderón. Según el organizador, la modalidad de curaduría y organización es diferente en cada país y eso permitió crear “algo que no fuera demasiado complejo, pero que sea efectivo”. Así, las mesas redondas encontraron su espacio en el Biomuseo y los ciclos de cine en el MAC.

Cine, performance y conferencias

“Las conferencias que se van a realizar en el Biomuseo o las performances que sucedarán antes son manifestaciones artísticas basadas en la cultura local, en la realidad de la ciudad de Panamá que creció al lado de la Zona del Canal, en este corte que afectó la ecología de la zona, pero que también permitió generar ecologías diferentes y novedosas”, afirma Darién Montañez, director de programas públicos del Biomuseo, quien hace la relación entre la filosofía del Biomuseo y el tipo de evento que acoge.“El museo trata de hacer esa conexión entre naturaleza y cultura, y de cómo esa relación entre las dos genera el mundo que conocemos”, explica Montañez.

Por otro lado, Gladys Turner, curadora del MAC, anuncia la participación en el ciclo de cine de artistas como Ela Spalding, “una de las artistas más prometedoras ahora mismo y quien participó en la Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano”; Eric Fajardo, “un artista muy interesante que a pesar de vivir en Dinamarca analiza fenómenos panameños y nunca ha dejado de investigar sobre el tema de la panameñidad”.

También se presentan los trabajo de Alex Douglas, que presenta The Passage, un documental galardonado en el festival de Harlem; el estadounidense Michael Stevenson analiza las relaciones geopolíticas de Estados Unidos y Panamá a través del documental Introducción a la teoría de la probabilidad, basado en la obra de Chuchú Martínez; y Humberto Vélez que presenta La banda de mi hogar.

La actividad, considera Turner, abre las puertas a la percepción. “El performance y el arte en general te permiten ver los problemas, las situaciones, los fenómenos... desde otro punto de vista, incluso, no solo desde el punto de vista racional, sino también emocional y a veces corporal”, reflexiona.

Si las cosas que conocemos las consideramos como algo establecido y firme, como si fuera tierra o continentes, ¿qué pasa si nos enfocamos en lo que no conocemos, en los mares, eso que cambia y fluye?”. Desde este concepto metafórico nace el tema de la conferencia Fluid States: Performances of Unknowing, de Performance Studies International (PSi) cuya versión en Panamá fue presentada en rueda de prensa este martes 30 de diciembre, en el Biomuseo.
“El evento interdisciplinario aborda el tema del performance con relación al mar, los navíos y las cargas marítimas”, explica Sebastián Calderón Bentin, de Performance Studies international (Estudios internacionales de Performance), quien organiza Interoceánico: Istmo, zona, canal.
La actividad, que incluye conferencias, exposiciones, performances y ciclos de cine, se realizará del 8 al 16 de enero de 2015 en el Biomuseo y el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), y es abierto al público.

Este año PSi, que usualmente realiza una conferencia al año, ha decidido llevar a cabo conferencias en 14 países: Panamá, India, Etiopía, Bosnia-Herzegovina, Bahamas, Grecia, Dinamarca, Islas Cook, Romania, Japón, Canadá, Australia, Filipinas y Líbano.

“En vez de las típicas capitales de cultura, como París o Londres... vemos que ahora se abre a una diversidad de voces que usualmente no participan en ciertos circuitos culturales”, dice Calderón.

El calendario de actividades comienza en Panamá, único país de Latinoamérica participante, y termina en diciembre en Líbano.

Interoceánico
El eje temático en nuestro país será el Canal de Panamá y las reflexiones que surgen en torno a todo lo que envuelve, incluyendo  la Zona del Canal y la invasión de 1989. 

Partiendo de ese punto, las actividades comienzan el jueves 8 de enero en la ciudad de Colón, con el performance Caribe Panamá, de Ela Spalding; y continúa con el performance de Eric R. Fajardo, The Hitchhiker: Please give me a lift to The Canal Zone.

El sábado 10 y el domingo 11, el Biomuseo será la sede de  mesas redondas con académicos panameños y de Estados Unidos.

“Es un evento de lujo porque las personas que vamos a recibir son de primera fila”, comentó Stephan Proaño, de la junta directiva del Biomuseo quien participó de la conferencia.

Por otra parte, el MAC recibirá un ciclo de cine, con la proyección del documental The Passage (Alex Douglas), galardonado con el premio a la mejor cinematografía del Festival Internacional de Cine de Harlem (2013); Introducción a la Teoría de la Probabilidad (Michael Stevenson) e Invasión (Abner Benaim)

"El MAC cree firmemente que este proyecto 'Interoceánico' es importante, porque nos abre un mundo relacionado con la percepción de eventos, de fenómenos históricos, de todo lo que gira alrededor del Canal", expresó Gladys Turner, curadora del MAC.

 “El evento es una oportunidad para replantear ideas básicas como zona, Canal y territorio”, reflexionó Calderón.

Pero este profesor de historia de la universidad de Marquette, en Milwaukee (Winsconsin), ha encontrado en las relaciones de Panamá con Estados Unidos un tema de investigación que le ha dado material para varias publicaciones. La más reciente es su libro Borderland on the Isthmus: race, culture, and the struggle for the Canal Zone.
El estudioso de las relaciones entre Estados Unidos, América Latina, Centroamérica y el Caribe por 20 años es uno de los académicos invitados a Interoceánico.

¿Qué despertó en usted el interés por este tema?

La Zona del Canal de Panamá era un muy buen ejemplo del colonialismo estadounidense, que la mayoría de estadounidenses cree que nunca existió. Hubo casi cinco generaciones de colonialistas en Panamá. Estados Unidos tiene muchas bases militares en muchos países, pero en Panamá tenía un gran componente civil, además de la fuerte presencia militar.

¿Cuál es para usted el aspecto más inexplorado de Panamá en relación con la Zona del Canal?

Los conflictos y alianzas de identidad, la cultura y la raza entre los distintos grupos que vivían en la Zona, y en el pasillo a través de Panamá, cerca de la Zona. En otras palabras, en la frontera, o en inglés: the borderland.

¿Qué lo motivó a escribir el libro?

En general no ha habido suficiente trabajo histórico sobre la experiencia social y cultural de la Zona del Canal. Además, quería emplear la metodología de la teoría de la zona fronteriza en el pasillo de la Zona-Panamá, que era un ambiente rico para el estudio de las culturas, ideologías y las identidades en conflicto, y a veces en cooperación. Estas zonas fronterizas existen en muchas partes del mundo, pero el corredor Zona-Panamá fue único en muchos aspectos.

¿Cuánto tiempo estuvo trabajando en el libro?

Fueron 12 años de investigaciones en las bibliotecas y archivos de Panamá y de Estados Unidos, y no simplemente incluyendo documentos oficiales, sino también diarios, periódicos y novelas. Entrevisté a muchos panameños latinos, panameños antillanos, panameños chinos, panameños indígenas, zonians, soldados estadounidenses jubilados, trabajadores del Departamento de Defensa, la colonia estadounidense de negociaciones que vivía en Panamá, pero no en la Zona; y naturalmente diplomáticos panameños y estadounidenses.

¿Qué pasó con todos los zonias que crecieron en Panamá ?

Muchos regresaron a Estados Unidos, la mayor ola fue en 1979 cuando la Zona antigua terminó, y más tarde hubo una menor en 1999 con la transferencia final del Canal a Panamá. Ellos viven en Florida, Alabama, Arkansas, Texas y California, generalmente en climas cálidos como Panamá. 

Algunos grupos viven en comunidad en estas áreas para recrear el sentido de la antigua Zona. Otros zonians han permanecido en Panamá. Algunos de ellos tienen esposas o esposos panameños; amigos y socios de negocios. A diferencia de antes, la mayoría habla algo de español y acepta totalmente el cambio de soberanía.

Ahora que Panamá ha cumplido 15 años de gobernar sobre la Zona del Canal, ¿cuál es la perspectiva de Estados Unidos?

Creo que está muy complacido con el éxito y la eficacia con que Panamá ha administrado el Canal en estos últimos 15 años. Los panameños han demostrado que los críticos que años atrás dijeron que Panamá no podía ejecutar el Canal, se equivocaron.

Al simposio, que comienza a las 9:00 a.m., asistirán expositores de Estados Unidos, Chile, Argentina, Colombia, Costa Rica, México, Santo Domingo y Panamá. Se abordarán temas como musicoterapia en hospitales en Panamá, con los reclusos, en el tratamiento y diagnóstico del cáncer, en el tratamiento del dolor, en la estimulación temprana, con niños con discapacidad y la psicología de la música.
“Tenemos un pequeño público de la salud y padres de familia, pero cada vez estamos teniendo un público más amplio”, comenta Zárate, quien agrega que “no hay requisitos para participar en el simposio, solo comprar la entrada”.
Los boletos se pueden adquirir a través de Ticketplus y en los puntos de venta de Supermercados Rey, E-pago y Metro Plus.
PROGRAMA MUSICAL
La organización del simposio, además, está empezando un programa en conjunto con el Departamento de Musicoterapia de Berklee College of Music.
“Traemos seis especialistas y hacemos una semana de servicio a la comunidad”, cuenta la musicoterapeuta. En esa semana dictarán talleres y trabajarán con entidades como Fanlyc, el Hospital del Niño, y también trabajan con niños con síndrome de Down y con autismo.

El verano en Panamá es sinónimo de sol, brisa y jazz. Pero hace más de una década, cuando al músico Danilo Pérez se le ocurrió hacer el primer festival de jazz en el istmo, no pensó que llegaría hasta ese punto.

“Yo sí estaba seguro de que el panameño tiene buen gusto y sabe lo que es bueno, y el país se merecía un evento que convocara a este tipo de artistas, pero no tenía este tipo de expectativa”, admite quien ahora tiene una lista de razones por las cuales sentirse satisfecho. Sobre todo hoy que arranca en la ciudad capital la décimo segunda versión del Panamá Jazz Festival.

“Tenía el sueño de poder seguir contribuyendo a través de la educación. Esto lo comenzó mi padre, ese deseo de compartir, de utilizar la música como herramienta de cambio social”, cuenta.

Hoy, el festival es, en sus palabras, un “impulsador de esperanza”, pues ha dado la oportunidad de que los muchachos del barrio de San Felipe y de otros lugares puedan aspirar a becas para estudiar música en el Berklee College of Music en Boston, o simplemente cambiar de perspectiva en la vida.

Además, el pianista panameño está satisfecho de que gracias al festival, la música convoque a una convivencia social, sin importar el estrato del que provenga. “Es un espectáculo de primer nivel que pueden disfrutar desde los más pobres hasta los más ricos”.

El trabajo para llegar hasta aquí no ha sido fácil. Danilo es consciente de que la juventud no es eterna y de que necesita relevos, pues este tipo de trabajo nunca termina. “Mucha gente me pregunta cómo hago y en mi caso, tener el apoyo de mi esposa es importante, además del equipo con el que contamos. Pero nos falta trabajo por hacer”.

Un festival de trabajo y ganancia

La educación es una melodía sin fin. Necesita de muchos músicos para que pueda existir, para que sea agradable y tenga sentido. Tiene diferentes ritmos, y el que propone Danilo Pérez, junto a un grupo de fieles creyentes de la música, es el jazz.

Hoy, lunes, arranca la fiesta que convoca a nacionales y extranjeros a deleitarse y formarse con la música.

El Panamá Jazz Festival, dedicado al flautista, clarinetista y saxofonista Eric Dolphy (1928-1964), comienza esta tarde, desde la 1:00 p.m., en la Plaza de la Ciudad del Saber y finaliza el sábado 17 de enero con el ya tradicional concierto al aire libre en el Cuadrilátero Central.

Sobre el homenajeado, Danilo Pérez explica que “Eric Dolphy, de padre panameño, trabajó con Charles Mingus, hizo contribuciones con la flauta e introdujo el clarinete bajo”.

El concierto en tributo a Dolphy tendrá lugar mañana, martes, en el Ateneo, a las 8:00 p.m., y el viernes en el Danilo’s Jazz Club, en el Casco Antiguo, a las 9:00 p.m. El invitado especial será Phil Ranelin.

En cuanto a la gran gala, será el miércoles 14 en el Teatro Nacional, y contará con la participación de Brian Blade, John Patitucci, Miguel Zenón, Rubén Blades, Omar Alfano y Danilo Pérez.

Además, Danilo, John Patitucci y Brian Blade presentarán el jueves su trabajo más reciente, Children of the light, un proyecto que “surge de una hermandad. Queremos brindar una energía bonita, mágica. Es maravilloso el lenguaje que hemos desarrollado después de muchos años tocando juntos”, expresa Danilo.

Talleres y formación
El pianista, que fue nombrado embajador cultural de Panamá, también se enorgullece de que el país sea un punto de encuentro en la parte formativa.

“En una semana, Panamá se convierte en un hub universitario de primer nivel y tenemos profesores de primer nivel. En los cursos de acreditaciones está viniendo gente de Latinoamérica, hay un movimiento muy bonito”, afirma.

Entre las novedades de este año, la organización del festival ha logrado una acreditación universitaria internacional.

“El estudiante se puede matricular en un ensemble del Berklee College of Music, a través del Berklee Global Institute, en la página web del festival. Se matricula un semestre y hace una semana intensiva en técnica de ensayo en Panamá. Toma las clases en el contexto del grupo, y el último día hace un concierto pequeño y eso le da créditos como si estuviera dando clases en Berklee”, explica Danilo.

Además, continuarán las audiciones los martes y jueves, así como los talleres, y el III Simposio Latinoamericano de Músico Terapia, que organiza la esposa de Danilo, Patricia Zárate, quien lo apoya en la organización del festival.

Apoyo y relevo
“Ha sido un proceso de aprendizaje muy grande”, comenta Zárate, quien considera que “el logro más grande ha sido hacerlo sostenible gracias a la cooperación de Ciudad del Saber, del Gobierno, corporaciones y uno de los factores es un público nacional e internacional que está totalmente comprometido con el festival”.

Danilo está convencido de que se podría hacer más si se contara con más colaboración de todos los sectores, algo que, considera, se ha ganado el festival con su trayectoria.

“Los dos retos son más capital humano y más capital monetario”, puntualiza Danilo. “Mi sueño es generar relevo, la gente cree que soy un muchacho joven. Tengo una carrera de giras y con el instituto que estoy dirigiendo en Boston, estoy muy apretado”, dice.

Y es que, además, el festival y el proyecto de la Fundación Danilo Pérez creció mucho más de lo esperado, pero no puede parar, por una razón: “Estoy convencido de que llevar este tipo de eventos a lugares recónditos crea bases solidarias de comunidad (...). No es solo un espectáculo, es necesario para crear individuos con los que vamos a estar trabajando en el futuro”.

Acababan de presenciar la genialidad de Brian Blade and The Fellowship Band. Pero el manto musical cubrió mucho antes la noche en el Ateneo de la Ciudad del Saber.

A las 8:10 p.m. el grupo del Conservatorio de Nueva Inglaterra en Boston, dio muestras de lo aprendido en la escuela, en “esos salones con tanto frío en Boston” y se mostraron contentos de estar en Panamá.

Entre piano, batería, saxo, contrabajo y tambores venezolanos, los estudiantes presentaron sus piezas originales y rindieron tributo a Eric Dolphy, interpretando dos de sus piezas.

“Estamos felices de poder hacer música fuera de la escuela en uno de los festivales más importantes del mundo”, dijo Francisco Vilmar, percusionista del grupo, quien recordó al público que para tocar afuera de sus países “lo primero que deben mostrar es su cultura, que es lo que va a hacer que nos comuniquemos”. Una vez terminada su presentación,  y luego de un receso, Oscar Vidal presentó a Brian Blade, diciendo algo así como: “cuando Wyne Shorter buscaba un baterista poco común, se dio la vuelta y vio a Brian Blade”.

El músico de 44 años entró al escenario con pasos cortos y los brazos pegados al cuerpo, pero su lenguaje corporal se transformó después de empezar un diálogo, un baile con la batería, que evidentemente lo hacía feliz.

Blade no tocaba la batería, ella lo tocaba a él, le movía el cuerpo, la música lo dominaba.

Esa energía del músico y compositor, y la de The Fellowship Band la sentía el público, que se emocionaba con la combinación de sonidos, con las intervenciones de Myron Walden (saxofón alto-clarinete) y de Melvin Butler (saxos tenor y soprano),  el bajista Chris Thomas o el pianista Jon Cowherd.

“Es un honor estar en Panamá”, dijo en un tono de voz poco audible, antes de despedirse. Antes de que el público le pidiera otra.

“Esta es la primera vez que estoy presentando un proyecto, y la idea es hacer más temas para desarrollarlo y grabarlo. Y es maravilloso porque con Sissy nos ayudamos. Yo trabajo en la banda de ella y ella trabaja en la mía. En mi banda hay canciones de ella y en la suya hay canciones mías, y de esa manera es más fácil”, cuenta el músico peruano.

Además, en sus vidas hay puntos paralelos, como el redescubrimiento de su identidad cultural.

Sissy es de Sicilia (Italia), pero no había notado el valor de la música folclórica de su tierra sino hasta que alguien le propuso cantarla. Así fue como descubrió el ingrediente que faltaba para su disco.

“Empecé a cantar en dialecto siciliano, que tiene frases que le dan una sonoridad diferente a la música. Era muy diferente cuando lo cantaba en inglés. Eso hizo que todo lo demás empezara a cuajar mejor”, cuenta la  vocalista.

A Jorge le pasó algo similar. Después de estudiar música en Estados Unidos, regresó a Perú a escuchar la música afroperuana con “oídos de músico”.

Hoy los ritmos peruanos, sicilianos, afro, el jazz y el bel canto logran un sonido muy especial.

Ambos procedentes de familias musicales y pintoras, encontraron su camino, sin embargo, después de haber probado con algo más.

Sissy estudiaba biología genética y Jorge comunicación –“quería ser cineasta”– antes de entender que su camino era la música.

TALLERES
Los artistas comparten sus conocimientos y su técnica en los cursos formativos del décimo segundo Panamá Jazz Festival, que se celebra en la ciudad hasta este sábado 17 de enero.

Este 14 de enero, Sissy dictará una charla de improvisación vocal para jazz, y el jueves explicará cómo trabajó su disco. El mismo día también, Jorge tendrá un taller sobre ritmos afroperuanos.

“El jazz tiene ese elemento mágico de la interacción, del diálogo, que está muy presente en la música africana”, comenta el músico.

La ópera va tomando fuerza. Así lo perciben desde Fundación Ópera Panamá, y aprovechando ese impulso se han propuesto que el país se convierta en un centro de ópera mundial.

El objetivo no se cumplirá de la noche a la mañana, pero los apasionados del canto lírico van dando pasos. Uno de ellos es el primer Congreso Internacional de Canto, que comienza este 28 de marzo en Pedasí, Los Santos, y finaliza el 6 de abril en la ciudad de Panamá.

“Este congreso nace de una de las pasiones de la directora general de la Fundación Ópera Panamá Irena Sylya. Poder crear en Panamá un nicho, y poner al país en el mapa de los eventos culturares, un centro de ópera mundial como lo era en los años de la construcción del Teatro Nacional”, expresa Alfonso Baysa, uno de los organizadores.

En el evento participan cantantes profesionales en busca de perfeccionarse por medio de talleres de técnica vocal, interpretación y actuación, con profesores provenientes de Estados Unidos y Europa, según Baysa.

Durante la actividad se prepararán dúos y tríos para terminar en un concierto llamado Una noche en la ópera, que tendrá lugar el 6 de abril en el Teatro Nacional. Esa noche se presentarán 15 artistas, incluyendo cantantes de México y Argentina, y los panameños Graciela Saavedra, Susan Samudio y Baysa, presentando arias y óperas famosas.

Lo recaudado durante el concierto será a beneficio de la fundación. Los boletos están de venta en Ticket Plus (cuestan de 5 a 60 dólares).

Cada vez son más las personas envueltas en el arte no solo del canto, sino también la escenografía, las luces, el sonido y todo el equipo que se involucra en la ópera, según Baysa, quien afirma que “de aquí a 10 años vamos a tener una cultura de la ópera desarrollada”.

“La expectativa nunca fue grande. Fue algo que quisimos hacer en el momento para motivar a las demás personas”, recuerda Mariñas, organizadora de Investigación Colectiva INC 2015, que este año tiene como tema central el cuerpo.

La intención es preguntarse cómo el cuerpo, como ente comunicativo, puede utilizar espacios públicos para comunicar, según la bailarina.

Esa exploración comienza hoy con una clase en el Cuarto Rojo, y una presentación en Tántalo (Casco Antiguo), y continúa hasta el 25 de abril con talleres y presentaciones gratuitas (en su mayoría), así como conversatorios para dialogar sobre el contexto de la danza.

El componente nuevo en esta ocasión es un taller para los estudiantes del colegio Elena Chávez de Pinate, en Juan Díaz.

“La idea surgió porque yo soy de Juan Díaz, y me doy cuenta que no sucede nada fuera del centro de la ciudad”, comenta Mariñas, quien había ideado un día de taller, pero terminó planificando cuatro.

La muestra del trabajo final con los estudiantes será el próximo viernes 24 de abril, de 4:00 p.m. a 5:00 p.m., y está abierta a los estudiantes y a los habitantes de la comunidad que quieran asistir (siguiendo los reglamentos del colegio).

Los artistas invitados este año son dos grupos de danza de Costa Rica: De Paso Grupo Escénico, compuesto por cuatro bailarinas, y el dúo de bailarines Colectivo Cla.

El proceso de danzar
“Los procesos culturales no ocurren en 5 años o 10, ocurren más allá de los 50 años”, observa Mariñas, quien espera que al proyecto se sumen otras personas, y confía en que todo el movimiento que se ha generado en los últimos años tenga consecuencias en 2050. De perdurar algo de lo que está surgiendo con la investigación colectiva, le gustaría que fueran sus consecuencias.

“Que a la larga se haya generado vínculos para realizar proyectos futuros, en redes”, concluyó.

Ese lazo, que tejió para siempre su literatura, se revive para el turismo en su casa de vacaciones o en un mural de la cantante folclórica Totó La Momposina, quien acompañó al escritor con su música en la gala del premio Nobel (1982).

Pero para sus amigos es mucho más profundo.

Ese vínculo lo ilustró el periodista colombiano Darío Arizmendi en un conversatorio con el excanciller panameño Jorge Eduardo Ritter el viernes pasado, cuando presentó en Panamá su libro Gabo no contado (2014).

“Aprendí a querer a Panamá porque decía que él era caribe. Para él es una forma de ser, es una actitud ante la vida”, dijo Arizmendi.

El pasado 6 de marzo, en el que el autor de Cien años de soledad hubiese cumplido 88 años, mientras los tuiteros le hacían un homenaje dándole un nuevo significado a las palabras y agrupándolas bajo #MáquinadelaMemoria, Arizmendi y Ritter hacían el ejercicio de recordarlo tomando como excusa la publicación del periodista de la cadena Caracol.

Fueron varias las parrandas alrededor de la música, la literatura y el periodismo las que compartieron, admitió el periodista que mostró en su libro al ser humano detrás del personaje.

El hombre tímido, cuando no se sentía en confianza, pero extrovertido cuando estaba con sus amigos, el padre permisivo, el abuelo amoroso y el amigo leal, se asoman en las 190 páginas de Gabo no contado que también incluye fotografías.

También aparecen sus temores. Por ejemplo, no a la muerte sino a la “moridera” (estarse muriendo) y a las entrevistas en televisión.

Arizmendi recuerda que la última para la televisión la hizo en Cartagena (en donde hace tanto calor como en Panamá). “Tenía un jersey rojo y no se lo quitaba porque tenía frío, estaba nervioso”, recuerda sonriendo. “La entrevista duró dos horas y media. Se acabó cuando se acabó el whiskey”.

Sobre su amistad con los poderosos, Arizmendi habló de la relación de Gabo con Fidel Castro. “Él no estaba de acuerdo con el régimen, pero no lo dijo en público porque no quería hacerle daño a su amigo”.

LO NO CONTADO

“No es un libro biográfico, es un homenaje a la amistad con Gabo”, dijo el colombiano cuyo vínculo con el escritor nació el mismo año en que recibió el Nobel.
En adelante, los compromisos como Nobel le harían postergar el proyecto que los había hecho conocerse, El Otro, un periódico que no se realizó.

“El Otro no se hizo por culpa del premio Nobel. Gabo era vanidoso y consciente de su importancia. Le gustaba firmar libros. Entró como en una especie de año sabático”, recuerda.

Entre sus recuerdos también hay un par de episodios en los que no entra en detalle, pero asegura engrandecen a Gabo. “Llamé a Mercedes para preguntarle si debía publicar el libro”, recuerda el periodista, quien recibió la bendición de la familia de García Márquez. “Cuando lo leyeron me dieron las gracias. ‘Ese es el papá nuestro, el abuelo de nuestros hijos’... Con esa bendición dormí tranquilo”.

MÁS REALISMO QUE FICCIÓN

El arquitecto de Macondo sacaba los nombres de sus personajes del directorio telefónico y sus historias de la realidad. Las sabía contar muy bien. Eso hizo que lo consideraran el padre del realismo mágico, dice Arizmendi. Y tan bien diseñó Macondo, que es la invitada de honor a la feria del libro de Bogotá para el próximo abril.

Antes, la magia y la realidad también estuvieron muy cerca en su partida, el 17 de abril de 2014, un Jueves Santo. “Al igual que Úrsula Iguarán, unas semanas después de su cumpleaños”, observa un artículo de EFE y continúa: “En su despedida, en el capitalino Palacio de Bellas Artes, estuvo rodeado, como su imaginario Mauricio Babilonia, de cientos de mariposas amarillas de papel, que volaron para recordar al maestro del “realismo mágico”.

Enamorado de los libros, Amador José Fraguela los trataba como a criaturas recién nacidas, sobre todo aquellos que coleccionaba y que tenían centenares de años. De este hombre con el corazón lleno de letras y palabras nació una librería.

“Fue idea de mi padre, siempre tuvo amor a los libros”, cuenta hoy su hijo Luis Fernando Fraguela, sentado en una sala rodeada de libros que delatan su edad por lo desgastado de sus lomos.

Se trata de la Librería Cultural, ubicada en vía España, frente a calle primera, Perejil. Más de 35 mil títulos hallaron allí su hogar desde hace más de 30 años. Sin embargo, la librería tiene más de 60.

Fernando, quien se encarga de ella junto a su hermano Manuel, recuerda que antes los mejores años los pasaron en un local en avenida Perú. “Esa fue la más grande y bonita que recuerde. Era concurrida por escritores que ya no están con nosotros, y pintores como Alfredo Sinclair”.

En ese lugar (que ahora ocupa un banco) estuvieron seis años. Luego tuvieron que cerrar, porque no podían pagar la renta. Igual habían tenido que hacer unos meses antes de la invasión militar de 1989 con el local que tenían en San Miguelito y el de la avenida séptima central, en Santa Ana.

“Estaba justo al lado del café Coca Cola y frente al teatro Amador”, cuenta Luis Fernando sobre la historia de la librería que también es la historia de su familia.

Una historia que comenzó cuando Amador José, graduado de profesor de español y especializado en lingüística, con la ayuda de su padre Amador se aventuró junto a su esposa y otros colaboradores a hacer de su pasión un sustento familiar.

CARIÑO POR LOS LIBROS

En el parque de Santa Ana se reunían grandes personalidades, pintores, poetas, tomaban su café en el café Coca Cola y entraban a la Librería Cultural a hacer sus tertulias. Así le contaron a Luis Fernando Fraguela, que lo relata ahora como parte de la historia del negocio de la familia.

“Era bonito, porque no existía la internet y más bien la gente se volcaba a leer y a querer adquirir conocimientos”, expresa. Han pasado más de 60 años desde entonces y, pese a eso, Fraguela afirma que aún hay futuro en la librería.Son más de 60 años... ¿qué cambios ha notado?

La venta mermó mucho. Gran parte de esa reducción de ventas se debe a la reprografía, por un lado. Por otro lado, la venta de los libros en los colegios (...) Y por otro, la tecnología.

¿Los libros escolares eran los más vendidos?
Siempre han sido los más vendidos por la demanda que hay en los colegios. Y aparte los libros de lectura, los clásicos, los best sellers.

¿Actualmente cuáles se venden más?
Hay nacionales y extranjeros. Creo que la gente se inclina más por los libros de superación. También se venden muchos los libros de Paulo Coelho, y los libros nacionales. Creo que los docentes deben hacer más hincapié en la literatura panameña. No es que diga que no se deba leer literatura extranjera, pero debemos leer a los escritores del patio también.

La librería está llena de retratos...
Sí. Son los escritores nacionales. Nosotros hemos querido hacer un aporte para que la población los conozca, porque puede ser que usted oiga de Gil Blas Tejeira, pero no se imagine quién era ese personaje.

¿Tiene alguna anécdota con escritores panameños en la librería?
Aquí vienen muchos autores de diferentes tendencias e ideologías políticas. Muchas veces se han encontrado algunos y se forman unas tertulias increíbles, que usted no se imagina. Incluso, los clientes participan.

¿Existe la esperanza de que aumenten las librerías en Panamá?
Eso depende mucho de hacia dónde vamos. Si se incrementa la lectura en los colegios y en el país se pueden adquirir libros, de pronto sí, y sería bueno. Usted ve siempre el nivel cultural de los países a través de los cines, los teatros, los museos y las librerías. Es un indicador.

Si comparara las librerías de antes con las librerías que han surgido...
Yo creo que las librerías se están empezando a diversificar, y eso me parece bien, porque no habría competencia y, por otro lado, se comprarían mejores libros y habría la posibilidad de ir mucho más allá en lugar de traer de todo un poco.

¿Cómo ve el futuro de la Librería Cultural?
Futuro hay. Pero ha mermado mucho la venta de los libros por la tecnología. Aunque el libro jamás va a desaparecer, las librerías quedarán como un museo.

En cuanto a la profesión del librero...
El librero se hace a través del tiempo, a través de las diferentes casas editoriales, de seminarios, y uno nunca termina de aprenderse tanto del libro, las texturas, los papeles, la impresión.

Hay que tener amor por los libros. ¿En su familia fue algo aprendido o heredado?
Creo que fue algo heredado. Ha pasado de padres a hijos. Yo me crié en este ambiente, de esto vivimos, de esto comemos. Gracias a los clientes que vienen a comprar libros. Esperamos estar aquí por muchos años más.

Fabrice Placet, director general de la Alianza Francesa en Panamá, ve en el istmo un laboratorio del futuro, porque nota que en un territorio reducido se concentran problemas de primer mundo y de un país en vías de desarrollo.

Desde la mesa principal, al lado del embajador de Francia, Philippe Casenave, y Alexandra Schjelderup, de la Alcaldía de Panamá, Placet defiende la idea de que la cultura es una herramienta para lograr soluciones en temas como identidad, educación y democracia.

Con esa perspectiva y la de la conjunción de esfuerzos y de recursos, este jueves fueron presentados los proyectos para la agenda cultural 2015 de la Alianza Francesa, en asociación con movimientos artísticos panameños.

El primer gran proyecto está enfocado en la ciudad, y lo componen tres eventos en los que participan artistas franceses en conjunto con Punto Bohemio y Fiebre.

El miércoles 29 de abril, a las 6:30 p.m., en el Biomuseo, el artista francés Olivier Crouzel presentará un video-mapping de pescadores de Boca la Caja.

Luego, el 30 de mayo vendrá el evento Vía Plural, organizado por Fiebre, con el apoyo de Punto Bohemio, Open Arts PTY, la Alcaldía de Panamá y el Instituto Nacional de Cultura. La actividad pretende “profesionalizar las artes en las calles”, según Martín Valero, organizador. Las convocatorias para los artistas que quieran participar están abiertas hasta el 4 de mayo.

En agosto será la exposición y conferencia “Yo soy la nueva ciudad”, coordinada por Catherine Paquette y realizada por el Instituto de Investigación para el Desarrollo.

Además, habrá conciertos de World Music, y este año se volverá a celebrar la Fiesta de la Música, el 21 de junio, entre otras actividades.

Si las busca en centros comerciales, no las encontrará. Tampoco verá campañas de publicidad de ellas. Sin embargo, las tiendas de consigna existen desde hace más de 20 años en Panamá y, aunque se hable poco de ellas, no son un secreto.
La señora Elsa Nevah, dueña de La Casita (en Betania), recuerda que cuando decidió abrir su negocio en 1996 ya había una o dos tiendas de este tipo en Río Abajo.
Con “tiendas de consigna” se refiere a lugares donde las personas llevan su ropa usada, la tienda la vende y luego se divide el dinero entre el vendedor y el proveedor.

El modelo viene de Estados Unidos, según Roselind Baitel, quien fue maestra en la Zona del Canal y lleva 30 años viviendo en Panamá, de los cuales 15 los ha dedicado a su tienda Promises.
Aunque pueda tenerse la percepción de que con la existencia de grandes centros comerciales en el país (con diferentes ofertas de precios), el panameño no opta por estas tiendas, sus dueños aseguran que hay un mercado.
Baitel opina que si bien antes había un estigma con respecto a la ropa usada entre los panameños, como propietaria de la tienda que abrió en el año 2000, ha notado algunos cambios. Por ejemplo, muchos panameños han estudiado en el extranjero, visitan tiendas de consigna y “les encanta”. “Cuando regresan a Panamá ya entienden el concepto. Además, es un negocio verde”, comenta.
Por otro lado, Nevah percibe que “al panameño, en general, le gusta mucho la marca. Otras personas prefieren calidad, que se vea bien y tenga buen precio. Yo considero una persona inteligente a la que quiera ahorrar”.
Por ahorrar, por conseguir ropa de marca a un precio más económico, por encontrar algo original o, simplemente, para darle nueva vida a la ropa de segunda mano en buen estado, hay clientes y proveedores fieles a este modelo, que incluso usa las redes sociales como vitrina.

Vestidos de novia, trajes de noche, tuxedos, algo que le regalaron y no le quedó o no le gustó, o simplemente una pieza que ya no usa más. Tal vez le haya pasado que tiene en su armario ropa que no usa, pero que está en buen estado y no sabe a quién regalarla o cómo obtener alguna retribución por ella.

Esa ropa, carteras o accesorios podrían tener una nueva oportunidad en las tiendas de consigna.

Tiendas como Promises, La Casita y, más recientemente, Pilomena reciben estos productos siempre que cumplan ciertos requisitos.

Las condiciones que tienen en común los tres establecimientos son: que la ropa esté limpia, sin manchas ni huecos ni olores. La presentación de la ropa al momento de mostrarla a estas tiendas puede ayudar a que sea elegida para la venta.
Las piezas más vendidas son los accesorios, la ropa de trabajo y los vestidos de noche, que en algunos casos también alquilan.
“Por el tema de infraestructura y espacio, tratamos de hacerlo un poco organizado, que tengamos citas, que sepamos más o menos con cuántas piezas va a venir y qué es lo que va a traer, para no que traiga cosas que no van a aplicar para la venta”, explica Lourdes Arosemena, de Pilomena.

No hay un perfil específico de consignantes, según Arosemena. “Cualquier persona estoy segura de que tiene cosas chéveres en su clóset y tiene buenas cosas que podrían aplicar para la venta”.
En ese sentido, el modelo de Promises es distinto. La tienda trabaja con instituciones benéficas. Es a través de estas instituciones que llega la ropa. El dinero que se recaude se le entrega a la fundación que la donó.
“Las personas que compran reciben un artículo de alto valor a muy bajo precio, y para ellas es un ganar­ganar”, dice Roselind Baitel, propietaria de la tienda.
En cuanto a La Casita, las ganancias se reparten en partes iguales.
¿Quiénes compran en estas tiendas? “Son gente como tú y como yo. Gente profesional, gente joven, gente de los medios, de la política, mucha gente del cuerpo diplomático, de las escuelas, los bancos”, dice Baitel.
Eco chic
Pilomena es una tienda pequeña con dos años de existencia. Al entrar da la impresión de ser una boutique de ropa nueva, y es que para la hermanas Arosemena la presentación es importante.
Entre sus políticas está el concepto “eco chic”, que busca tres componentes: que la ropa esté como nueva, reutilizable y que tenga estilo. “Para nosotros la marca no es tan importante, de hecho no es importante. Si tiene una marca interesante, bien; pero si no la tiene y tiene mucho estilo, nos guiamos un poco más por el estilo”, comenta Lourdes.
La tienda se está planteando un proyecto de responsabilidad social empresarial, para enseñar a coser a jóvenes que necesiten oportunidades y sacar una línea de ropa hecha a partir de la que no se vende.
‘Bazaar bebé’
Como madre, Nicole González sabía que la ropa de bebés y niños pequeños se deja de usar muy pronto, aunque esté en muy buen estado. Un programa de televisión que vende ropa de niños le dio la idea de crear Bazaar bebé.
Junto a Dominque Buitrago, su socia, vende ropa de segunda mano de recién nacidos hasta de niños de siete años, por medio de una página de Facebook.
“Al principio teníamos el temor o la duda de que la gente fuera aceptar ropa de segunda, pero la respuesta es muy buena. Una vez al mes hacemos bazares en lugares públicos. Poco a poco se dan cuenta de que la mercancía está en buen estado, de que tenemos buen ojo para la selección”, comenta González.
La ventaja de este tipo de negocio, según Buitrago, es que se pueden captar también clientes de otras provincias. “Nuestro mercado en otras provincias es de 60%. Captamos gente de Colón, Penonomé, Aguadulce, Chitré”, detalla.
Y sobre la tienda virtual, considera que “se ha dado un crecimiento por la acogida que han tenido las redes sociales a nivel local. La entrada de los smartphones hace que sea más rentable”.

El primer contacto de Dan Ramírez con la música tiene que ver con su infancia en Panamá. Recuerda los fines de semana con su abuela Dalia escuchando los combos nacionales, y la música típica que venía del toldo ubicado detrás de su casa, en El Marañón.
El músico, que aprendió a tocar el clarinete con la banda del Instituto Nacional, es hoy el guitarrista del grupo Consumata Sonidera, nacido en 2010 en el barrio de Bushwick en Brooklyn, Nueva York.
“En 2012 el acordeonista me invitó a tocar en la banda porque necesitaban a un guitarrista. Ese año comenzó la transformación del grupo a la encarnación presente”, comparte Ramírez, via correo electrónico, desde Estados Unidos.
Ramírez era parte de otra agrupación cuando conoció a los músicos fundadores de Consumata Sonidera, y empezaron a trabajar juntos cuando la banda a la que pertenecía se separó.
Ahora, junto con el grupo, prepara una gira por Perú y Ecuador, entre el 9 y el 24 de abril. En esas fechas, la banda fundada por el saxofonista de raíces peruanas Bruno Navarro hará sonar una mezcla de cumbia, reggae, ska y punk, un sonido que “está pensado para el directo, para que bailes sin control y te diviertas”, según un comunicado de la banda.
-¿Qué significa Consumata Sonidera?
Tiene muchas interpretaciones. En parte es una crítica al concepto del consumismo que en cierta forma mata a la humanidad. La palabra “mata” también se refiere a una conexión con las plantas y la naturaleza, la cual está en conflicto con el mismo consumismo del que hablamos.

-¿Está entre sus planes venir alguna vez a Panamá?
Espero algún día poder hacerlo. Sería un orgullo grande para mí.
-¿Hasta dónde les gustaría llegar como agrupación?
Nos gustaría presentarnos en todos los países de Latinoamérica para exponer nuestra música y al mismo tiempo conocer la diversidad cultural. Es importante aprender lo que nos conecta como pueblo y como seres humanos. Hay que proteger y conservar nuestra herencia cultural latinoamericana.

Al coreógrafo español Fernando Hurtado hacía tiempo que le “apetecía” llevar la tragedia de William Shakespeare al terreno de la danza contemporánea, y halló la oportunidad en Panamá junto a Fundación Pasos y Monumentum Danza.

Romeo y Julieta se presentará en ocho funciones y reunirá a más de 60 bailarines entre independientes, profesionales y estudiantes de diferentes academias de danza.

Hurtado, Tania Ashkenazi, de Fundación Pasos, y Patricia Galindo, de Monumentum Danza, dieron a conocer en conferencia de prensa que las funciones comienzan el 13 de mayo a las 7:30 p.m. y continuarán hasta el domingo 17 cuando se presenten en dos ocasiones, una a las 4:00 p.m. y otra a las 7:30 p.m.

Dos de las ocho funciones serán didácticas y estarán dirigidas a estudiantes de escuelas de danza y a fundaciones sin fines de lucro (el 15 y 16 de mayo a las 11:00 a.m.). Las entradas para las otras seis funciones están de venta en Panatickets y los precios van desde 15 hasta 45 dólares.

La versión de Hurtado del clásico de Shakespeare incluirá coreografías complejas, a las que le imprimirán la energía masculina de la obra, aunque el elenco está conformado en su mayoría por mujeres.

En la adaptación participarán los bailarines José y Joameth, de Fundación Calicanto, y tres bailarines españoles.

Durante la conferencia, Hurtado comentó que espera que el público sea curioso, y reiteró la importancia de crear la necesidad de cultura entre las personas. “En el momento que una persona no tenga necesidad de cultura, algo estamos haciendo mal”, reflexionó.

Sobre esa evolución del buscador y de cómo sacarle provecho a los teléfonos móviles, conversa con este diario Mary Carmen Albarrán, gerente de producto de Google México, quien está de visita en Panamá.

“Hemos notado que en América Latina la forma en que la gente usa el buscador no es tan sofisticada, no hacen preguntas específicas. Todavía ponen los conceptos separados. Queremos que se animen a preguntar ‘¿cuánto mide la torre Eiffel?’ en lugar de ‘torre Eiffel, altura”, invita Albarrán.

Y es que el buscador responde preguntas, desde el clima, pasando por la hora de una ciudad determinada, definiciones y hasta cálculos matemáticos.

"Además, es posible obtener respuestas preguntando desde la aplicación de Google del teléfono directamente, a través del micrófono”, explica Albarrán.

Así, por ejemplo, se puede preguntar a Google por los restaurantes de sushi en Panamá y que te diga cómo llegar allí, todo desde la aplicación del dispositivo móvil. Este te responderá.

De hecho, hay una nueva tecnología llamada modo de conversación, que permite hacer preguntas específicas y seguir consultando sin necesidad de explicar el contexto. Por ejemplo, si se pregunta ¿quién escribió Cien años de soledad?, el buscador contestará “Gabriel García Márquez”, entonces podrá preguntar cuándo nació, y el buscador entenderá que todavía están hablando del Nobel colombiano.

La aplicación también funciona para pedir al teléfono que haga llamadas o que mande mensajes.

En el caso de Android, la aplicación está integrada al teléfono, pero también está disponible para los usuarios de iOS a través de las tiendas de aplicaciones.

Al final, el interés de Google es que los usuarios saquen provecho de todo lo que pueden hacer con los móviles, según Albarrán. “En promedio la gente en Panamá tiene hasta dos dispositivos móviles y casi el 80% de los dispositivos es Android, sabemos que hay mucho interés”, concluyó.

La noche de este jueves desde las 7:30 p.m., patrones sobre Panamá y el cine, a cargo del artista digital Miguel Chevalier, dan la bienvenida a una fiesta que comienza con la película española Ocho apellidos Vascos, y seguirá con unas 72 producciones de 45 países, en su mayoría hispanoamericanos.

"El IFF se compromete con impulsar el cine de la región, y por su puesto el de Panamá", dijo en conferencia de prensa Pituka Ortega, directora del festival, quien  comentó que "se habla de que el cine del futuro viene de Centroamérica".

Precisamente para apoyar la cinamatografía de Centro América y el Caribe este año, por primera vez, el IFF premiará  al ganador de la sección de industria Primera Mirada con fondos por 25 mil dólares.

"El concurso saca a relucir que hay personas que están comprometidas en  hacer un buen guión", comentó Stephan Proaño,  director de la Dirección General de Cine de Panamá.

Y es que Proaño ve con optimismo lo que se genera con el festival, "estamos respirando un poquito más de cine y estamos generando autoestima".

Por su parte, el actor peruano Salvador del Solar, jurado internacional del premio, destacó el hecho de que en la región se decida comenzar a ser "protagonista de nuestras historias", y compartió lo positivo que fue para él recibir realimentación en la sección Cine de Construcción del Festival de Cine de San Sabastián (España), y luego tener la posibilidad de terminar Magallanes, su primera película como director. Por eso alabó la iniciativa de Primera Mirada y deseó larga vida al festival.

Más que cine

Ortega reconoció que el festival no solo apuesta al cine como un elemento de comunicación, sino como una herramienta de educación e introspección. Por eso este año contarán con talleres, como el de la actriz cubana Alina Rodríguez con los chicos de centro de acopio de Brooklyncinto, y más de 800 niños y jóvenes tendrán la oportunidad de ver cine de forma gratuita.

En cuanto al desarrollo de festival los días en los que también se celebra la Cumbre de las Américas, la directora dijo, en broma y en serio,que: "habrá muchas películas esta semana, las de la cumbre y las del festival",  pero confió en que el público elija ver las del festival aprovechando los días libres.

En sus redes sociales la organización del IFF ha compartido mapas con los accesos a Cinépolis Multiplaza, en donde se proyectará la mayoría de las películas, y están dispuestos a contestar inquietudes por este vía.

Apetito de cine

Finalmente, organizadores e invitados coincidieron en que la ganancia del festival estará en que el público se contagie de cine. Algo que Geraldine Chaplin logró transmitir.

El enamoramiento que expresó Chaplin por Panamá, solo se comparó con su manifiesta ansia de ver producciones nuevas. "Tengo un apetito de cine joven, quiero vampirizarlo", dijo la actriz, que por segunda ocasión participa del IFF. La actriz británica se mostró fascinada con el talento y las nuevas manera de contar historias, en comparación a Europa y Estados Unidos. "Yo estoy en el país de los dinosaurios", dijo.

El año pasado tuvo una exposición de lámparas, alfombras y flores, todo hecho con lo que se podría decir es desecho. Pero la imaginación de este diseñador de muebles siguió andando, y la próxima semana presenta su primera colección de vestidos en la galería Juan Manuel Cedeño, del Instituto Nacional de Cultura.

La exposición pretende crear conciencia de cómo lo que creemos que es basura se puede transformar.

Serán 20 los vestidos con sus accesorios que lucirán las modelos el 14 de mayo, a partir de las 6:00 p.m., durante la inauguración de la muestra y se podrán ver hasta el 31 de mayo.

“Son dos años ahora desde que empecé el proyecto [de las tapas] y se ha vuelto más emocionante. Hubo un momento en que yo era el hombre de las tapas. Ha ido creciendo y creciendo”, dice sonriendo quien ya se imagina un cómic educativo en el cual el héroe sea Cap man (el hombre de las tapas).

Y es que Sager ve en esto un proyecto en grande. Ha visto cómo la gente empieza a guardar las tapas para dárselas a él y confía en que, con la existencia de un sistema, poco a poco la basura tenga una utilidad.

Además, tiene otro proyecto en mente. “Es un proyecto grande, una competencia de diseño entre las escuelas para producir grandes murales. Quiero producir 10 murales, uno por cada provincia de Panamá”, comenta.

También “hay una compañía de reciclaje que me está ayudando, eso demuestra que hay panameños que sí les importa”, comenta el artista.

Sager ya ha encontrado aliados y confía en que hay panameños a los que les interesa el tema del ambiente. Por eso, no quiere decir qué tan terribles son los que tiran la basura en el suelo, sino demostrar cómo se puede transformar.

El coreógrafo español Fernando Hurtado se ganó esa libertad con los años. Ya cumple una década desde que trabajó por primera vez en el país. Ahora comparte otras apreciaciones sobre la danza panameña. Aquí un extracto de la entrevista con este diario.

¿Qué fue lo más difícil y lo más satisfactorio de este montaje?
Lo más difícil es que hemos trabajado con un elenco en el que no había hombres, y Romeo y Julieta tiene una energía muy masculina. Lo difícil fue intentar que todas las partes femeninas tengan una energía masculina y lo más satisfactorio es ver cómo eso se va consiguiendo.

Siempre les digo: "piensa qué pasaría si todos pensaran como tú, cómo sería si todos actuaran como tú. Yo voy a estar el día 13 en mi sitio y voy a defender el espectáculo, ¿tú qué vas a hacer?". Es satisfactorio que de los 70, la mitad logre entender esto.

¿Qué progresos ha notado en la danza y en qué hace falta trabajar más?
Es una pena decirte que no he notado una evolución en estos 10 años, es verdad que han apoyado proyectos, otros menos, otros más. Pero creo que se nota un cambio cuando algo de verdad agarra, cuando algo empieza a visualizarse hacia el exterior.
He notado cambios en las propuestas de producción. Son iniciativas privadas que intentan empujar la danza pero siempre desde la parte privada. No hay una escalada arriba que sea visible.

En su experiencia, ¿qué está fallando que los proyectos no prosperan?
El interés político (...) Hasta que la gente deje de tirar papeles al suelo, hasta que no toque el claxon y se grite. Hasta que las librerías y los museos estén llenos, ahí empezaremos a ir bien. Pero como todo se mide por una cuestión económica, hay la falta de interés. Si hay interés de verdad, hay recursos.

¿Cómo se despierta el hambre de la cultura?
Viendo y comiendo cultura, metiéndote en la escuela, en los chavales, como en el caso del programa Enlaces, de Calicanto; educando a los padres, a los maestros, con mucha actividad y sobre todo mucha continuidad.

¿Qué recogería como ganancia en estos 10 años?
Creo que por lo menos hay una continuidad, algo iremos dejando. La gente pregunta qué vamos a hacer el año que viene. Muchas niñas van creciendo, yo mismo voy madurando con estos proyectos (...) Sí echo de menos que en 10 años algo teníamos que haber recogido de más.

¿Hasta dónde le gustaría llegar?
Panamá necesita una compañía de danza contemporánea estable, compañía de teatro estable, algo estable. Eso significa que haya compañías de danza contemporánea presentando proyectos, trayendo coreógrafos de afuera o nacionales con alguna referencia. Creo que todo país debería tener eso, una compañía de danza de referencia visible, y también de teatro y música.

La fruta originaria de la India y que crece en ambientes cálidos, llegó a Brasil traída de Asia por los portugueses. Luego se extendió por el continente americano.

Fueron los jamaicanos quienes trajeron al istmo los primeros plantones en 1847, y con los estadounidenses, quienes establecieron en Río Hato una base militar en el siglo pasado, llegaron otras variedades de la fruta, según Virginia Fernández, coordinadora del Festival del Mango, en Río Hato.

Esta actividad, que nació en 2012, inaugura su cuarta versión mañana en los terrenos de la junta comunal de Río Hato.

“El corregimiento tiene el tema de turismo de playa, pero queríamos buscar una identidad, porque cuando los estadounidenses llegaron se dejaron de hacer presentaciones folclóricas y fueron reemplazadas por el traganíquel y los bares. El tamborito se desplazó hacia Antón”, comenta Fernández.

El festival, que se extiende hasta el domingo 17 de mayo, pretende que la comunidad aprenda los usos del mango que, en el caso local, no se puede exportar por su rápido tiempo de maduración.

“El mango de calidad está desapareciendo. Algunas veces los árboles crecen tanto que no se pueden alcanzar los mangos, estos se caen y se pudren, así que los dueños prefieren cortar los árboles”, cuenta Fernández.

De ahí, la importancia de que la gente aproveche la fruta y no se pierda la variedad que ya existe. ¿Qué se puede hacer con el mango? Jugos, jaleas, yogures, picantes y salsas.

Del árbol a la cocina
Para la chef y somelier Lorena Martínez, quien participará del festival enseñando a los asistentes a hacer cosas con mango en su casa, “la idea es que lo aprovechen y lo puedan vender”.

El sábado y el domingo, de 10:00 a.m. a 4:30 p.m., Martínez estará enseñando a hacer “fruti-rollo” de mango y macerados de mango con algún tipo de licor.

En el primer caso se toma el mango muy maduro, se pica, se licúa, y vierte el puré sobre una placa que puede ser 9x13, cubierta con papel de cera. El espesor de la capa puede ser de dos milímetros y se calienta 100 u 80 grados, por 30 o 35 minutos.

Otra forma en la que se puede utilizar es para hacer cocteles. “La pepa que queda del puré o la cáscara se le echa al licor que puede ser un ron claro, seco o tequila y, luego de tres semanas, el licor adquiere el sabor del mango.

Por otro lado, la chef Patricia Miranda Allen no participa del festival. De hecho, Volcán (Chiriquí), en donde está su restaurante, no es una tierra que produzca mangos, pero eso no significa que no los use.

“Tengo en el menú unas fajitas de pollo agridulce con mango. También lo uso en las ensaladas, especialmente cuando tienen berro porque el dulce de mango les da un giro interesante y sabroso”.

En cuanto a platos dulces, incluye un pie y un cooling. “El mango es tan delicioso, con una textura tan delicada y cremosa que no hay que hacerle mucho”, dice.

¿Y cuál es el mejor tipo de mango para cocinar? Martínez responde: “El torcaza es muy ácido, es perfecto si quiere hacer un ceviche con mango y pescado”.

Si quiere hacer una ensalada de mango, no tiene que ponerle nada, salvo un poquito de limón. Para dulces, dice, “sería ‘huevo de toro’, es más carnoso, tiene buena pulpa y muy buen aroma, sirve para hacer budines y pan. El mango piña también es rico; el año pasado lo piqué, lo machaqué con un poquito de azúcar y le pusimos vodka”.

Variedades de mango

El de la finca del señor Fermín, el del patio de doña Petra. Ha habido tantas combinaciones e injertos que ya no es tan fácil distinguir el tipo de mango que crece en Río Hato. 

Ahora se hacen injertos de las semillas para poder controlar el crecimiento de los árboles o para que den fruto en tres años. 
“Si siembras una pepita de mango Tomy Atkins [y no se está seguro de que sea puro], puede ser que no adquieras el que es, sino uno parecido. El sabor se va diluyendo”, explica Virginia Fernández, coordinadora del Festival de Mango.

En la primera versión del festival, que se celebra cada año desde 2012, fueron presentadas 15 variedades de mango; en la segunda, 22; y en la tercera, 33.

“Tenemos el Instituto de Investigación Agropecuaria de Panamá (Idiap), allí hay personas especialistas en frutas. Ellas van al festival y pueden decir cuál es cuál. La mayoría de los mangos es criolla”, dice Fernández.
Pero independientemente de su especie, hay formas de preservarlos y hallarles uso, sobre todo en estos meses (mayo y junio) cuando hay temporada alta de mangos.

Se aprende en el campo, literalmente. La Villa de Los Santos es el laboratorio de ideas, propuestas y miradas destinadas a alojarse en la tienda del Campamento y Festival Internacional de Cine Documental, AcampaDoc.

El evento, que este año tendrá lugar del 4 al 17 de octubre, se enmarcará en el tema “Agricultura campesina, tradición y desafíos” y está en busca de propuestas. Serán 10 las que se elijan para un largometraje y 20 para cortometrajes.

“Nuestra formación está dirigida a una nueva generación de realizadores de cine documental, así como jóvenes del sector audiovisual iberoamericano, interesados en la adquisición de habilidades prácticas en un entorno de colaboración intercultural”, explica Irina Ruiz Figueroa, directora de AcampaDoc.

El evento se desarrolla en tres actividades: una residencia de largometraje, cuyo tema es libre; un campamento con el tema central del festival, y la proyección de obras de cortometrajes, largometrajes y animación documental.

Las tres convocatorias están abiertas y en la página web acampadoc.com se pueden encontrar los formularios. La fecha de cierre para el campamento y la residencia es el 1 de julio, y para inscribir obras al festival, el 10 de julio.

Las becas que reciban las propuestas elegidas serán completas, incluyen clases presenciales, talleres, conversatorios, asesorías, horas prácticas, materiales, hospedaje, alimentación, acceso a las proyecciones del festival, y la integración a una red de documentalistas iberoamericanos con más de 100 miembros.

Uno de los principales logros de la actividad, nacida en 2011, según Ruiz Figueroa, es la “descentralización y democratización del acceso al cine documental en regiones de Panamá”.

Algo parecido pasa con el Carnaval de Río de Janeiro en Brasil o en el Festival de Cine de San Sebastián, en España.

Los ejemplos anteriores fueron expuestos durante la reciente conferencia “Aportes del sector cultural al fortalecimiento del tejido económico y social”.
Son el reflejo del potencial que tienen los eventos culturales para mover la economía, el mismo que a Panamá le falta descubrir, pues de acuerdo con el Informe de Competitividad Turística 2015, en el país hay riqueza cultural, pero los turistas no se enteran de las actividades.

En respuesta a esa situación ya identificada por los actores del ambiente cultural, esta semana el Instituto Nacional de Cultura (Inac) y la fundación Ciudad del Saber, con la participación del especialista Gerardo Neugovsen, de Tikal Ideas, presentaron la propuesta de un entramado de colaboración en ese sector cultural llamado Trama.

El proyecto busca “visibilizar el aporte del sector cultural al tejido económico y social del país”, así como “promover políticas públicas que a través del fomento y de la creatividad y la innovación permitan desplegar todo su potencial”.

“Queríamos mostrar evidencia de cuál es el impacto del sector cultural, evidencia de que hay emprendedores culturales y creativos en Panamá”, comenta Javier Stanziola, director nacional de Planificación y Presupuesto del Inac.

Así surge una primera etapa que se desarrollará durante el año, y que incluye charlas y conversatorios dirigidos a distintos públicos, un módulo de formación de emprendedores, conducido por el Centro de Innovación de Ciudad del Saber, así como el Encuentro Trama 2015 - Cultura, Innovación y Economía Creativa, que tendrá lugar del 15 al 18 de septiembre.

Si se pregunta qué es economía creativa, es el encuentro entre la economía, la cultura y el conocimiento. Un concepto que también tiene activos tan intangibles como infinitos, según Neugovsen, pues “estamos en una transición de la era industrial a la del conocimiento”.

Transición colaborativa

Hay un cambio de era que no dará marcha atrás, y estamos en el pico de esa curva entre la era industrial y la del conocimiento. Y ese conocimiento implica la cultura vista desde una perspectiva distinta.

“El desafío del sector cultura es cambiar nuestra mirada, cambiar nuestro chip ”, expresó Neugovsen.Según Neugovsen, nos encontramos en la transición de una visión ornamental y eventista de la cultura, a una mirada más profunda, sin divisiones entre cultura popular y de élite, y en la que la cultura no necesariamente es sinónimo de arte. En esa transición, agrega, la cultura debe dejar de asociarse al ocio y tiempo libre, y empezar a ser reconocida en un sentido transformador social y productivo.“Estamos muy conectados con este salir de la era industrial y entrar a la era del conocimiento, en la época en donde se pone en evidencia la importancia que tiene el recurso intangible de la creatividad, de la innovación, la cultura y la tecnología en los nuevos modelos económicos”.

Onda expansiva

La economía creativa no solo contabiliza los ingresos que genera la cultura, sino el impacto social que tiene. Un mismo evento puede tener diferentes escenarios. De ser un concierto, hay un movimiento económico en torno a todo lo que involucra la preparación, luego otro por parte de los espectadores que compraron las entradas y otro que involucra a las personas que venden sus productos en esos eventos.En el caso del tango, en Buenos Aires, la dinámica económica que se genera en torno a este baile no tiene que ver solo con ingresos, sino con todo el “ecosistema” que se genera a su alrededor, explicó el especialista.La dirección Nacional de Planificación y Presupuesto dirige sus esfuerzos a medir los efectos de su agenda como institución, así como los aportes que entregan a los emprendedores, comenta Mariana Núñez, directora del Inac.“Estamos sistematizando la manera como nos piden ayuda, así como los resultados de sus actividades, con cifras en blanco y negro, la cantidad de personas impactadas y los efectos a largo plazo”, anotó la directora.

Además, se están haciendo mediciones que van desde cuántas personas y de qué edades están visitando los museos, hasta cuál es el entendimiento de cultura que tienen las personas que asistieron al Verano Azul del Inac.Los resultados preliminares revelados esta semana muestran que el 40% de los encuestados reconoce cultura como “la historia de mi gente”, que el 57% va acompañado de entre una y tres personas, y que la mitad de las personas consume entre 1 y 10 dólares.“A final de año esperamos poder ver en el sistema de información cultural, que esperamos poder lanzar en octubre, los pininos del mapa estadístico de la cultura en Panamá”, agrega.

La trama

Con el lanzamiento del proyecto Trama se echarán a andar charlas, debates, conversatorios, que buscarán generar colaboración entre los gestores y emprendedores culturales de todos los sectores, según Stanziola. “Vamos a lanzar la convocatoria para que las personas presenten sus planes de negocio, para luego escoger al grupo que va a pasar por esa formación. Habrá mucha discusión y mucho debate dentro del Inac y Ciudad del Saber en términos del nivel de formación”, dijo.Para Ana Karina Smith de de la Guardia, directora de Operaciones del Festival Internacional de Cine de Panamá, la propuesta ha tenido buena recepción, “la consideramos muy atinada para el momento tan importante que vive Panamá”, comentó, y agregó que “las propuestas culturales tienen que ser sustentadas sólidamente, no solo a las entidades de gobierno y a los patrocinadores, sino a la sociedad en general, mostrando así los impactos positivos al país en los diversos aspectos que tocan”.Por otro lado, Marie Claire Fontaine de Bueno, quien es parte de la organización del Macro Fest y el Panamá Fashion Week, piensa que “aunque se podría decir que sí se ha generado una economía creativa, que es un poco tímida hasta ahora, tenemos fe en que va fortaleciéndose poco a poco”.La responsabilidad de que este entramado arroje resultados positivos y se consolide en el sector económico, productivo, social y cultural, no depende de un solo actor, según Neugovsen, sino que “recae en los hombros de los actores principales, que son los gestores culturales y los emprendedores, y por añadidura, los sectores públicos vinculados con esto, es decir, ministerios de cultura, secretarías de cultura, ministerio de economía creativa”. 

“Opening: una niña muerta”. Silencio. Esta línea fue suficiente para que Guillermo del Toro se ganara la atención de los productores y así hacer realidad El laberinto del fauno.

Eso lo recuerda bien Elena Manrique. “Todo lo que hace Guillermo del Toro es memorable. Había un ciclo de cine mexicano en San Sebastián, así que lo conocía de antes”, compartió la productora española, quien además ha estado a cargo de producciones como Celda 211, El orfanato y Ciudad Delirio, que se presenta en el Festival Internacional de Cine de Panamá.

El viernes pasado, Manrique compartió con cineastas algunos consejos sobre “Cómo vender tu guion o proyecto” en uno de los talleres del festival:

• Conoce bien tu guion: “Lo primero es saber cuándo tu guion está listo”. Manrique recomienda que el proyecto lo lea primero alguien con criterio, capaz de dar orientación, como un maestro, por ejemplo. Además, aconseja dejarlo reposar y buscarle el lado innovador. “La gente está buscando en alma, apártense de convencionalismos”, dice.

• Ser sensato: “No pasa nada por ser primerizo, pero sí por inocente”. La cineasta comentó que es importante tener clara la viabilidad del proyecto. “Muchas veces los guiones no se rechazan porque sean malos, sino porque no hay forma de hacerlo”, comenta.

• Entusiasmar: Es el primer paso para vender el proyecto, hacer que algún productor o director lo lea. Manrique recomienda pedir cinco minutos para presentar el proyecto y aprovechar festivales, a fin de hacer contactos personales, pues es más probable que esta persona no ignore el proyecto.

• Presentar la idea: El concepto del proyecto debe ser claro y conciso. “No es aceptable decir que mi historia es demasiado complicada para resumirla en unas líneas”.

• Tener una buena sinopsis: Debe entenderse quién es el personaje principal, qué quiere, quién se lo impide y qué hace que esta historia sea única. Se debe describir el entorno de la historia y ser consecuente con el tono del guion. Además, se podrá elegir una de dos formas de terminarlo, contando el final o dejarlo abierto.
También debe ser breve: “Una sinopsis de dos páginas no es sinopsis”.

• Medir el ritmo: “Lo más importante es que al final el guionista se quede con la tarjeta del director o guionista”. Para eso, dice la productora, es bueno medir el ritmo de la otra persona, saber qué tanto avanzar con la exposición de la idea, dependiendo del interés que demuestre la persona que escucha.

• Plan de ataque: Es más probable que se tome más en serio a alguien que sepa de cine. Es importante demostrar que se está bien informado. También es recomendable conocer un poco a la persona a la que se le presenta el proyecto y hacerse la idea de cuándo ser pesado e insistir y cuándo dejar de serlo.

• Trabajar y trabajar: Ser principiante no es impedimento. Un director es el capitán de un barco, lo importante es crear, y hay métodos, según Manrique. “Con el teléfono móvil puedes hacer una película”, comentó, y agregó que “lo que me ha hecho decidirme con los nuevos realizadores es su trabajo previo”.
Y usted, ¿ya está listo para sacarle provecho a su guion?

El director de fotografía Renato Falcao explicó ayer lunes cómo es el proceso de cinematografía de animación.

El brasileño, cuya primera película animada fue Río (2011), compartió en una clase magistral el proceso que siguió el estudio Blue Sky para lograr esta película, así como Ice Age 4, desde el story board, hasta la animación final, pasando por el layout (distribución del espacio, o cámara e iluminación).

Falcao lleva cinco años trabajando en los estudios Blue Sky, y más de 20 años de experiencia en el cine de imagen real.

Terminada la clase, el director tomó unos minutos para conversar con este diario sobre su oficio.

¿Cómo fue que empezó a experimentar con la animación?

Yo ni siquiera planeaba hacer esto. Lo que pasó fue que los estudios de animación estaban buscando directores de fotografía que tuvieran experiencia en películas de imagen real, así que me invitaron a trabajar con ellos. Amaba las películas, pero no me veía haciendo animación. Cuando llegué les dije que vería si tenía algo que hacer ahí, porque ya hacían películas impresionantes, pero empecé a trabajar y a ellos les gustó lo que hacía.

¿Qué significó trabajar en esa primera película?

Cuando empecé a trabajar en Río, lo hice desde el comienzo, y entender cómo es el proceso desde el diseño y el story board, fue genial. Me tomó unos meses comprender el proceso, pero luego empecé a hacer sugerencias y fue genial esa transición.

¿Cuál es el principal reto al hacer cine animado?

El tiempo. No hay manera de hacer algo rápido. Recuerda que tenemos que plasmar emociones. A veces se comienza por la voz, y otras no tenemos ni la voz. Así que es divertido ver las ideas que tienen de lo que quieren hacer, pero luego hay que animarlo y ¿cuánto tiempo tienes para hacerlo bien? A nosotros nos ha tomado tres años terminar una sola película.

¿Cómo calificaría la evolución del cine animado?

La evolución del 2D al 3D fue enorme, ahora es más complejo. Pero todavía hay espacio para la animación más sencilla, todavía puedes hacer animación en 2D y cosas sencillas. Puedes hacer cosas impresionantes y hermosas, desde la misma forma como se hacía hace años, o puedes usar la tecnología. Es como la pintura, todavía puedes regresar y pintar como lo hacían hace 500 años. Es bueno ver la evolución y siempre ser capaz de regresar.

¿Se podría decir que la animación transita una nueva etapa ahora que no es terreno exclusivo de Disney o Pixar?

Antes era muy caro acceder a los programas de computación animada, por eso pertenecían a los estudios. Pero a hora los softwares y las computadoras son más baratas y mucha gente tiene acceso. Claro que para hacer que una película se proyecte en pantalla grande se necesita del trabajo de toda la maquinaria de distribución de los estudios. Esa es una parte muy grande de eso y también es la parte más difícil para los que no pertenecen a los estudios. Es muy difícil hacer una película y competir con los grandes estudios, pero hay otras formas como presentarla a través de You Tube. Muchas cosas han cambiado, hay más opciones.

¿En qué proyectos está trabajando?

Peanuts está casi lista, luego sigue Ice Age 5 y luego Ferdinand, que debe estar lista en 2017.

¿Ha cambiado la percepción de que el cine animado es sinónimo de cine infantil?

Sí, hay muchas películas animadas que no son para niños. Yo recuerdo que una de mis películas favoritas era The Wall: Pink Floyd, en los años de 1980 o 1990, que tenía mucha animación. Hace tiempo que esta no es solo para niños, lo que pasa es que la infantil es la más popular, pero hay mucha gente haciendo cosas interesantes en animación que no es para los niños.

¿Cuál es la película animada que más le gusta?

Hay tantas. Me impresiona mucho Ratatouille, de las últimas. Cuando era niño, aunque no es una película, me gustaba el programa Tom y Jerry. Esa época de la animación en televisión era muy buena.

¿Cuál sería el primer paso para hacer animación?

Tanto en el cine animado como en el de imagen real, lo importante es la idea, qué quieres contar (la historia) y cómo lo vas a contar. Tener una visión de lo que quieres hacer. Si tienes una meta y estableces pasos para lograrla es mucho más fácil. Especialmente si eres un director, porque existen mil maneras de hacer cada película.

Niño aún, Diego Quijano se enteró de que su bisabuelo había ganado un premio literario Ricardo Miró y que tenía una editorial.

Aunque no entendía bien qué significaba eso, sintió que había algo de magia e importancia alrededor de ello.

Así se implantó la semilla de la curiosidad que lo llevaría, 20 años después, a reeditar la obra de su bisabuelo Manuel de Jesús Quijano, Tierra adentro.

La novela es “una extraordinaria ventana al Panamá del pasado y cómo se veía el futuro entonces”, dice Quijano del libro que sus ojos infantiles encontraron aburrido la primera vez.

El pasar de los años le hizo cambiar de opinión y lo llevó a reeditarlo y corregirlo, trabajo que realizó junto a Ariel Barría Alvarado y Rodolfo de Gracia, y que tomó aproximadamente dos años.

“Hago notar que hacia el final de la obra hay dos frases ambiguas o confusas que decidimos dejar así, al formar parte íntegra de lo que nos dejó el autor, y me pareció que había que respetarlo”, comentó Quijano.

La edición, de 308 páginas, incluye prefacio, prólogo, la novela y un anexo con la biografía del autor, así como el cuento ¿Por qué será?.

En total se imprimieron 300 ejemplares, aunque Quijano asegura que habrá otra reimpresión. Por el momento, el libro se puede adquirir en farmacias Arrocha de calle 50.

Manuel de Jesús Quijano nació el 12 de diciembre de 1884 y falleció en 1950, un año después de haber recibido el máximo galardón literario del país, y sin ver su obra publicada. La segunda edición de su obra, más de medio siglo después, fue impresa en España por la editorial 12 calles.

Las puertas de los museos de diferentes lugares del mundo, incluyendo Panamá, estuvieron abiertas para que el público celebrara el 18 de mayo el Día Internacional de los Museos.

Hoy, tres días después, la primera jornada del año del comité Hablemos de Patrimonio reflexiona sobre el papel de estos espacios en el desarrollo de la sociedad.

La jornada, que se celebra hoy en el salón 109 de la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Panamá, comienza a las 6:30 p.m. y tiene como lema “Museos para una sociedad sostenible”.

El tema sugerido por el Consejo Internacional de Museos será abordado desde dos ángulos que parten de la responsabilidad del público con respecto al patrimonio.

La presidenta de la Sociedad de Amigos del Museo Afroantillano de Panamá (Samaap), Verónica Forte, hablará sobre Museo Afroantillano y Samaap: Sostenibles por 35 años, mientras que Javier Hurtado Yow, profesor de biología de la Universidad de Panamá, hablará sobre Educación ambiental al rescate de nuestro patrimonio.

Forte proporcionará algunos ejemplos de iniciativas que han tenido que hacer para poder recolectar, preservar y promover nuestra herencia a través del Museo Afroantillano.

Actualmente, este museo se sostiene, en parte, por el Instituto Nacional de Cultura, que cubre los servicios básicos, y con el apoyo de Samaap, que hace actividades durante todo el año.

Sobre la situación de los museos en Panamá, Forte comenta que “existe una situación crítica que hay que evaluar con lupa”. Y explica que a diferencia de los museos privados, los estatales muchas veces no cuentan con el presupuesto para su mantenimiento, esto hace que muchos permanezcan cerrados y estén en condiciones precarias.

Por otro lado, Hurtado Yow hará hincapié en el patrimonio urbano y arquitectónico de la ciudad de Colón y cómo entra en el contexto de educación ambiental.

“En mi caso particular, voy a hablar de ese patrimonio histórico de nuestros edificios en la ciudad o de la parte histórica de la ciudad. Voy a enfocarme en eso para la educación ambiental. Si no valoramos nuestro entorno, no vamos a valorar los monumentos”, comentó.

La jornada será moderada por la arquitecta Silvia Arroyo, encargada del plan de manejo para el sitio arqueológico de Panamá Viejo.

El paisaje antes de llegar a Majé es una sucesión de olas, y una coreografía de pelícanos y gaviotas acechando a los inquilinos del mar. A lo lejos, un muro verde que cada vez se ve más cerca, muestra una entrada al cauce del río Majé; ahí se refleja toda la riqueza del lugar.

Al llegar, los niños son los que dan la bienvenida. Mientras ellos juegan frente a sus casas, los adultos hablan de sus problemas: la tala ilegal del cocobolo y la urgencia por contar con el título de tierra colectiva.

“Necesitamos pronto una respuesta, llevamos 50 años de lucha. Todos estos años que están pasando y no sucede nada”, traduce Lissette, una joven wounaan, las palabras que el cacique Ángel Pizarro pronuncia en su lengua wounaan meu.

Se está desarrollando el Congreso Regional Extraordinario Pueblo Wounaan, y su principal preocupación ocupa la primera parte de la reunión de la comunidad. Son las invasiones, y la tala, que acaba con su materia prima para hacer artesanías, una de sus fuentes de ingreso.

La de Majé es una de las 17 comunidades que quedaron fuera de la comarca Emberá Wounaan. Los pobladores de esta luchan por defender su tierra y su cultura.

Las mujeres wounaan llevan paruma (especie de falda), aretes, así como collares de plata y chaquiras, pero Julia Velásquez Runk se distingue entre la gente por sus rasgos y el color de su piel. La antropóloga de la Universidad de Georgia, Estados Unidos (EU), es una vieja conocida de la comunidad wounaan de Majé, en Panamá este.

Desde el año 2000 empezó a estudiar a la comunidad, cuando hizo una investigación sobre la relación de los bosques con la cultura indígena, y continuó estudiando la lengua wounaan meu, en un proyecto lingüístico llamado “Tradición oral wounaan” que trabajó en conjunto con el Congreso Nacional del Pueblo Wounaan, la Fundación para el Desarrollo del Pueblo Wounaan y las universidades de Georgia y Arizona de EU, y que fue presentado en febrero de este año.

El proyecto recoge unos 300 cuentos de la tradición oral wounaan, cuyas grabaciones reposan en la Biblioteca Nacional Ernesto J. Castillero y en el Archivo de Idiomas Indígenas de América Latina.

Después de más de una década, Julia le ha tomado cariño a la comunidad de cuya lengua materna conoce varias palabras. Le gusta cómo viven y explica que las comunidades wounaan están enmarcadas en el río. “Ellos saben dónde vivir, saben dónde hay menos peligros”, comenta, además de que “son buena gente” y “aquí es muy tranquilo”.

No obstante, una comunidad tranquila como esa también se agita ante sus problemas.

INVASORES Y TALA ILEGAL

Del mismo cuerpo de donde brotan sonrisas y se refleja amabilidad, sale bravura. Los wounaan dicen estar cansados de las promesas y que nadie les cumpla. Lo que quieren es un título de tierra colectiva con el cual defenderse de los invasores.

“Ya no queremos esperar hasta mayo. No sabemos si van a morir nuestros amigos, porque ya han amenazado a nuestros dirigentes”, le dice en lengua wounaan Lecto Mejía, ex presidente del congreso Wounaan, a Pedro Sittón, representante de la Anati, presente en la reunión.

Sittón les pide que esperen un poco más, “son varias las comunidades que tenemos que visitar y no quiero prometerles algo que no les pueda cumplir”.

La comunidad se impacienta esperando una inspección, que es parte del procedimiento para la adjudicación de la propiedad colectiva de tierra de los pueblos indígenas que no están dentro de las comarcas, establecido por la Ley 72 de 2008.

A la comunidad le preocupan los enfrentamientos entre colonos e indígenas y la tala ilegal del cocobolo.

Aunque no hay cifras precisas de cuántas denuncias por tala ilegal existen hasta el momento, Glenon Álvarez, director regional del ahora Ministerio del Ambiente, para Panamá este, admite que “hay muchas”, y aunque intentan darle atención a todas, muchas veces no se dan abasto.

“El territorio es amplio, hay poco personal y nos estamos apoyando con otras provincias. Sin embargo, sabemos que es una tarea difícil porque las personas están acostumbradas a realizar estas actividades y tenemos que trabajar muy duro para poder controlarlo”, expresa.

Son tres las personas que trabajan en estos casos y ahora, como parte de un operativo suman 10, pero son 6 mil 400 kilómetros cuadrados los que componen el área propensa a la tala. Son principalmente áreas indígenas: Majé, Majé cabecera, Majé cordillera, Pava, Pavita, Chimán y Platanares, según Álvarez, quien afirma que se están levantando procesos de investigación.

El congreso le da un voto de confianza al gobierno, pero se mantiene alerta. Están dispuestos a todo por defender su tierra.

FIGURAS DE LA NATURALEZA

En un paisaje en donde predominan los colores de la tierra tanto en el suelo como en las casas de madera, las parumas (las faldas que llevan las wounaan) tendidas debajo de algunas casas componen cuadros naturales llenos de contraste.

Las parumas son parte del vestido típico de las mujeres, y se complementan con collares de chaquira y monedas, así como la pintura de jagua en el cuerpo, aunque usualmente –por la influencia occidental– no se les ve así en la comunidad.

Uno de los pocos momentos en que lucen el atuendo tradicional, según cuentan, es en el congreso anual de la comunidad, que concluye con danzas. Sus bailes, de origen religioso, imitan los movimientos de animales como el ñeque, el pelícano, el gallote o la gaviota.

Pareciera que la naturaleza les hablara, y ellos replican ese diálogo también en sus artesanías.

Por generaciones, los wounaan han aprendido a tallar el cocobolo (Dalbergia retusa), un árbol que se demora entre 30 y 40 años en tener un corazón duro que se pueda tallar.

Jackson Membache, de 25 años, empezó a hacerlo cuando tenía 15. Aprendió de su papá, y con el paso del tiempo solo busca ser mejor. Ahora le dedica ocho horas diarias a las esculturas de madera. Tiene terminada la de una rana sobre una hoja, y aún le faltan dos semanas para terminar la de un águila harpía.

Su esposa, Celibeth Chaucarama, teje cestas con paja de chunga (Astrocaryum standleyanum) desde los 12 años. Siguió el ejemplo de su mamá, y asegura que todas las mujeres de la comunidad saben hacerlas “porque es parte de nuestra cultura”. En sus manos sostiene seis meses de trabajo en forma de una cesta blanca con unas huellas felinas tejidas con otro tipo de paja negra. Si trabaja todos los días, en seis meses más la habrá terminado para poder venderla en unos 500 dólares.

Los wounaan comprenden el lenguaje de la naturaleza y cómo sacar provecho de ella. Llevan esa cultura tallada en el corazón.

¿Cuál será la última consecuencia del abuso de poder del ser humano? El dramaturgo Jhavier Romero y sus compañeros del teatro Rayuela creen que será la desaparición de nuestra especie.

“[Esto sucederá] si continuamos tal como lo estamos haciendo, si no se dan cambios fundamentales, por lo menos en la conservación de la naturaleza, el respeto a los derechos humanos, el derecho que tienen las personas a la satisfacción de sus necesidades básicas”, comenta Romero, quien presenta a partir del jueves 28 de mayo, y hasta el sábado 30 de este mismo mes, la obra Cuando el río hable, en el teatro Anita Villalaz.

Esta pieza aborda el tema de los desaparecidos y la explotación al medio ambiente, usando recursos como la actuación en su vertiente antropológica y la danza contemporánea.

También cuenta con la música en vivo del grupo Son Azul (Carlos Iván Zúñiga y Rocío Bordanea), y la ambientación de un video mapping de Libélula Fractal.

“Nos interesa mucho generar un lenguaje sincrético a nivel teatral. Creemos que podemos alimentarnos de muchas expresiones, siempre y cuando sean orgánicas dentro de la obra”, expresa el dramaturgo.

La pieza, que fue presentada el año pasado en la sala del Grupo Experimental de Cine Universitario (GECU), generó buenas reacciones, según Sara Rodríguez, quien también participa en la obra.

“Es un género que últimamente no se está haciendo. Por eso, la idea del colectivo de hacer la obra desde otra perspectiva. A la gente le llamó la atención ver, vivir y pensar”, afirma Rodríguez.

Los personajes de la obra son tres mujeres (Victoria Mendoza, Arelly Valderrama y Lirenys Aguilar) que se dedican a desestabilizar organizaciones civiles y que han fallado en la misión deque un grupo indígena les ceda los derechos de un río.

A través de sus recuerdos se explorará el dolor sufrido por los pueblos latinoamericanos con los regímenes totalitarios, y se planteará que las desapariciones no son del todo un tema pasado. 

Los espíritus del río, por otra parte, serán el vehículo para reflexionar en torno al tema del agua.

Las entradas para la obra están de venta en Ticketplus y en la taquilla del teatro Anita Villalaz.

Teatro Rayuela se fundó en 2007, y su obra más reciente es Nosotros, 1964, presentada en 2014.

Se trata del coolhunting, algo que el bloguero de moda Mauricio Herrera Barría define como “la cacería de tendencias sociales, culturales, económicas y filosóficas que se encuentran en cierto momento en la sociedad para, con ellas, poder definir las herramientas para crear planes de negocios, mercado y tendencias”.

Esas tendencias, explica Herrera Barría, se refieren al diseño de modas, industrial o de interiores.
Existen consultoras que se encargan de este trabajo y, para ello, requieren de los coolhunters.

¿Qué hace un coolhunter? La revista Marie-Claire, en su glosario de moda, lo define así: “Un ‘coolhunter’ recolecta información y analiza diferentes tipos de estereotipos, siendo de vital importancia el conocimiento de las tendencias y de las novedades para poder dar una idea clara. Las calles e internet son las principales fuentes de las que beben estos profesionales”.

En el campo exclusivo de la moda, hay agencias que se encargan de este trabajo, como People’s Revolutions, de la estadounidense Kelly Cutrone, pero también existen blogs que funcionan como referentes, por el conocimiento con el que cuentan sus autores, de acuerdo con Herrera Barría.

Ejemplo de ello son los blogs de Adam Katz Sinding Le 21ème, y el de Tommy Ton.

La mujer empezó a trabajar y nació el vestido tipo sastre. Alguien había tomado nota de los cambios sociológicos para introducir una propuesta al mercado mucho antes de que la palabra coolhunting existiera.

Y aunque de acuerdo con la chilena Majo Arévalo, directora de la revista y sitio web Viste la Calle, el término surgió formalmente en la década de 1990, ya antes la forma en la que la gente se vestía tenía mucho que ver con el contexto socioeconómico y político que atravesara el mundo o la región, según Debbie Kuzniecky, una de las pioneras en el campo del fashion blog en Panamá.

“Anteriormente, todo lo que pasaba en el ambiente político y sociológico, si las mujeres tenían que trabajar o si había guerra, todas esas cosas cambiaron mucho al mercado. Todo lo que tenía que ver con el estilo cambiaba”, explica Kuzniecky, “la diferencia es que antes no se llamaba de esa forma”.

En ese entonces, era más sencillo determinar lo que se transformaría en tendencia. Sin embargo, con el tiempo y con la cantidad de información con la que se cuenta hoy, se fue haciendo más complicado.

Por eso, Kuzniecky considera que la definición correcta de lo que es un coolhunter (cazador de tendencias), es “la persona contratada por una empresa de mercadeo que se encarga de sentir lo que está en el ambiente”.

Eso quiere decir que esas personas no solo observan lo que sucede en las redes sociales, sino que asisten a fiestas y universidades para ver qué es lo que está pasando.

“La onda es mucho más de empresa que de estilo”, asegura Kuzniecky.

Blogueros y tendencias

Lo más cercano a un cazador de tendencias no contratado por una empresa de mercadeo es la figura del bloguero.“Se dice que un blogger hace coolhunting porque va por la calle y toma un montón de fotos y encuentran un patrón”, aclara Kuzniecky.

Ese es un tipo de blogueros, pero también existen otros que “vemos lo que está afuera y sabemos cómo adaptarlo al mercado, porque no todo lo de allá va a pegar acá, porque depende del clima”, explica Mauricio Herrera Barría.

Ante la pregunta de qué tendencias se pueden identificar en este istmo, Kuzniecky responde que “anteriormente la gente en Panamá usaba lo que estaba en las vidrieras, un estilo muy americanizado, ahora su estilo es más personalizado”.

La palabra “tendencia” se le hace un poco sucia a Herrera Barría, pues lo que realmente le atrae de las personas cuando se toman fotos de street style (estilo callejero) es que haya una narrativa entre la persona y lo que lleva puesto, “eso es lo que se definiría por un estilo personal”, dice quien es determinante al afirmar que “la tendencia más grande es no seguir la tendencia, sino seguir la personalidad”.

Esos objetos llenaban el escenario del teatro Anita Villalaz este viernes, cuando se desarrollaba el primer concierto del Primer Día de la Percusión, La caída del imperio.

El espectáculo, interpretado en una primera parte por el panameño Carlos Camacho, presidente del capítulo Panamá del Percussive Arts Society, y en la segunda por el estadounidense Allen Otte, profesor de percusión del Cincinnati College Conservatory of Music, y del Oberlin Percussion Institute, constaba de cortos actos dramáticos acompañados de instrumentos de percusión y otros objetos.

Una secuencia de palabras, silencios y sonidos marcaban el ritmo de la noche, mientras quedaban reflexiones en el aire.

“Puedes confiar en algunas personas, a veces, pero no sabes cuándo ni en quién”, decía Camacho en el cuarto acto, “Calentamiento Global”, o, “lo único que hemos aprendido de la historia es que no hemos aprendido de la historia”, afirmaba.

Las traducciones de la obra original The Fall of the Empire, compuesta por Frederic Rzewski, fueron hechas  por Camacho.

El Primer día de la Percusión culmina este sábado con la presentación de “El quinteto de Óscar Cruz y Omar Díaz”, también en el teatro Anita Villalaz (a las 8:00 p.m.), luego de una serie de talleres y presentaciones gratuitas en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Panamá, dictadas por Allen Otte, Óscar Cruz, Omar Díaz y Daniel Ortega.

La presentación del mexicano Franz De Paula comienza con una paradoja: “La humanidad en general vive sin acordarse de que va a morir y muere sin acordarse de haber vivido”.

De ahí parte Mentalmorfosis, un libro de casi 100 páginas, escrito a mano y lleno de dibujos y bosquejos, que invita a vivir el presente, haciendo lo que a cada uno le haga feliz y pensando diferente.

La propuesta de este “principio mental” es pensar al revés, es decir, pensar lo que usualmente no se piensa (o pensar en ausencia), cambiar el ángulo con el que se miran las situaciones, aprender a callar, escuchar y observar con atención, observarse por dentro para saber “quiénes somos realmente”, y no pensar en absolutos, “los buenos y los malos los pone nuestra cabeza”.

Así lo compartió De Paula la semana pasada en la presentación de su manifiesto, que está disponible de forma gratuita en el sitio www.mentalmorfosis.com.mx. 

A finales del mes de julio, De Paula regresará a Panamá junto a su compañera y coeditora del libro, Paty Carrera.

Estos emprendedores tienen programadas dos conferencias, y algunas presentaciones para apoyar a la rehabilitación de chicos que antes pertenecieron a pandillas.

Carrera, quien ha acompañado a De Paula en esta aventura, afirmó que el libro le cambió la vida. Ya lo presentaron en México, Nueva York, Guatemala, Panamá, en noviembre estarán en Los Ángeles y en 2016 visitarán Suramérica y Europa, según Carrera, quien agregó que usualmente no cobran en sus presentaciones.

“La gente se pregunta cómo hacemos para vivir, y pues todo es consecuencia de lo que hacemos. Cuando haces lo que amas, va sucediendo solo”, dijo.

La avenida Central tiene impregnados, además de recuerdos y momentos históricos, algo de folclor y de alegría. Esa avenida de Santa Ana, que en los años de 1970 era sinónimo de música salsa y carnavales, vuelve a ser protagonista hoy.

Las más de 10 mil personas que concurren a la popular vía en un día de pago, se encontrarán esta tarde con algo más que “baratillos”, pues desde el teatro Amador hasta el Banco Nacional, 334 artistas reclamarán la calle como escenario y ofrecerán lo más valioso que tienen: su talento.

Se trata de la Vía Plural, un trabajo colectivo que transformará la avenida de 2:00 p.m. a 5:00 p.m.

El proyecto coincide con la iniciativa que tiene la Alcaldía de Panamá de reanimar la avenida Central, aunque no siempre estuvo entre los planes originales.

“Lo consideramos algunos días, porque era difícil pensar en ese momento en alguien que nos apoyara para hacer el evento ahí, era una locura. Hoy día es mágico”, comenta Martín Valero, director de Colectivo Vía Plural, un grupo de “locos” (como se autodenominan), que unió fuerzas con la Alianza Francesa para darle un giro a la calle y hacer realidad este proyecto.

Hoy, 116 propuestas que vienen a llenar una parte de la “necesidad de opciones gratuitas de arte” se repartirán en nueve estaciones de danza, hip-hop, street art, cantautores, poesía, teatro, circo, galería, cine y representaciones itinerantes.

Con el final de la tarde, a las 5:20 p.m., el movimiento artístico se trasladará a la Plaza de Francia en el Casco Antiguo, en donde primará el ritmo de los tambores de Alfredo Hidrovo y dará paso a un espectáculo de teatro de calle, a cargo del payaso estadounidense Jango Edwards, la española Cristi Garbo y los franceses de Mondial Cabaret.

La avenida Central hace su primer llamado.

La calle, un escenario sin cortes

La avenida Central hace su segundo llamado. La cotidianidad sigue su ritmo, las ventas de comida, la música de los almacenes, el vaivén de la gente, todo sigue igual, pero en unas horas puede cambiar.

Esto se dará a partir de las 2:00 p.m., para ser más exactos, cuando desde el teatro Amador hasta el Banco Nacional (ver imagen) se desarrollen, cada 15, 20 o 30 minutos, diferentes actividades artísticas en conjunto con el nombre de Vía Plural.

En total, 334 artistas atendieron la convocatoria que los organizadores realizaran hace poco menos de dos meses. El mensaje les llegó por medio de los embajadores de Vía Plural.

“La estrategia era llegarles a los artistas de voz de personas que tienen experiencia en la escena”, comenta Martín Valero, director del colectivo Vía Plural.
Por eso, escogieron a personas de diferentes edades, estratos sociales y etnias. Rubén Blades (cantautor), Alejandra Araúz (actriz), Martanoemí Noriega (artista visual), Alexandra Samudio (presentadora de televisión), Oswaldo De León Kantule (pintor), David Sánchez (dj Ritmo Equis), Carlos Iván Zúñiga (cantautor) y Moyra Brunette (bailarina y coreógrafa) estuvieron entre esas voces.

Finalmente, 116 propuestas artísticas, adaptables al entorno callejero, encontraron su espacio.

“Cuando nos dimos cuenta de que no teníamos apoyo de la empresa privada, solo ciertos apoyos de materiales, llamamos a todos los artistas, sobre todo a los pintores, y les dijimos ‘no tenemos nada para ofrecerles, ¿estarían dispuestos a autogestionar su participación?’, y dijeron sí”.

El evento es el resultado de la voluntad de artistas, los gestores culturales de Es Fibre y Open Arts, así como de la Alianza Francesa, en coproducción de la Alcaldía de Panamá y el Instituto Nacional de Cultura.

Hoy todo es fiesta, y una oportunidad de mostrar al público el talento que hay en el istmo, algo que no siempre es valorado o remunerado. Ese es uno de los aspectos que busca modificar este festival artístico, que pretende “profesionalizar al artista de la calle”, de acuerdo con sus organizadores.

“La gente tiene que entender que el artista está hecho de horas de trabajo”, expresó Fabrice Placet, director de la Alianza Francesa, durante la presentación de la actividad hace una semana.

En ese momento, Placet reiteró su confianza en lo que puede hacer la cultura por un país como una forma de ampliar la oferta turística.Un recorrido familiar

El festival itinerante cuenta con nueve estaciones. La primera, cerca del Banco Nacional, tiene una oferta de danza que va desde baile contemporáneo hasta congos.

Si sigue caminando se encontrará una estación de música hip-hop. Más adelante, verá que los muros empiezan a llenarse de color con los chicos de streetart, y un poco más allá podrá escuchar las voces de cantautores, entre los que se encuentran, Carlos Méndez y Lilo Sánchez.

Unos pasos más allá los versos los podrían atrapar en la estación de poesía o puede que quede en medio de una obra de teatro en la estación siguiente. Ya casi terminando el recorrido, alguien de Fundación Escena Circo podría robarle una sonrisa o podría quedarse inmerso en la galería que está más adelante.

En la última estación, puede ponerse cómodo en una acera para ver a los ganadores del segundo festival de cine pobre Panalandia o los proyectos de Tagua Films, entre otras propuestas.

Es la novena estación. Puede regresar y repetir el recorrido o visitar el parque de Santa Ana, en donde se presentarán seis bandas musicales, y también tendrá lugar el Mercado Culturoso, un espacio en el cual emprendedores culturales y gestores mostrarán sus productos y, además, habrá un Mercado Plural de diseño independiente.

Para cerrar, el teatro y el humor serán los protagonistas. El payaso estadounidense Jango Edwards, la española Cristi Garbo y los franceses de Mondial Cabaret, quienes dictaron talleres esta semana a un grupo de actores de las artes escénicas, tienen preparado un espectáculo en conjunto con sus alumnos, que tendrá lugar en la Plaza de Francia.

Ese lugar resonará al final de la tarde al son de tambores para darle la bienvenida a la noche, con la ya conocida luna llena de tambores de Alfredo Hidrovo.

El comienzo
“Esta primera experiencia nos dejó mucho aprendizaje y vamos a mejorar para la segunda edición, que tenemos pensado que sea en diciembre o enero”, admite Valero, quien ya expresa su interés de llegar a otros espacios.

Eso ocurrirá cuando empiecen a cumplirse ciertos objetivos, entre ellos, que los artistas le agarren el gusto a trabajar en la calle, que pierdan el miedo y que la gente empiece a valorar también.

“Cuando se cumpla este objetivo, el proyecto va a tener que evolucionar, y si bien hoy es un festival de arte en la calle, mañana puede ser un plan piloto para otra cosa que cumpla otros objetivos”, dice Valero, quien afirma que el colectivo organizador del festival seguirá gestionando artistas.
Por el momento, todo está listo para la primera función de Vía Plural. Este es el tercer llamado.

La música le llegó como una caricia de su abuela, ella quería un nieto músico y ese deseo le moldeó la vida. Hoy Alexis Fong tiene 26 años, de los cuales más de la mitad ha dedicado al clarinete y ya va dejando huellas musicales.  

Apenas anoche, se presentó como solista junto a la Orquesta Sinfónica del Ibagué, en Colombia, como invitado al festival internacional de música clásica Ibagué Music Festival.

Esa noche interpretó el concierto para clarinete y orquesta del compositor británico Gerald Finzi, una obra llamada Misty, arreglada por el director español David Gálvez Pintado, y la pieza panameña Canto, del compositor Samuel Robles.

¿Cómo se da esta invitación para participar en el festival de Ibagué?

El director artístico del festival de música de Ibagué, Jesús Castro, y yo formamos parte de la Orquesta y Banda de la Universidad del Sur de Misisipi. Allá nos conocimos, él terminando su doctorado en flauta, y yo empezando la maestría en clarinete. Jesús y otros amigos hemos estado haciendo mucha música de cámara y es a partir de ahí que nace la invitación al festival.

¿Qué representa para usted y para su carrera musical esta invitación?

Para todo artista es importante darse a conocer en su país y el mundo; pero más que eso, es poder dejar marcada una huella a través del conocimiento y ver que tus estudiantes aprendieron la lección. Me llena de orgullo representar a Panamá en este maravilloso festival de música clásica. Llevo  días en Ibagué ofreciendo clases maestras, entrevistas en la radio y periódicos, conciertos y ensayos con la orquesta.

Ya ha participado en varios festivales de música, ¿con qué experiencia, recuerdo o enseñanza se queda de cada uno?

Cada festival es una experiencia maravillosa, siendo artista o estudiante. Aprendes muchísimo porque conoces artistas de todas partes del mundo y por medio de las clases maestras, te ayuda a elevar tu propio nivel musical.Una cosa que siempre te encuentras es que muchos jóvenes no tienen los recursos para irse a estudiar al extranjero, o no tienen profesor de su instrumento, y es cuando tú los ves con más ganas. Te puedo decir que con el poco tiempo que llevo aquí estoy impresionado con el nivel de música de los chicos. Ellos están tocando la rapsodia de Debussy, Bucolique de Eugenne Bozza, que a su edad es impresionante.

En Panamá enseña a los niños en poblaciones en riesgo, ¿le ha tocado compartir esa experiencia en algún festival?

Sí, en el primer país que tuve la oportunidad de compartir mi experiencia musical aparte de Panamá fue en Honduras y ahora acá en Ibagué, Colombia.

¿Qué representa la música para usted?
La música es el lenguaje en el cual todos nos sentimos identificados. Te puedo decir que la música para mí es como el matrimonio, apenas tienes esa conexión profunda no hay manera de despegarse. Mis vacaciones son para hacer música y participar en varios festivales.

¿Cómo fue su primer acercamiento a la música clásica?
Fue gracias a mi abuelita Carmen. Ella toda su vida quiso tener un nieto músico y justo un día que salí del colegio ella me dijo vístete que tengo que hacer un mandado, (Yo no sabía de que se trataba el mandado), el “mandado” fue ir a inscribirme al conservatorio de música ubicado en San Felipe (hoy día donde está ubicada la Fundación Danilo Pérez) y pues desde ese momento empezó todo.

Próximamente, Fong lanzará un disco con la agrupación Paisaxe, y  está terminando una maestría en Music Performance en la Universidad de  Southern Mississippi en los Estados Unidos. Después, quiere regresar a Panamá. “Vale la pena tener esa responsabilidad de mejorar los pueblos a través de las nuevas técnicas de enseñanza que uno aprende en los estudios superiores. Lo importante es que el panameño, el Gobierno y las instituciones afines a la cultura apoyen estos proyectos”, concluyó.

Atrás quedó el miedo que provocó organizar aquel primer Festival de Música Clásica Contemporánea Latinoamericana MusicArte en 2013 en el país.

Ahora regresa con una oferta más amplia de conciertos y clases magistrales.

El objetivo está claro, y es hacer de Panamá el hub de la música clásica contemporánea, tal y como lo indicó Carmen Alemán Healy, presidenta de la Fundación Alemán Healy, organizadora del festival, en conferencia de prensa.

El evento cultural, que se desarrollará del 9 al 20 de junio en la capital, busca ser el punto de encuentro entre creadores e intérpretes.

“Los intérpretes de música clásica no están acostumbrados a hacer música clásica contemporánea”, comentó Andrés Carrizo, director del festival, que servirá para ampliar la perspectiva de ambos.

Esta segunda versión, que amplía la cantidad de actividades, estará enfocada en la educación. Como parte de la labor de docencia del festival, los ensayos y clases maestras podrán contar con la presencia del público como espectador.

Estos ensayos abiertos serán en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) y la Casa del Soldado.

El primer concierto del festival será el jueves 11 de junio en el hotel Tryp, y será gratuito. Otros tendrán lugar en el MAC, el Danilo's Jazz Club, Teatro Amador, la Alianza Francesa y el Teatro Anita Villalaz.

Los precios de entrada oscilan entre 5 y 20 dólares.

Entre los invitados se encuentra el Ensemble Dal Niente, de Chicago.

La idea, que nació hace dos años, es hoy la Fundación Arte Panamá.

“Creemos que es necesario ordenar y documentar la historia del arte, parte de la historia general, para profundizar el proceso de identidad nacional (...) y una amiga de la cultura nos sugirió convertirnos en fundación sin fines de lucro para lograr sumar a la mayor cantidad posible de personas, instituciones y empresas”, recuerda Lachman.

El proyecto, llamado Historia del Arte de Panamá, pretende ir documentando en libros, inventarios, fotografías y documentales cortos, quiénes han sido los artistas en Panamá que han desarrollado una carrera y que merecen ser recordados e identificados tanto por los panameños como por la comunidad internacional.

La junta directiva de la fundación que lleva a cabo este proyecto está formada por Nancy Calvo, Sarita de Castro, Carla Lachman y Gabriela Esplá.

“Pero, además, está un equipo de amigos, dentro de los cuales hay artistas, productores, escritores, investigadores y empresas que creyeron en este proyecto, como por ejemplo Sergio Cambefort, Pedro Luis Prados, Emilio Torres, Hernán Santos, Kiosco Creativo, TBWA, LOVILL abogados, y Juan Carlos Marcos, por mencionar a los primeros que aportan a este gran proyecto”, comentó Lachman.

La noche del martes, la fundación presentó sus objetivos y el estado de la primera etapa de investigación.

Arte e historia

¿Sabe quiénes son los artistas panameños del siglo XIX? Esta información estará al alcance de todos, si prospera el proyecto de rescate y documentación Historia del Arte de Panamá, de la Fundación Arte Panamá.La organización tiene la tarea de documentar e inventariar la vida y obras artísticas de quienes nacieron a mediados del siglo XIX hasta la actualidad.

“Se trata de conocer al artista y la obra que produjo; saber algo importante de la cultura de Panamá. Que cuando se le pregunte a un funcionario de un ministerio ¿quién fue Alfredo Sinclair?, pueda decirlo y pueda reconocer alguna de sus obras. Que cuando se le pregunte a un estudiante de cuarto año de secundaria o primer año de universidad ¿quién es Antonio Alvarado?, pueda reconocer su pintura abstracta, y así vamos con cada artista”, dijo Arlene Lachman, miembro de la junta directiva de la fundación.

El proyecto, presentado la noche del martes, busca ordenar y documentar la historia del arte, con el apoyo de un equipo interdisciplinario de personas del sector cultural, escritores, investigadores, productores, así como particulares, empresas e instituciones que se quieran sumar a la labor.

Actualmente se está trabajando en la primera etapa, que reúne la vida y obra de artistas nacidos desde mediados del siglo XIX hasta 1930. Las siguientes etapas serán de 1931-1950, de 1951 a 1970, de 1971 a 1989, y los que nacieron a partir de 1990, e incluye a artistas de la pintura, escultura, fotografía, video artes, instalaciones, performance, y otros soportes que traen las nuevas tecnologías.

“Ya tenemos casi listo el material biográfico y artístico de los primeros 40 artistas del país. Los hemos agrupado por años para poder facilitar la labor”, comentó. 

Lachman, quien agrega que la lista de tareas incluye hacer un inventario de las obras que existen en los museos, las colecciones privadas, las del Estado, las oficinas públicas, así como las de misiones diplomáticas; y recomendar la forma de cuidarlas.

Los planes de la fundación incluyen, además del inventario, la confección de libros monográficos, exposiciones, subastas, documentales, talleres, publicaciones para estudiantes, homenajes, avalúos, y enlaces en sitios web relevantes.

¿Qué tanto se sabe del arte de Panamá?Lachman contesta que algo se sabe. “Ha habido valiosos esfuerzos y personas que han dedicado tiempo y recursos para levantar algo de la historia”, expresa. Entre esas personas menciona a Renato Ozores, Erick Wolfshoon, Ángela de Picardi, Pedro Luis Prados, Mónica Kupfer, Adrienne Samos y Mario Lewis.

“Se trató de ordenar 100 años de arte en Panamá para la celebración del Centenario de la República, proyecto que dirigió Carmen Alemán y en el que participé, pero seleccionando artistas con criterios preestablecidos, y el esfuerzo no llegó a las masas como hubiésemos deseado, ni quedaron todos los artistas documentados”, reconoce.

Es por eso que en esta ocasión el propósito será llegar a todos los rincones, valiéndose también de las nuevas tecnologías, las redes sociales.

Quienes quieran sumarse a la labor tienen las puertas abiertas, pues se necesitan voluntarios. Los que estén interesados pueden hacerlo escribiendo a fundacionartepanama@gmail.com

“El pueblo ve el arte como algo lejano y extraño, y curiosamente, la mayoría de los artistas viene de estratos muy humildes. Hay que llevar el arte a las masas. El conocer las obras de arte y los artistas que las producen o produjeron, definitivamente fortalece nuestra cultura, nuestra identidad como nación. Y mientras más educados seamos, mejores humanos seremos”, reflexionó Lachman.

La tarde en la que Jonathan Lisco nos habló fue el día en el que entraría en el cuarto de edición para convertir horas de grabación en uno de 42 minutos, el último capítulo de la segunda temporada de Halt & Catch Fire, la serie sobre los comienzos de la revolución tecnológica en la década de 1980.

El productor ejecutivo de la serie de AMC Studios habló sobre su trabajo en la serie, y lo que piensa de su tema central: la tecnología y la conectividad humana.

¿Cómo es trabajar Halt & Catch Fire?

Es retador. No queremos solo hablar del mother board, de los bytes o de los códigos, queremos hablar de la gente. Así que si preguntas, el show no es solo sobre computadoras, sino sobre el costo de ir detrás de los sueños y la vida. Y es sobre no dejar de empeñarse cuando todo este ingenio está alrededor, renovarse, sobrevivir, pelear un nuevo día, ser grandioso, hacer algo que realmente tenga sentido.

Así que al final son jóvenes con los que todo el mundo puede identificarse, no solo los amantes de las computadoras.

¿Dónde encuentra la inspiración para construir la historia de este ‘show’?

Todos sabemos, o creemos que sabemos, las historias de Steve Jobs y Bill Gates. De estos dos innovadores de la computación tenemos conocimiento, de lo que no sabemos es la historia de los hombres y mujeres que trabajaron con ellos, frecuentemente haciendo sacrificios personales. Así que Halt & Catch Fire explora este tipo de gente.

¿Qué es lo que más le gusta de su trabajo?

El hecho de haberme convertido en productor ejecutivo y trabajar con tantos escritores, directores y productores talentosos, para crear una historia complicada.

Estaba en un juego el otro día y una persona se acercó a mí porque había leído mi nombre en los créditos de Halt & Catch, y me dijo que su madre trabajaba en una compañía de computación y no duró el tiempo que su madre hubiese querido que durara. Dije “bueno, espero que te guste el show”. Y me dijo, “amo el show. Me está ayudando a entender las dificultades que tuvo mi madre”.

Pensé, “wao, somos capaces de hacer que la gente entienda más la situación de otras personas a través de nuestras historias ficticias”. Creo que eso es lo que más me gusta de mi trabajo.

¿Cómo se prepara?

Cuando estamos comenzando, vamos a nuestro salón, y mis seis escritores y yo pasamos ahí entre 6 y 12 horas, cada día. Hablamos, hablamos y hablamos, y nos contamos todas las ideas que tenemos, nos criticamos unos a otros y hacemos talleres con las historias para asegurarnos de que son atractivas. Es difícil. A nadie le gusta que critiquen sus ideas, pero espero haber creado un ambiente en el que puedan tener la mala idea y tomarla para convertirla en una buena.

Con tantos avances tecnológicos ¿Qué tanto han cambiado las conexiones de los seres humanos desde 1983 hasta ahora?

Ese es uno de los grandes temas de las segunda temporada, la conectividad humana. Cameron y Donna hacen una compañía para jugar en línea, puedes jugar con un extraño online, y también puedes hablar con él. Pero creo que si hacemos bien nuestro trabajo, vamos a hacer preguntas que envuelven mucho a la gente hoy. Puedes preguntarte cómo las cosas nos hacen sentir que estamos más conectados hoy. Chat, internet, email, social media, cómo somos mejores con eso, o cómo estamos más alejados de lo que estábamos.

“Hay una cantidad increíble de compositores que han seguido explorando esa misma trayectoria pero dentro de todo el mundo sonoro del siglo XX”, explica Andrés Carrizo, fundador y organizador del festival de música clásica contemporánea MusicArte.

El festival, cuya segunda versión arranca hoy y se extiende hasta el 20 de junio, nació con la intención de abrir para los nuevos compositores todo un universo de sonidos.

“Mi motivación surge de mis primeras experiencias como adulto. Cuando salí del país me di cuenta que había gente que no solo me superaba, sino que lo hacía con creces. La música que oí me voló la mente”, recordó Carrizo en la presentación del festival organizado por Fundación Alemán Healy (FundAHrte).

Con una oferta que amplía, de tres conciertos en la primera versión en 2013 a seis, que se celebran en esta ocasión, y con clases maestras, así como ensayos abiertos a la apreciación del público, la actividad cultural busca sentar las bases para convertirse en el puente entre grupos reconocidos y nuevos compositores, según Carmen Alemán Healy, presidenta de FundAHrte.

“Soñamos con un MusicArte que duré 20 años, como lo ha hecho la bienal Centroamericana”, dijo.

Música clásica y contemporánea

Ensayos, ideas nuevas, experiencias compartidas. Los músicos empiezan a experimentar en un laboratorio de melodías y de encuentros, en la segunda versión del festival de música clásica contemporánea MusicArte.

Atrás quedaron los temores del pianista y compositor panameño Andrés Carrizo, de que en Panamá el festival fuera visto como algo esotérico y reservado para un público muy erudito.

“Temíamos que no viniera nadie, pero la voz se regó y vinieron personajes no solo que yo conocía del ámbito, sino también personas que yo no había conocido, que se interesaban. Así se va creando conciencia”, comenta el organizador del festival.

En la primera versión, celebrada en 2013, se confirmaron tres puntos, asegura Carrizo: que hay un público, que el festival es efectivo y que hay una apreciación estética por parte del público.

Es por eso que se amplió la agenda de conciertos, así como las sedes.

La actividad ya no se centra en la Universidad de Panamá, en donde se desarrollarán clases maestras; también habrá clases en el Conservatorio Nacional de Música y la Fundación Danilo Pérez.

“Estamos trayendo a grupos de cámara especializados de Estados Unidos y compositores latinoamericanos de diferentes partes del continente y reuniéndolos en Panamá para que trabajen juntos”, dice Carrizo.

La intención es que intérpretes y compositores nuevos descubran cómo se trabaja una canción en conjunto, desde cero. Las personas que quieran presenciar tanto las clases maestras como los ensayos de los grupos invitados tendrán la libertad para hacerlo.

Quienes lo hicieron descubrieron que había posibilidades ilimitadas para hacer sonar el violín, por ejemplo, una experiencia que podrán vivir con los grupos SoundScape Trío, Esemble Dal Niente y Alia Música, en los ensayos abiertos que se desarrollan a partir de hoy en Casa del Soldado, el teatro Anita Villalaz y Fundación Danilo Pérez.

En cuanto a los conciertos, tendrán lugar a partir del jueves, cuando se presente de forma gratuita Nathanael May, en el hotel Tryp de Albrook. Otras sedes son el Museo de Arte Contemporáneo, Danilo’s Jazz Club, Teatro Amador, la Alianza Francesa y el teatro Anita Villalaz.

Sonidos de siglo XX

Más de una decena de compositores internacionales y panameños se suman a la fiesta de la música clásica contemporánea. Las obras de Iván Knees, Federico Llach, Roberto Azaretto, Ricardo Durán, Luis Ernesto Gómez y Diego Taranto son las invitadas para esta ocasión.

En el festival también participarán autores panameños, como Emiliano Pardo Tristán, Jorge Bennett, Ricardo Risco, Samuel Robles y Heriberto Pinzón, compositor joven que en la versión anterior trabajó como voluntario y el 20 de junio cerrará el festival con un concierto compuesto por él.

El argentino Valentín Pelisch también tendrá su propio concierto, luego de haber sido participante.

“Primero que todo su música es bellísima, pero además lo que hace mucho es escenificar la música”, comenta Carrizo. El concierto de Pelisch está diseñado para ser ejecutado en la Alianza Francesa y contará con siete músicos panameños, un ensemble mixto de guitarra eléctrica, batería y saxofón, así como con la actuación de Winnie Sittón.

Además, el propio Carrizo tendrá dos participaciones, una en el concierto del 11 de junio y otra el día 20, junto a Dal Niente y Carlos Méndez, cuando presente un arreglo que trabajaron juntos.

¿Cambia en algo la percepción que se tiene de la música clásica? Carrizo quiere pensar que el proceso avanza: “Hay tanta percepción arraigada a la música clásica que cambiarla toma tiempo y es cuestión de exponerla al público e ir proyectando el festival a diferentes partes de la sociedad y crear esa conciencia. Ese es nuestro norte”.

Milena Torres, Reinaldo Zaverce, María Gabriela de Faria, Micaela Castelloti y Willy Martin, integrantes de este colectivo, dijeron estar muy contentos de encontrarse por primera vez en Panamá y expresaron su deseo de regresar pronto para presentar el show de la segunda temporada de la serie también llamada ISA TK+. Invitaron a sus fanáticos a pedir su regreso a través del sitio web NickelodeonLatinoamérica, www.mundonick.com

Sobre el espectáculo presentado ayer en el Teatro Anayansi, María Gabriela de Faria, quien interpreta a Isabella Pascuali en el programa, dijo que era algo que el grupo esperaba desde hace mucho tiempo, y agregó que el show estaba bien preparado, ya que combinaron música y actuación.

El joven que interpreta a Reinaldo Galán, Willy Martin, es el bromista del grupo y no pierde ocasión para hacer reír a sus compañeros.

Entre risas y bromas hablaron sobre su vida personal. Los protagonistas de la serie, Zaverce y de Faria, confesaron que su romance en la serie es ficticio, pero que dentro de nueve días cumplirán dos años de ser novios en la vida real.

Estos venezolanos se dedican a la actuación, a la música y a estudiar. Catelloti, dueña del papel de Linda Luna, ensaya además un musical que presentará en su natal Argentina.

Isa TKM tiene planes de visitar después Ecuador y luego a Brasil, país en el que, según expresaron, sus presentaciones han sido bien aceptadas. Han visitado México, Colombia, Venezuela, Brasil y Perú.

Milena Torres, Reinaldo Zaverce, María Gabriela de Faria, Micaela Castelloti y Willy Martin, integrantes de este colectivo, dijeron estar muy contentos de encontrarse por primera vez en Panamá y expresaron su deseo de regresar pronto para presentar el show de la segunda temporada de la serie también llamada ISA TK+. Invitaron a sus fanáticos a pedir su regreso a través del sitio web NickelodeonLatinoamérica, www.mundonick.com

Sobre el espectáculo presentado ayer en el Teatro Anayansi, María Gabriela de Faria, quien interpreta a Isabella Pascuali en el programa, dijo que era algo que el grupo esperaba desde hace mucho tiempo, y agregó que el show estaba bien preparado, ya que combinaron música y actuación.

El joven que interpreta a Reinaldo Galán, Willy Martin, es el bromista del grupo y no pierde ocasión para hacer reír a sus compañeros.

Entre risas y bromas hablaron sobre su vida personal. Los protagonistas de la serie, Zaverce y de Faria, confesaron que su romance en la serie es ficticio, pero que dentro de nueve días cumplirán dos años de ser novios en la vida real.

Estos venezolanos se dedican a la actuación, a la música y a estudiar. Catelloti, dueña del papel de Linda Luna, ensaya además un musical que presentará en su natal Argentina.

Isa TKM tiene planes de visitar después Ecuador y luego a Brasil, país en el que, según expresaron, sus presentaciones han sido bien aceptadas. Han visitado México, Colombia, Venezuela, Brasil y Perú.

La titular de Educación de Panamá, Lucy Molinar, mencionó el tema curricular, la formación docente y la innovación tecnológica como puntos discutidos en cuanto a educación. Mientras que, respecto a la cultura, dijo que trabajarán en la promoción de la industria cultural, la cultura de la paz y la ruta del intercambio cultural.

Manuel Obregón, ministro de cultura de Costa Rica, explicó que la idea de los corredores culturales, es rescatar las tradiciones históricas que han unido a la región centroamericana y que de alguna forma se han perdido.

María Eugenia Herrera, directora del Instituto Nacional de Cultura, dijo que las autoridades de los países participantes serán consecuentes en sus acciones para lograr un desarrollo a largo plazo. Incluso, afirmó que la institución que representa está trabajando, también, en un plan cultural de Estado basado en la política de la conducta del ser.

La intención, según dijo, es crear una administración estructuralmente cónsona con la realidad, e ir a la vanguardia en industrias y rutas culturales, así como en el intercambio de conocimientos. El objetivo final es utilizar la cultura como un instrumento de paz, dijo.

Dentro de las conclusiones del encuentro celebrado el pasado 11 de junio en Panamá, la directora del Inac destacó la importancia de una alianza estratégica entre educación y cultura. Sin embargo, dijo que están trabajando en los procesos y aún no se han definido las herramientas de este acuerdo.

Molinar y Herrera confirmaron que coordinaran otras reuniones con los ministros de la región.